{:es}
La artista chilena María Soledad Leiva presenta una obra personal, íntima, cargada de recuerdos, detalles y sentimientos que, aunque aparentemente transportan a campos otoñales, húmedas arboledas o fondos marinos, en realidad nos acercan a ella, a su manera de percibir los espacios naturales y a lo que éstos le hacen sentir. Y es, precisamente, su sensibilidad de afrontar cada nuevo lienzo como un medio de investigación y presentación de sí misma, lo que suscita la gran fuerza expresiva de su trabajo.
Su vinculación con la creación artística parte del diseño de vestuario, campo desde el que comienza a interesarse por el color. Su impulso creativo y la constante necesidad de expresar lo que pedían sus manos, hacen que su experimentación vire hacia la acuarela y el dibujo, técnicas que le permitieron descubrir cuál sería su material definitivo, el óleo.
La espontaneidad y frescura de la acuarela no satisfacía su ansia por transmitir la fuerza del color de un cielo a una hora determinada, ni el olor de los troncos en los que jugaba cuando era niña. Sin embargo, el trabajo con óleos en un lienzo de gran formato le permite adentrarse en la tela, explorar y modificar cada capa de color e impregnar el cuadro de olores y memorias.
El hecho de que su vida y obra estén muy ligadas, provoca un fuerte nexo entre la artista y el lienzo durante el proceso creativo, el cual se produce a través de las emociones que Soledad incorpora en cada gesto y que el pincel convierte en colores y formas. Su pintura, claramente figurativa, transporta a otro tiempo, a un lugar lejano al que la artista vuelve cada vez que dialoga con la tela. En estos espacios personales el tratamiento de la luz se convierte en un desafío. El pintor francés Eugène Boudin, precursor del impresionismo, inspira su sensibilidad por la representación de luz, la cual trabaja a partir de un foco de luminosidad cuya posición varía en función de la obra.
Lo que pinta es lo que siente, y para ello dota a los colores y a las formas de voz propia
Su lenguaje pictórico se traduce en delicadas pinceladas, movimiento, líneas que apoyan la composición, texturas y colores, los cuales selecciona conscientemente en función de su estado de ánimo. Los juegos con luz y color le permiten disponer de infinitas tonalidades y obtener atmósferas coloridas para inundar sus paisajes y alejarse de la realidad. Para ello parte de una paleta restringida e inicia la búsqueda del color o la gama precisa que cada obra requiere. Como punto de partida, siempre cuenta con el azul ultramar, el blanco de titanio, ocres y tierras, bermellón y carmín.
Tras veinticinco años, Soledad Leiva continúa pintando a diario en su taller, un refugio vestido de pantones cuyo suelo laminado recoge los rastros de pintura que acompañan al pincel desde la paleta hasta el lienzo.
Su obra está presente en diferentes galerías de arte nacionales, y ha sido mostrada en Chile, Portugal, Argentina y Brasil.
{:}{:en}
The Chilean artist Maria Soledad Leiva presents a personal work, intimate, full of memories, details, and feelings that even though they seem to transport into autumnal fields, wet groves, or marine backgrounds. They in fact bring us closer to her, to her way of conceive the natural species and to how that make her feel. And it is precisely her sensibility of facing each new canvas as a mean of investigation and presentation of herself, what stirs up the great expression of her work.
Her correlation with the artistic creation starts from the area of costume design, a field from which she starts to get interested on the colors. Her creative drive and the constant need to express what her hands wanted to say, make her experimentation to turn into the aquarelle and drawing; techniques that allowed her to discover what would turn out to be her final material, oil painting.
The spontaneity and freshness of the aquarelle did not satisfied her thirst for transmitting the strength in the color of the sky in a specific hour or the smell of the trunks where she played when she was a child. However, the work in oil in a canvas of large format allows her to penetrate into the fabric, explore, and modify each layer of color and impregnate the piece with colors and memories.
The fact that her life and work are extremely tied creates a strong bond between the artist and the canvas during the creative process, which is produced through the emotions that Soledad adds to each gesture and that the brush turns into colors and shapes. Her painting, clearly figurative, transports to another time, to a distant place where the artist comes back every time she converse with the canvas. In this personal spaces the use of light turns into a challenge. The French painter Eugène Boudin, precursor of the impressionism, inspires her sensibility towards the representation of light that works from a spotlight which position variates according to the piece.
What she paints is what she feels, and for that she proves to the colors and shapes their own voice
Her pictorial language translates into subtle brush-strokes, movement, lines that support the composition, textures and colors, all of them consciously selected according to her state of mood. The game between light and color allows her to have infinite tonalities and to obtain colorful atmospheres to invade her landscapes and to run away from reality. For that, she starts with a restricted palette and begins her search of color or the exact range that each piece requirers. As the starting point, she always uses the blue overseas, the titanium white, ochre, earth tone, vermilion, and carmine.
After twenty five years, Soledad Leiva continues painting every day in her workshop, a shelter dressed of pantones and which laminated floor gathers up the painting trails that accompany the brush from the palette to the canvas.
Her work is presented in different national art galleries, and had been exhibited in Chile, Portugal, Argentina, and Brazil.
{:}