Referente indiscutido del Groupe de Recherche d’Art Visuel (G.R.A.V), con su gran retrospectiva póstuma en la Tate de Londres, el maestro argentino fallecido meses atrás, es materia de esta documentada antológica sobre su legado modernista y contemporáneo.
Light, Colour. Action, es el título de la mega-muestra, que recorre más de siete décadas de su radical y prolífica labor vanguardista.
La misma se extiende hasta el 3 de mayo de 2027 y ha sido posible gracias a Anthropic, junto a las galerías Nara Roesler, Continua, el matrimonio de coleccionistas, conformado por Estrellita y Daniel Brodsky y The David Bermant Foundation.
Julio Le Parc, Series 14 – 14 Permuted. 1970-2020. Lent by the Atelier Le Parc 2026. © ADAGP, Paris and DACS, London 2025.
Cuando uno visita la exhibición retrospectiva del artista argentino Julio Le Parc en la Tate Modern, se confronta, en primer lugar, con un video documental que recorre su trayectoria e historia de vida, producido por Bloomberg Philanthropies, en su atelier de París, en compañía de sus hijos, Yamil, Juan y Gabriel.
Luego, la visita guiada prosigue con los cinco highliths sobre su dilatada carrera. Los mismos son:
Primero: Desde el vamos, él creía que éramos parte activa de sus obras.
De acuerdo con Julio Le Parc y adelantándose a la poética de la “obra abierta”, propuesta por el semiólogo italiano Umberto Eco, el visitante deja de ser público pasivo, para transformarse en parte fundamental de las obras co-participativas que el ideó, esto es, de sus producciones inmersivas de Optical Art, Arte Cinético, pinturas en campo expandido, esculturas y móviles, generados por el interjuego del movimiento, conjugado con la luz y el color. Destacamos la Blue Sphere, un móvil escultórico a escala gigantesca, el cual, permite al público dejar de serlo, para interactuar mediante una instancia lúdica con este talante de opus. En efecto, ya no se contempla simplemente, sino que el receptor es co-autor de las obras. Y el mismo artista pedía al visitante que tocara sus obras. “Prohibido no tocar”, era una de sus consignas favoritas.
Julio Le Parc Instability 1959–1991 Lent by the Atelier Le Parc 2026 © ADAGP, Paris and DACS, London 2025
Segundo: Fue parte de un colectivo de artistas. El mismo fue creado por él, en París hacia 1960, denominándose Groupe de Recherche d’Art Visuel, compuesto por Francois Morellet, Ivaral, Jöel Stein y Francisco Sobrino. Estuvieron produciendo obras grupales, desde sus inicios en la década del sesenta hasta 1968, año en que el colectivo se disuelve. Uno de los aportes fundamentales del mismo, fueron las obras presentadas en la Bienal de París, como el famoso Laberinto y las sucesivas exposiciones en la mítica Galería Denise René, reducto del arte óptico y cinético de aquellos años de efervescencia vanguardista. Este colectivo de artistas puso el eje de las obras por ellos producidas, más en la audiencia, que en sus autores. A tales efectos, construyeron obras con elementos simples, en pos de la activación sensorial de sus trabajos, abriendo un umbral de recepción mutable y cambiante, potencialmente infinito, de acuerdo a cada respuesta de los visitantes. Es decir, el “umbral de acogida” iba cambiando y retroalimentándose continuamente.
Tercero: Tenía opiniones muy fuertes acerca de los arcos iris:
En la exhibición de la Tate Modern, nos confrontamos con una gran cantidad de arcos iris, dispuestos en bandas de colores, formas ondulantes, olas, movimientos curvilíneos y toda clase de configuraciones que Julio Le Parc ejecutó durante décadas hasta las últimas, producidas entre 2025 y 2026.
En este sentido, el espectro de colores de sus arcos iris estaba compuesto por 14 colores, generados matemáticamente y las diferentes variaciones de los mismos, fueron previstas para ser desarrolladas en el curso de 150 años.
Julio Le Parc, Blue Sphere 2001/2022. Tate. Lent by the Tate Americas Foundation, courtesy of the Latin American Acquisitions Committee 2023. © ADAGP, Paris and DACS, London 2025. Photo © Museum of Art Pudong
Cuarto: Para él, la luz era un material para ser utilizado como elemento artístico:
Desde 1959, Le Parc comenzó a emplear la luz como material escultórico de sus obras, de algún modo, muy cercano, pero desde una poética diferente a la de Lucio Fontana con sus “ambientes espaciales,” con luces de neón, el primero de ellos, fechado en 1949. Pero, para Le Parc, la luz era un elemento vibratorio, utilizado sistemáticamente, para experimentar en sus trabajos la reflexión, refracción y vibración en apuestas lúdico-sensoriales. La luz traslúcida también fue protagonista en sus trabajos e instalaciones avant la lettre.
Julio Le Parc Modulation 743 1985 Lent by the Atelier Le Parc 2026 © ADAGP, Paris and DACS, London 2025
Quinto: Su influencia está en todas partes, pero raramente se le da crédito:
Julio Le Parc, siempre rechazó ser el centro de atención. No le interesaba la fama. Por tal motivo, cuando tuvo la oportunidad de realizar su primera gran exposición individual en París, se mantuvo alejado de los focos, cultivando un perfil bajo, lejos de mantener un compromiso con las instituciones más importantes del circuito del arte, si bien ello cambió, con el reconocimiento que fue recibiendo desde aquella primera participación en la Bienal de París, en 1963, el Gran Premio Internacional de Pintura en la XXXIII edición de la Bienal de Venecia (1966) , su exposición en el Palais de Tokio (2019) , la antológica en el Pérez Art Museum, de Miami, titulada: Forma en Acción y más cercanas en el tiempo, sus exposiciones individuales en la Galería Nara Roesler y Galería Continua.
Julio Le Parc with Continual Light Cylinder 1962 © Atelier Le Parc 2026 ADAGP Paris, and DACS LondonDiseño web y CRO por Bigbuda
*Doctora en Historia y Teoría de las Artes, por la Universidad de Buenos Aires, Universidad de Buenos Aires, U.B.A, 2000. Crítica e historiadora del arte i´talo-argentina.
