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Andrea Mantegna: Cristo muerto
Aproximadamente 1474
68 x 81 cm
El “Quattrocento” fue una época de gran productividad durante el Renacimiento. Boticelli, Leonardo Da Vinci y otros maestros se encontraban en el apogeo de su creatividad. Andrea Montegna también fue uno de los pintores que destacó durante estos años. Su obra Cristo muerto impactó por la representación terrenal que hacía del mesías. En la composición, alejada del simbolismo con que se retrataba la divinidad hasta entonces, aparece Jesús desde una perspectiva poco habitual: acostado sobre una base de mármol. Su cuerpo, deformado por el uso del escorzo, acentúa el dramatismo de la escena. La narración que compone Mantegna muestra al hijo de Dios momentos antes de ser sepultado; sus facciones, putrefactas y en estado de descomposición resultan fuertes al observador.
El Bosco: Cristo con la Cruz a cuestas
Aproximadamente 1498
142,5 x 104,5 cm
La escena que retrata la pasión de Cristo también fue pintada por Bosch. Su figura mira al espectador en una interpelación al sufrimiento que experimenta mientras acarrea la cruz. A pesar de la violencia que retrata la historia, manifestada en la figura del verdugo que azota al mártir, las figuras expelen un aire venerable y compuesto. Al fondo de la pintura se sitúan la Virgen María y San Juan, mientras que en el horizonte la ciudad cercada de Jerusalén observa en silencio. La diversidad y minuciosidad con la que son retratados los personajes, el movimiento que denota la vestimenta de cada uno y el paisaje de cielos despejados muestran a Cristo como el redentor de la humanidad y sus pecados.
Caravaggio: Ecce Homo
Aproximadamente 1604
128 x 103 cm
El “Ecce Homo” es un tópico usual de la simbología cristiana que narra el momento en el que Cristo es presentado al pueblo después de ser torturado. Caravaggio, maestro del claroscuro, pintó una escena que centró la atención en Jesús al situarlo apartado de sus verdugos (Poncio Pilato y el carcelero). La imagen está compuesta de tal manera que el público la vea desde una perspectiva de juez de la suerte del condenado, como si de una asamblea pública se tratara.
Velázquez: Cristo crucificado
1614
250 cm × 170 cm
El paso que llevó a Velázquez a Italia influyó el arte del pintor español. Fue en la península itálica donde aprendió de los grandes maestros cómo lograr un retrato acabado de la anatomía humana, tanto desnuda como cubierta de ropaje.
Una característica de la pintura barroca es emocionar y apelar a las emociones del público observador. Este objetivo se logra en la obra al retratar a la figura de Cristo en la cruz sobre un fondo neutro, lo que centra la atención en la figura del mesías, sin la distracción que podría suponer la narración de una escena o suceso. La posición del mártir se muestra natural y fluida, tan solo cubierta por un pequeño paño que tapa los genitales, lo que refuerza el sentido de pureza del cuerpo santo. Desde la cabeza un halo de luz intensifica lo anteriormente descrito.
Gauguin: El Cristo amarillo
Aproximadamente 1889
92 x 73 cm
Se cree que Gauguin se inspiró en la figura de un Cristo románico y popular para crear esta pintura. Bajo el uso del cloisonne, una técnica de esmalte alveolado, el artista resaltó los tonos amarillos y otoñales, además de los contornos que dan forma a las figuras. El deseo de un arte menos academicista y más primitivo se ve en las figuras sin sombras presentes en la pintura. Las tres mujeres devotas que observan la crucifixión contrastan con el individuo que salta una valla al fondo de la imagen, en una posible metáfora de la evasión que perseguía Gauguin en su obra.
Salvador Dalí: Cristo de San Juan de la Cruz
1951
205 x 116 cm
El surrealista Salvador Dalí retrató los estados oníricos de la mente bajo una estética que recuerda el realismo al que aspiraban los pintores clásicos. La diferencia radica en los elementos que rodean las escenas de sus obras. En esta composición se muestra a Cristo desde el éxtasis divino. El sufrimiento físico del hijo de Dios se ve en los atisbos de movimiento que realiza en la cruz. No deja de llamar la atención la perspectiva usada para representar la crucifixión y el ambiente de paz que impregna a la obra.
{:}{:en}Andrea Mantegna: Lamentation of Christ
1474 aprox.
68 x 81 cm
The “Quattrocento” was a time of great productivity during the Renaissance. Boticelli, Leonardo Da Vinci and other masters were in the height of their creativity. Andrea Montegna was also one of the painters that stood out during this period. His work Lamentation of Christ made an impact for his earthly representation of the Messiah. In the composition, away from the symbolism with what the divinity was portrayed on that time. Jesus appears from an unusual perpective: laid down over a marble base. His body, diformed by the use of foreshortening, emphasizes the dramatism of the scene. The narrative used by Mantegna presents the son of God moments before he was buried; his features, puttrefied and rotted, make a strong impression in the audience.
Hieronymus Bosch: Christ Carrying the Cross
1498 aprox.
142,5 x 104,5 cm
The scene that portrays the passion of Christ was also painted by Bosch. His image looks at the observer in an interpellation to the suffering that experiences while he carries the cross. In spite of the violene that the story portrays manifested in the image of the executioner that wips the martyr. The image expel a venerable and composed air. In the background of the work are located the Virgin Mary and Saint Johnm while in the skyline the enclosed city of Jerusalem watches in silence. The diversity and thoroughness with what theb characters are portrayed, the movement that denotes the clothing of each one of them and the landscape of the cloudless skies show Jesus as the redeemer of the humankind and their sins.
Caravaggio: Ecce Homo (Behold the Man)
1604 aprox.
128 x 103 cm
The Ecce Homo (Behold the Man) is an usual topic of the christian symbology that narrates the moment when Jesus is presented to the people after being tortured. Caravaggio, master of the chiaroscuro, painted an scene that focused the atention in Jesus, locating him aside from his executioners (Pontius Pilate and the warden). The image is made in susch a way the audiencie have to observe it as a judge of the doom’s fate, as if it was a public assembly.
Velázquez: Christ Crucified
1614
250 cm × 170 cm
The step that led Velazquez to Italy influenced the Spanish artist. Was in the Italian Peninsula where he learned from the great masters how to create a finished portrait of the human anatomy, naked and covered in clothes. A characteristic of the baroque art is to move and appeal to the emotions of the audience. In the pieces this is achieved by portraying the image of Jesus in the cross over a neutral background, which centers the attention in the image of the mesiah without the distraction that a tale of the scene or event may represent.
Gauguin: The Yellow Christ
1889 aprox.
92 x 73 cm
It is believed that Gauguin was inspired by the image of a romanesque and popular Christ for the creation of this piece. With the use of the “cloisonne”. A technique of honeycombed varnish, the artist highlighted the yellow and autumnal tones, aside from the edges that give form to the images. The desire for an art less academic and more primitive can be seen in the shadowless images presented in the painting. The three devoted women that are observing the crucifixion contrast with the individual that is jumping a fence in the background of the painting, in a possible methaphor of the breakout that hunted Gauguin in his work.
Salvador Dalí: Christ of Saint John of the Cross
1951
205 x 116 cm
The surrealistic Salvador Dalí portrayed the oneiric states of mind under the esthetic that reminds the realism to which the clasic painters aspire to. The difference lies in the elements that sorrounds the scenes of his works. This composition shows Jesus from the divine ecstasy. The physical suffering of the son ogf God can be seen in the glimmer of movements that he makes in the cross. It really draws the attention the perspective used to represent the crucifixion and the atmosphere of peace that covers the piece.
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