Skip to main content
[:es]

Para que el ser humano pueda trasladarse de un lugar a otro existen muchos medios: un automóvil, un avión, un barco o sus propios pies. La única variable que no cambia es todo lo que ocurre durante el traslado del punto A al punto B, a esa experiencia que le llamamos viaje. El viaje incita la reflexión, la observación y reconocimiento del camino es, en sí mismo, un acto de recolección de imágenes. Desde el impresionismo, la relación entre el artista y el paisaje se afianza, pero no termina ahí, el arte contemporáneo también encuentra su lugar en el no lugar del traslado.

  • Te podría interesar:

Yo también quiero ser un hombre blanco heterosexual

Norma | La tragedia de amar al invasor

Estas reflexiones son producto del ensimismamiento durante el recorrido hacia Matucana 100 en bicicleta, me dirijo a la exposición Las enseñanzas del cerezo del Colectivo MICH (Museo Internacional de Chile), grupo integrado por: Simón Catalán, Pilar Quinteros, Sebastián Riffo, Héctor Vergara y Carolina Herrera, quienes nos proponen un experimento que intenta volver a posicionar la práctica del dibujo en el panorama actual del arte chileno.

El recorrido de MICH traza un eje transversal uniendo costa, valle y cordillera, como una línea primitiva que incide sobre la representación geográfica de nuestro país en el mapamundi. El territorio inexplorado sirve como detonante creativo y la relación directa del cuerpo con la naturaleza incita a un hacer por hacer intensivo. Nos enseña nuevas aproximaciones al dibujo, entendiéndolo como un lenguaje gráfico que construye realidad.

La muestra se destaca por la diversidad de piezas, las más comunes como el dibujo al muro comparten espacio con el video y la escultura. Como si fuese un enorme taller con proyectos que se encuentran en pleno proceso de investigación.

Lo primero que salta a la vista son un par de moles de gran presencia que al mismo tiempo son blandas y orgánicas. Se ubican de forma sugestiva al lado de un cubo que sirve de soporte para más dibujos, la interacción desafiante entre la forma orgánica y el rigor geométrico pareciera estar dándonos una lección de dibujo clásico. Estas piezas provocan una sensación ambigua entre carpas de camping y muros rocosos, compuestas de fragmentos cocidos para generar volumen. En este caso, el dibujo pareciera estar ausente en el formato, sin embargo, una segunda mirada nos revela que el sistema constructivo de la costura es semejante al dibujo, la línea que une dos puntos.

En el piso se encuentra un libro de gran formato que reúne esbozos realizados durante el viaje, una aproximación más tradicional al territorio, como un mapa rudimentario o el registro de hallazgos orgánicos. Los trazos parecen más metódicos que expresionistas, más como un mapa físico que un test de Rorschach. Cabe destacar el gesto de la manufactura, la encuadernación tradicional y el dibujo como nexo entre la mano del artista y la obra.

Recorrer los mismos paisajes que podría haber pisado un pintor viajero como Rugendas, recolectando material como una labor ensimismada y solitaria, en este caso se transforma en una experiencia colectiva, lo que aporta amplitud de miradas y conversaciones. MICH se define como un proyecto de gestión autónoma que cuida los vínculos afectivos y efectivos entre sus integrantes, la conciencia de colectividad se ve representada en la muestra cuando podemos identificar diferentes gestualidades. En los muros de Matucana 100 una serie de dibujos dialogan en el espacio virtual del fondo blanco, una especia de cadáver exquisito formado por retratos, dibujos de botánica, relieves geográficos, etc.

La convergencia de líneas de trabajo entre los artistas no son las únicas presentes en la sala, la muestra se abre hacia el público con la ayuda de “Mesas de dibujo”, las que se realizaron en 4 sesiones donde la modalidad permitía el diálogo y participación de nuevas visiones estéticas, culturales y generacionales. El taller donde se realizan estas sesiones forma parte de la exhibición, sin embargo, mientras no se realizan las mesas de dibujo parece casi privado, en reposo hasta que la presencia de gente lo active.

Después de recorrer la muestra por un tiempo, los muros blancos de la museografía se tornan más seductores y comienzan a parecerse a una hoja en blanco. El dibujo nos enseña que la unión de dos puntos a través de una línea puede representar el mundo entero, entonces ¿Cómo frenar este impulso primitivo tan humano? Quizás estampando una huella en una cueva, calcando la sombra de un ser querido proyectada en la pared, trazando los planos de una iglesia barroca, dibujando naturaleza al aire libre o grafiteando por las calles de la ciudad.

[:en]For human beings there are several ways to move from one place to another: an automobile, an aircraft, a ship or their own feet. The only variant that keeps the same is all that happens during the trip from A point to B point, to that experience we call it “trip”. The trip encourages the reflection, the sighting, and the acknowledge of the way is, by itself, an act of recollecting images. From the impressionism, the relation between the artist and the landscape is strengthen, but it doesn’t end there, the contemporary art also find its place in the non-place of moving.

  • You might be interested:

Yo también quiero ser un hombre blanco heterosexual

Norma | La tragedia de amar al invasor

These reflections are the result of self-absorption during the journey to Matucana 100 by bicycle, I am addressing the exhibition Las enseñanzas del cerezo of the Colectivo MICH (International Museum of Chile), a group composed of: Simón Catalán, Pilar Quinteros, Sebastián Riffo, Héctor Vergara and Carolina Herrera, who propose an experiment that tries to return to position the practice of drawing in the current panorama of Chilean art.

The MICH route traces a transversal axis joining the coast, valley and mountain range, as a primitive line that affects the geographical representation of our country in the world map. The unexplored territory serves as a creative detonator and the direct relationship of the body with nature encourages an intensive doing. It teaches us new approaches to drawing, understanding it as a graphic language that builds reality.

The show is highlighted by the diversity of pieces, the most common as the drawing to the wall share space with video and sculpture. As if it were a huge workshop with projects that are in the process of research.

The first thing that comes to mind are a couple of moles of great presence that at the same time are soft and organic. They are located suggestively next to a cube that serves as support for more drawings, the challenging interaction between the organic form and the geometric rigor seems to be giving us a classic drawing lesson. These pieces provoke an ambiguous feeling between camping tents and rock walls, composed of cooked fragments to generate volume. In this case, the drawing seems to be absent in the format, however, a second look reveals that the constructive system of the seam is similar to the drawing, the line that joins two points.

On the floor there is a large format book that brings together sketches made during the trip, a more traditional approach to the territory, such as a rudimentary map or the record of organic findings. The strokes seem more methodical than expressionist, more like a physical map than a Rorschach test. It is worth mentioning the gesture of the manufacture, the traditional binding and the drawing as a link between the hand of the artist and the work.

Going through the same landscapes that a traveling painter like Rugendas could have stepped on, collecting material as a self-absorbed and solitary work, in this case it becomes a collective experience, which provides a wide range of views and conversations. MICH is defined as an autonomous management project that takes care of affective and effective bonds among its members, the collective consciousness is represented in the sample when we can identify different gestures. In the walls of Matucana 100 a series of drawings dialogues in the virtual space of the white background, a kind of exquisite corpse formed by portraits, botanical drawings, geographical reliefs, etc.

The convergence of lines of work between the artists are not the only ones present in the room, the exhibition opens to the public with the help of “Tables of drawing”, which were held in 4 sessions where the modality allowed dialogue and participation of new aesthetic, cultural and generational visions. The workshop where these sessions are held is part of the exhibition, however, while the drawing tables are not made it seems almost private, at rest until the presence of people activates it.

After traversing the exhibition for a while, the white walls of the museography become more seductive and begin to look like a blank page. The drawing teaches us that the union of two points through a line can represent the whole world, so how can we stop this primitive impulse so human? Perhaps imprinting a trace in a cave, tracing the shadow of a loved one projected on the wall, tracing the plans of a Baroque church, drawing nature outdoors or graffitiing through the streets of the city.[:]