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La maduración abstracta en la escultura de Marta Colvin

By 22 de julio de 2016septiembre 12th, 2024No Comments

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Marta Colvin (1915-1995) es una de las figuras del arte que dio un lenguaje propio a la escultura de su país. En una época donde las mujeres independientes eran cuestionadas, esta chilena marcó un hito al especializarse artísticamente en Europa.

Fue en el extranjero donde Colvin halló su propio estilo expresivo, que partió en una exploración figurativa que terminó en la abstracción. Mientras sus creaciones más lejos se situaron de la representatividad, más ganaron en vitalidad y potencia.

En Francia aprendió del maestro Ossip Zadkine; en Inglaterra absorbió las enseñanzas de Henry Moore. Fue así como su voz expresiva cobró forma progresivamente. Probó diversos materiales, diversos soportes. Sus guías la incitaron a descubrir la psicología e integridad de las formas, su purificación y posterior expresión desde lo abstracto. La meta era generar la mayor manifestación de ideas desde el mínimo de elementos.

Su paso con Henry Moore le enseñó la importancia que tiene el espectador en darle vida a la escultura. El hecho de enfrentarse a una obra tridimensional incita al observador a recorrer la pieza. Esta manera de utilizar el espacio le entrega una cualidad única a la escultura como medio expresivo y artístico.

La Premio Nacional de Artes en 1970 siempre recalcó la importancia de mantener la disciplina escultórica dentro de los confines del oficio artístico. Un trabajo acabado de la obra la impulsó a preparar maquetas y estudios antes de llevar sus ideas a la materialidad.

El efecto de la luz también es un factor clave para lograr vida. No es casualidad que muchas de los trabajos de Colvin sean montados en el exterior. La luminosidad proveniente del sol no es la misma que la generada por fuentes artificiales en un espacio cerrado.

La energía emanada por la materia debe ser trabajada por el artista para que la obra alcance toda su potencia. En el caso de la escultora chilena, el estudio previo y la música durante la creación fueron puntos claves en el proceso creativo.

El resultado son obras que se expanden en diversas direcciones bajo sutiles formas geométricas; tienen movimiento propio.

Marta Colvin - El árbol de la vida

Marta Colvin – El árbol de la vida

Todo lo descrito hasta aquí se sintetiza en un arte de identidad americana. Luego de su periplo académico en Europa, en Marta Colvin surgió un profundo deseo de interiorizarse en la cultura americana. Emprendió viajes a Tiahuanaco, Machu Picchu e Isla de Pascua para permearse de estas idiosincrasias. Hitos como la Cordillera de los Andes se transforman en una figura omnipresente en su obra, desde sus cualidades geográficas basadas en la solidez a las más psicológicas como el sentido protector que surge de sus brazos.

Las líneas horizontales y verticales que dibujan las obras de Colvin apuntan a los mitos esenciales de la cosmogonía precolombina, en esculturas que en su emplazamiento público adquieren un carácter monumental.

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Marta Colvin (1915-1995) is one the art figures that gave an own and personal language to the sculpture of her country. In a time where independent women were questioned, this Chilean woman became a milestone after specialized in arts in Europe.

It was abroad where Colvin found her inner personal style, that started in an figurative explosion that ended in the abstraction. As far as her creations were located from the representation, more vitality and power they generated.

In France, she learned from the master Ossip Zadkine. In England, she absorbed the lessons from Henry Moore. That is how her expressive voice progressively shaped. She tried different materials, different supports. Her masters encouraged her to discover the psychology and integrity of the shapes, her purification and later expression from the abstract. The goal was to generate the highest manifestation of ideas from the minimum of elements.

Her experience with Henry Moore taught her the importance that the observer has into the process of bringing life to the sculpture. The fact of facing to a traditional work incites the observer to go over the piece. This way of using the space brings a unique quality to the sculpture as an expressive and artistic media.

As the winner of the National Art Award of in 1970, she has always emphasized in the importance of keeping the sculptress discipline inside the confines of the artistic craft. A finished work of the piece inspired her to create mockups and studies before taking her ideas into action.

The light effect was also a key factor to give life. It not a coincidence that many of Colvin’s works to be exhibited abroad. The luminosity that came from the sun it is not the same generated by the artificial sources in a closed space.

The energy emanated by matter has to be worked by the artist for the piece to reach all its power. In the case of the Chilean sculpture, the previous study and the use of music during the process of creation were key aspects in the creative process.

The result are works that expand in different directions under delicate geometrical shapes, they have a personal movement.

Marta Colvin - El árbol de la vida
All the elements described here are synthesized in an art of american identity. After her own academic journey in Europe, in Marta Colvin emerged a deep desire of internalize in the american culture. She undertook journeys to Tiwanaku, Machu Picchu, and the Easter Island to permeate herself with these idiosyncrasies. Landmarks as the Andes Mountain Range transform into a omnipresent figure in her works, from its geographical characteristic based on the strength to the more psychological as the protective sense that emerges from its arms.

The lateral and vertical lines which draw the pieces of Colvin point to the essential rituals of the pre-Columbian cosmogony, in sculptures that in its public location acquire an enormous nature.

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