{:es}Todo partió con The rape of Europa. Un documental que explora los gustos estéticos de Hitler y cómo, movido por su pasión por el arte, se dedicó a saquear sistemáticamente los grandes museos de Europa, así como destruir meticulosamente miles de obras consideradas por él como “degeneradas”. El resto, fueron las ganas. Las ganas de pintar algo relacionado con esa temática, pintar algo grande, enorme.
Y así, Diego Martínez, Francisco Uzabeaga y Josefina Guilisasti se juntaron en el taller de ésta última y comenzaron a trabajar en un proyecto que les tomaría dos años: Expolio, recientemente inaugurado en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos, en Santiago de Chile.
Son cuatro pinturas al óleo en blanco y negro: dos de la Segunda Guerra Mundial y dos de los atentados en Siria, estableciendo un diálogo entre el nazismo y el yihadismo, aseguran los artistas. La primera de ellas muestra la sala de pintura holandesa y flamenca del siglo XVIII del Museo del Hermitage, que los soviéticos decidieron vaciar antes de la llegada de los nazis. El resultado: cientos de marcos colgados en los muros pero sin telas, sin pinturas. De aquí pasaron a la iglesia alemana de Ellingen, en la zona de Baviera, utilizada como centro de acopio para las obras requisadas por Hitler. En ella resaltan, cerca del altar, obras y objetos envueltos en cajas y sábanas blancas. Siguieron luego con una mezquita en Alepo, bombardeada en 2013, y terminaron en Apamea, con la imagen cenital del saqueo en un sitio arqueológico.
Los tres artistas estudiaron en la Universidad de Chile, pero son de distintas generaciones. Pese a ello, se sintieron atraídos cada uno por el trabajo del otro y, tal como en los talleres renacentistas, se unieron para trabajar juntos. Pero, a diferencia de Miguel Ángel y otros, en lugar de una firma, cada obra está firmada por los tres. Sobre este proyecto, hablan un poco más los artistas.
¿Por qué eligieron el monocromo para sus cuadros?
Diego (D): De partida porque el registro fotográfico de la Segunda Guerra Mundial es toda en blanco y negro. No se tenía acceso a color. Después la decisión fue tomando más peso.
Francisco (F): Era una cita…
Por ejemplo, en el primer cuadro que hicimos mezclamos un color tierra con un azul, pero pasó que uno hizo un negro más cálido, otro más frío, y entonces en el segundo cuadro tomamos la decisión de usar el blanco y el negro para poder unir, de alguna forma, las tres manos y trabajar los tres en cada panel.
Josefina (J): Y también está la noción de la economía de medios. Trabajar tres, y además con colores… No, aquí se redujo la paleta al blanco y al negro de tubo. No había otras opciones.
¿Partían de fotografías y después la traspasaron a la tela?
J: Sí
F: Pero no fue que hiciéramos las cuatro al tiro, sino que fue un proceso. Diego se encargó de recopilar imágenes para ver cuál podría ser más simbólica y, a través del proceso, nos dimos cuenta de que en el presente pasa lo mismo que durante la Segunda Guerra Mundial.
J: Y además de todo el tema histórico, lo pictórico también es muy importante. Porque la pintura ha tenido una cierta marginalidad. Nosotros quisimos retomar la pintura y volver a pintar estos grandes formatos que no entran en el mercado.
También aluden a la pintura histórica del siglo XIX. ¿En qué aspectos? Además del formato, el tema…
¡En todo! –responden al unísono.
J: Nuestro referente es Jacques Louis David, que en el fondo era el que registraba la coronación de Napoleón…
F: La Revolución…
J: Y aparte, la pintura histórica es un género de la pintura muy importante, que existía cuando no existía la fotografía y que daba cuenta de los acontecimientos.
¿Cómo lidiaron con lo cruel de la temática?
J: La temática tiene un punto de partida para nosotros muy importante, que es el valor del arte. Nos impresiona mucho. Napoleón, Hitler, ahora Siria. Como artistas, obviamente es un tema para nosotros… y que se valora muy poco aquí.
D: A mí lo que me pasó con lo potente, con lo rudo que era el tema, fue que en un inicio, te vas conmoviendo con cada caso en específico. Cuando uno ve las imágenes de ISIS destruyendo imágenes sumerias de mil 800 años o más, quedas mal, muy mal. Pero también cuando revisas el trabajo de Manuel Alvarado, que hizo toda la investigación histórica para esta muestra, empiezas a ver que los romanos, Napoleón, los nazis y así en adelante, te das cuenta de que hay una historia de saqueos y trofeos de guerra, de museos y colecciones que se van armando. Te empiezas a ahogar por cosas que han pasado y que van a seguir pasando. Entonces, trabajar entre tres te ayudaba a respirar.
J: Y lamentablemente, pese a ser imágenes tan crudas, son muy bellas. Terriblemente bellas.
La muestra también incluye animaciones de Gabriela Villalobos, ¿cómo se dio eso?
D: La invitamos. Habiendo concretado ya la exposición aquí en el museo, nos dimos cuenta de que su público es muy fuerte en el área educativa: niños que vienen a ver la colección permanente del museo. Entonces creíamos que había que capturar y hacer un link entre la pintura y el tema. Así que decidimos incorporar una parte más didáctica, que es la animación.
J: Y aparte de ser educativo, nos parece muy interesante que visualmente exista ese diálogo entre pintura y animación. Porque la pintura está en un tiempo detenido y la animación ahí arma todo un juego.
F: Y lo bueno es que no compiten. Porque al cuadro hay que tenerlo lejos para verlo bien, porque es grande. Pero el video es una cosita chica en la que tú tienes que acercarte. No hay competencia.
D: También invitamos a Bruno Salas, quien viene realizando una investigación más o menos de siete años en torno al robo, a la destrucción y recuperación de las obras que había en el edificio de la UNTAC-III, actual GAM. E hizo un film que se llama Escape de gas, en el que toma una obra en específico como símbolo de todo, que era una chimenea del edificio y que había sido encargada a un artista chileno. Y lo bonito era que, como era parte del edificio no la pudieron destruir, y era súper simbólica porque era roja, en el 73, cuando se hizo el edificio. Y después, cuando pasó a control de los militares, la pintaron verde. Nos pareció súper bueno incluirlo a él porque tomaba un caso de expolio que pasó en Chile. Y lo invitamos a participar. Claro, no podíamos tener una tele con el documental y la gente viéndolo dos horas, sino que le dimos la oportunidad de hacerse cargo de un espacio en la sala y ahí propuso un video instalación.
F: Otra cosa importante es el catálogo. Porque no nos interesó hacer un catálogo informativo, sino que es casi como una extensión de la obra. La idea era que fuera como un archivo, que tuviera imágenes, texto, fotos.
Y después de toda esta investigación ¿a qué conclusión llegan respecto del valor simbólico del arte?
J: Es que el gran poder que tiene es impresionante…
F: Precisamente, lo que queríamos era mostrar qué valor tiene el arte. Los millones que se gastan en robar arte, el cómo se financian las guerras de Oriente…
J: Y lo otro –que también está en la muestra– es que nos conseguimos hace poco documentos del Estado Islámico que dan cuenta del tráfico ilícito que hay de obras de arte… Y por medio de eso se financia el Estado Islámico. Así financia el terrorismo… Se repite en la historia. Todos los museos de Europa de Occidente tienen todas las obras de arte robadas…
F: Y los próximos museos que van a hacer en el futuro con todas estas obras que se robaron ahora en Siria. Los museos son centros que acogen obras robadas. Y queríamos mostrar a la luz eso.
¿Y por qué exponer en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos?
J: Exponerse aquí, en este museo, es también decir que no estamos ausentes del diálogo que se va a armar, que se relaciona mucho con la memoria y el patrimonio.
F: Porque la memoria es más fuerte que la historia…
La gracia no es hablar de un hecho histórico no más, o tomar un hecho actual, sino que hablar de la conciencia, de lo que pasa en la conciencia de este suceso y entender…
J: Y el arte es patrimonio. Es toda la memoria de un pueblo.
Si tuvieran que englobar toda esta investigación en una palabra, ¿cuál sería?
F: Estimulante. Trabajar con tres artistas en una misma obra, nunca lo había hecho.
J: A mí me interesa el juego que ha existido. Salirse de las estructuras de cada uno y empezar a jugar de otra forma. Es como entrar a la cancha de arquero y después no tener un rol tan específico. Invitar también a otros a jugar con uno y en la cancha ahí ver qué pasa. Y sin entrar en esta cosa de egos, porque en general los artistas están siempre protegiendo su territorio y yo creo que eso es tan dañino… porque no saben que uno enriquece al otro mucho más. Entonces uno sale mucho mejor, sale enriquecido. Esto ha ayudado a que las estructuras se rompan y a entrar en un juego mucho más lúdico.
D: Para mí, este proyecto fue entrar de una manera y salir de otra. Me cambió totalmente. Todo… la percepción que tenía en mi cabeza sobre la manera de hacer arte.
¿Y ahora qué? ¿Qué se viene?
“Cada uno de manera independiente”, responde Josefina. “Ya no nos soportamos”, dice entre risas Francisco. “Nosotros seguimos”, aclara Diego respecto de un próximo proyecto en conjunto con Francisco. “No nos podemos separar”, agrega. Todos ríen. “Yo me independizo”, dice Josefina. “Tú te cansaste”, reprocha Diego. “Es que ahora estamos todos tan cansados…”, replica ella. “Sí, lo único que queremos es que llegue el día de la inauguración y que esté todo colgadito”, suspira Diego.
Para más información sobre la exposición, hacer clic acá
{:}{:en}It all began with The rape of Europa: a documentary film that explores the aesthetic interests of Hitler. He was motivated by his passion for art; therefore, he was dedicated to plunder systematically the great museums of Europe and also to destroy meticulously thousands of artworks that he considered to be “degenerated.” The rest of the idea was about the will: the will to paint something related to that topic, something big, huge.
This is how Diego Martínez, Francisco Uzabeaga, and Josefina Guilisasti met up in a workshop and started to work on a project that would take two years to finish and that is Expolio. It was recently open to the public in the Museum of Memory and Human Rights, located in Santiago, Chile.
The exhibition consists of four oil paintings in black and white: two about WWII and the other two about the Syrian conflict. According to the artists, they wanted to establish a dialogue between Nazism and Jihadism. The first artwork shows the Dutch and flamenco painting room from the 18th century of the Hermitage Museum, which was emptied by the Soviets before the arrival of the Nazi. The result: hundreds of frames that are hanging on the walls but without their canvas and paintings. The next topic is the German Church of Ellingen, located in Baviera, which was used as a collection center for the artworks that Hitler confiscated. Next to the altar, there are remarkable artworks and objects that are wrapped up in boxes and white sheets. The following artwork is about a mosque in Alepo, which was bombed in 2013, and Apamea that includes the image focused on the pillage of an archeological place.
The three artists studied in the University of Chile, but they are from different generations. However, they were attracted by each other’s work and then, as the Renaissance workshops, they started to work together. Unlike Michelangelo and other artists, instead of having one sign, every artwork is signed by the three artists. The artists talk more about this project.
Why did you choose monochrome for your artworks?
Diego (D): First of all, the photographic register from the WWII is in black and white. There was no access to color. Then, the decision became stronger.
Francisco (F): It was like a date…For example, we mixed an earth color with blue in the first artwork, but then we obtained a warmer black and then a cooler color. For the second artwork, we decided to use black and white to make a connection somehow with the three of us in order to work in group in each panel.
Josefina (J): And there’s also notion about the economy of resources. Working three people with colors… No, we had to reduce the palette to black and white. There were no alternatives.
Did you start with photos and then you transferred them to the canvas?
J: Yes.
F: But we didn’t create the four paintings in a row; it was a process. Diego was in charge to gather images in order to see which one would be more symbolic and, through that process, we realized that the same thing occurs today as well as in WWII.
J: And besides the historical topic, the pictorial is also very important because painting has had certain marginalization. We wanted to retake the painting and paint again these big formats that don’t have access to the market.
You also alluded to the history painting from the 19th century. Which aspects did you consider? In addition to the format, the topic…
Everything! –They answered in unison.
J: We used Jacques Louis David as reference. Ultimately, he recorded Napoleon’s crowning…
F: The Revolution…
J: Moreover, history painting is a very important genre of painting that appeared when photography didn’t exist and was used to give account of situations.
How did you deal with the brutal part of the topic?
J: The topic has a starting point that is important to us and that is the value of art. It impresses us a lot. Napoleon, Hitler, and now Syria. As artists, it’s a topic for us obviously… and it’s not so appreciated here.
D: It happened to me that the powerful, the crude part of the topic moved me at the beginning with every case specifically. When you see pictures of ISIS destroying Sumerian images of 1800 years of antiquity, you feel really bad. When you check Manuel Alvarado’s work –he did all the historical research for this exhibition –you can appreciate that the Romans, Napoleon, the Nazi, among others have been involved in a story about pillage and war trophies, museums and newer collections. Then you are drowning due to what has happened and what will occur. So, it helps you to breathe when we work the three of us together.
J: Unfortunately, though these are harrowing images, they are beautiful, awfully beautiful.
The exhibition also includes animations from Gabriela Villalobos, how was it possible?
D: We invited her. Once we finished with the preparations of the exhibitions here at the museum, we realized that her public is very intense in relation to education: children that come to see the permanent collection of the museum. So we believed that we had to capture and create a bond between the paintings and the topic. So we decided to include a more didactic part and that is the animation.
J: Apart from being educational, to us is very interesting that visually speaking there’s a dialogue between paintings and animation. Because painting it’s in a time that stands still and animation creates a fundamental role.
F: The good thing about this is that the artworks don’t compete because you need to observe them with distance since it’s big. On the other side, the video is a small thing that you need to get closer in order to see. So, there’s no competition.
D: We also invited Bruno Salas who has been doing a research of seven years more or less about the stealing, destruction, and recovering of the artworks that were in the building of the UNTAC-III, which is currently the GAM (Centre Gabriela Mistral) in Santiago, Chile. He also produced a documentary film called Escape de Gas, where a specific artwork is the symbol of everything. This piece of art is a chimney of a building which was ordered to a Chilean artist. It was not possible to destroy the chimney because it was part of the building and that was a good thing. It was very symbolic because it was red and from 1973, when the building was constructed. And then, after the military control, the chimney was painted green. We thought that it was super cool to include it because it was a case of spoliation that occurred in Chile. And we considered it. That was for sure because it was not a good idea to have a TV showing the documentary film and people watching it for two hours. Instead of that, we gave the documentary film the opportunity to be in a part of the room and then we have a proposal to put a video.
F: Another important thing is the catalog because we were not interested in creating an informative one, but to have an extension of the artwork. It was supposed to be like an archive that has images, text, and photos.
After all the research, what is your conclusion in relation to the symbolic value of art?
J: The great power that it has is amazing…
F: Precisely, we wanted to show what the value of art is. The millions that they spent to steal art, how the wars from the East are financed…
J: We were able to obtain some time ago documents from the Islamic State that give account of the illegal traffic of the artworks… and through that the Islamic State obtains funds. Terrorism is financed in that way… it’s repeated throughout history. All the European museums from the Occident have all the stolen artworks…
F: The upcoming museums will have all these artworks that were stolen now in Syria. Museums are centers that welcome stolen pieces of art. We wanted to reveal that.
Why did you choose the Museum of Memory and Human Rights to exhibit your artwork?
J: Exhibiting here in this museum also means that we are not absent from the dialogue that will emerge. That dialogue has a relation with the memory and patrimony.
F: Because memory is stronger than history… The idea is not talking about a historical event or mentioning a current fact, but to speak about conscience and what occurs in the conscience of this moment and to understand…
J: And art is patrimony. It is the memory of a town.
If you had to encompass all this research in just one word, which one would it be?
F: Stimulating. Working three artists on a same artwork, I’ve never done that before.
J: I’m interested in the game that occurred: escaping from each other’s structures and start playing in a different way. It’s like entering to the goalkeeper’s zone and then acquiring a role that is not so specific. It also means to invite others to play with you and see what happens in the field. But without mentioning egos because artists, in general, are always protecting their territory and I think that that is harmful… because they don’t know that you enrich yourself so much with this sort of cooperation. In the end, you feel better, you feel enriched. This has helped to break the structures and to enter to a more ludic game.
D: This project meant entering in a way and leaving differently to me. It changed me completely. Everything… the perception that I had about the way to create art.
And what now? What are you going to do?
J: Each one will be independent.
F: We can’t stand each other anymore (said laughing).
D: We continue working together –he clarifies that in relation to the next project that he will be working on with Francisco. We are inseparable (he adds).
Everyone laughs.
J: I will become independent.
D: You are tired (says reproaching).
J: We are all so tired.
D: Yes. We just want that the day comes for the opening and to have everything ready (says sighing).
For more information about this exhibition, please click here.{:}
