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María Pía Barberi pinta sobre tabla, usando oleos, pigmentos y láminas de pan de oro para crear sus obras, en las cuales aparecen texturas como la madera envejecida.
«Hago un dibujo con carboncillo sobre la tabla, uso óleos y pigmentos puros para crear textura. La madera envejecida la hago tallando la tabla y dándole forma con masilla o base blanca”.
La artista peruana Maria Pía Barberi asume la pintura como una actividad que permite representar e intercambiar signos, a pesar de la fugacidad y de la no permanencia del ser humano. Suele trabajar sibre tablas cubiertas con pasta, luego pinta con oleo y usa pigmentos naturales, y láminas de pan de oro, creando cuadros en los que aparecen texturas sutiles de maderas envejecida, junto a metales oxidados u objetos iluminados por las últimas horas de luz. Todo como afectado por el paso del tiempo y, sin embargo, buscando permanecer.
“Hago un dibujo con carboncillo sobre la tabla, uso óleos y pigmentos puros para crear textura. La madera envejecida la hago tallando la tabla y dándole forma con masilla o base blanca”. Con esas breves palabras describe cómo en su proceso creativo va sintiendo el trabajo con los materiales y va elaborando propuestas que son capaces de vincular esa torsión de emociones innumerables que puede originar una puesta de sol sobre las montañas y las costas cerca de Lima, con la idea de una efímera exposición de algunos objetos difusos a la luz natural; esa luz que en sus cuadros juega mostrando y ocultando al mismo tiempo el carácter de los objetos dentro de la composición.
© María Pía Barberi
Utiliza una paleta específica de colores y crea un conjunto delimitado de texturas con las que obtiene una materialidad sugerente. La madera como material orgánico, transmutada por una exposición a la intemperie y el claro-oscuro en el que se encuentran paisajes y objetos figurados, sirven en conjunto a la recreación de ambientes en los que se sentiría un olor a humedad multiplicado por la temperatura de cada color. Por otro lado el uso de tonos dorados hace pensar en el oro como reflejo de la luz solar, signo de glorificación de lo sobrenatural, de lo supremo, de aquello que permanece frente a cualquier finitud, tal y como consideraban los antiguos orfebres andinos.
De padre italiano y madre peruana fomentan su interés por el arte. Vivió su infancia en Madrid, . A su regreso a Lima y ya siendo jovencita, tuvo que afrontar la muerte de su padre a quien estaba muy unida.
A pesar de los momentos duros que vivi por de la pérdida de su padre y posteriormente de su madre, descubrió cómo la intensificación de cualquier experiencia vital “se da solo gracias a la proximidad de la muerte”. Comprendió y asumió la existencia humana, como aquella que está marcada por ese “conjunto de actos que somos capaces de realizar todos y todas, cada vez como si fueran los últimos: tan preciosamente precarios”, tal como explica la artista. En su obra busca inquirir de manera explícita y encubierta sobre ese aspecto fundante de la vida humana que nos iguala a todos y todas: la conciencia del paso del tiempo, el acceso azaroso al tiempo perdido, el recuerdo irrecuperable. Sin embargo, también resalta las huellas, las marcas, las señales que deja el paso de los días en los objetos, y de manera análoga, en las personas.
A fuerza de un intenso y constante proceso de auto descubrimiento, y abordando inquietudes respecto de lo efímero y lo que permanece en ella misma, María Pía busca que sus cuadros “transmitan algo” pero entiende también que “ese algo dependerá del espectador, de lo que sienta y vea. Eso es más importante que lo que el artista quiso decir”. Cuando se encuentra a sí misma trabajando en su taller, piensa “en la memoria o los recuerdos que habitan en la madera”, la energía que la atraviesa y en cómo es un medio para establecer contacto simbólico con el trabajo artesanal de carpinteros o ebanistas de cualquier parte del mundo, en cualquier momento histórico.
© María Pía Barberi
Sus obras se han ofrecido a la revisión de públicos exigentes en las ciudades de Roma, Florencia, Venecia, Nueva York o Miami, y gracias a esa amplia correría, sus cuadros han ido adquiriendo nuevas comprensiones, han ido estableciendo nuevos “links” con los otros en diferentes niveles. María Pía recuerda que alguna vez dijeron que su pintura “tenía la influencia de los claro oscuros de la pintura clásica y los colores y texturas de la pintura precolombina”. No podía ser menos acertada tal descripción, en tanto que ella misma encarna la mixtura de culturas , de formas de vida y la superposición de matrices diferenciadoras de la realidad. Pero ¿y qué de todo eso permanece?, se preguntaría la artista.
Al final de todo, lo que más la reconforta no es lograr un cuadro que la satisfaga plenamente o que esté acorde a propuestas estéticas que resultan maniqueas, sino fundamentalmente el momento del encuentro con otro u otra, al que escucha de manera desprevenida observando sobre su obra cualquier cosa. Cada vez es esta, una experiencia que refuerza más sus convicciones como artista, de que la obra como aquella iniciativa que busca fijar de manera perdurable un conjunto de signos, se opone al vaso comunicante que busca establecer nuestra artista con sus espectadores y espectadoras.
Por lo pronto, baste mirar sus cuadros para quizá sentir un sabor acre: el de las cosas olvidadas, efímeras, y el de las cosas que permanecen a pesar del corrosivo paso del tiempo.
{:}{:en}By Javier Muñoz / Chile.
Maria Pía Barberi paints on a panel. She mixes with pigments and sheets of gold leaf to create her works, in which textures like the aged wood appears.
“I draw with charcoal on the panel. I use pure oils and pigments to create textures. I create the ageing wood by carving and shaping with putty or white base.”
The Peruvian artist Maria Pía Barberi assumes the painting as an activity that allows representing and exchanging signs despite of fugacity and human being’s non- permanence. She used to work on a panel covered by paste, and then she mixes natural pigments, oil, and sheets of gold leaf creating paintings where subtle ageing wood textures appear with oxidized metals or objects illuminated by the last daylight hours. All seems to be affected by the passage of time but it’s still trying to remain in the present.
“I draw with charcoal on the panel. I use pure oils and pigments to create textures. I create the ageing wood by carving and shaping with putty or white base.” With those few words, she describes how her creative process is feeling by working with materials and is developing proposals that are capable of linking the torsion of countless emotions. These emotions can cause a sunset over the mountains and the coast near Lima, with the idea of a fleeting exposure of some diffuse natural light objects; that light that plays in her paintings showing and hiding at the same time the character of the objects within the composition.
© María Pía Barberi
She uses a specific palette of colors and creates with a delimited set of textures. Finally she obtains an intriguing materiality. The wood as organic material transmuted by weathering and chiaroscuro where landscapes and figurative objects are, are useful to recreation of environments where a humid smell multiplied by the temperature of each color. Furthermore the use of gold colors suggests thinking in gold as a reflecting of sunlight, sign glorification of the supernatural, for the ultimate, of what remains against any finitude, regarded as the ancient Andean goldsmiths.
Under the guardianship of her Italian father and her Peruvian mother, she lived her childhood in Madrid. She had an early interest for painting of others and this is explained in the fact of shared moment with her grandmother appreciating works that were part of her particular collection. When she returned to Lima being a young girl, she had to confront the sudden death of her father whom she was very close.
Despite the difficult moments that she lived after the loss of her father and later her mother, she discovered how the intensification of any life experience “is given only by the proximity of death.” She understood and assumed the human existence marked by that “set of acts that all of us are able to make, each time as if were the last: So beautifully precarious” explains the artist. Her work tries to enquire in an explicit and undercover way about this founded aspect of human life that makes equal to all of us: The passage of time’s awareness, the perilous access to the lost time, and the irretrievable memory. However, the footprints also stands out, the marks, the signals leave by the passage of days in objects, and the analogous way of people.
By dint of an intense and constant process of self-discovery, and addressing concerns about the ephemeral and remaining in her, Maria Pia wants her pictures to «transmit something» but also understands that «that something depends of the viewers, what they feel and see. This is more important than what the artist tried to say.” When she finds herself working in her studio, she thinks «in memory or memories that live in the wood,» the energy that flows through it and how is a means to establish symbolic contact with the craftsmanship of carpenters and cabinetmakers of anywhere in the world at any time in history.
© María Pía Barberi
Her works have been offered to the public in demanding revision of the cities of Rome, Florence, Venice, New York or Miami, and thanks to the wide run, her paintings have gained new understandings; her works have been establishing new «links» with the other at different levels. Maria Pia remembers once said that her painting «had the clear dark influence of classical painting and the colors and textures of the pre-Columbian painting.» That description could not be less accurate, while she herself embodies the mix of cultures, lifestyles and overlapping matrices of differentiating reality. But What remains all of this?, asks the artist.
At the end of all, what comforts me most is not to achieve a painting that fully meets or is according to aesthetic proposals that are Manichean, but fundamentally the moment of encounter with one or another, who is listening in an unprepared way watching over anything in her work. This is an experience each time that further strengthens her convictions as an artist, that the work as one initiative search to establish a lasting way a set of signs, it opposes to the communicating glass that seeks to establish our artist with her viewers.
Therefore, is enough seeing her paintings to fell perhaps an acrid taste: Of forgotten things, ephemeral, and things that remain despite the corrosive passage of time.{:}
