El rostro como medio y reflejo: la rebelión biométrica
curaduría: Marisa Caichiolo
En un mundo donde la tecnología redefine la percepción de la identidad, esta exhibición invita a reflexionar sobre la relación entre el rostro humano, la privacidad y el poder en la era digital.
Partiendo de la colección permanente del Museo Arte Al Limite y enriquecida por la participación de artistas invitados, esta exhibición propone un diálogo crítico entre pintura, escultura, fotografía y video, complementado con experiencias interactivas.
A lo largo de la historia, el rostro, el retrato y el autoretrato han funcionado como actos de exploración de identidad, poder y vulnerabilidad. Hoy, estas prácticas coexisten con avances tecnológicos que permiten la recopilación y manipulación masiva de datos biométricos, poniendo en riesgo nuestra autonomía y nuestra intimidad.
La muestra confronta al visitante con preguntas centrales: ¿qué significa la autenticidad en una era de simulación y vigilancia? ¿Qué implica la auto representación cuando los datos biométricos pueden ser identificadores, controladores y posibles herramientas de poder?
Desde los rostros que delimitan identidades hasta los algoritmos que los interpretan, la exposición revela la ambivalencia del rostro: arma de control y espejo de nuestra naturaleza.
Instalaciones interactivas, como las de Ana Marcos, Villanueva, Lutyens, Fargas y Yoon Chung Han exploran las aplicaciones y riesgos del reconocimiento facial y corporal, destacando implicaciones sociales y éticas en vigilancia, verificación de identidad y posibles abusos.
Otras obras responden a los estados fisiológicos de los visitantes, creando un vínculo directo entre emoción y representación.
Las esculturas, fotografías y pinturas que muestran rasgos faciales testimonian la tangibilidad de nuestras identidades digitales, al tiempo que se revelan las múltiples formas en que los datos biométricos pueden ser manipulados, robados o reutilizados. El conjunto invita a pensar qué significa una “identidad real” más allá de los marcadores biométricos, y a cuestionar las implicaciones éticas y sociales de la tecnificación de la identidad.
Esta exhibición busca empoderar a los visitantes para cuestionar su relación con la identidad biométrica, promoviendo un pensamiento crítico sobre el futuro que estamos construyendo en la intersección entre humanidad, tecnología y poder. Nuestro objetivo es reforzar el derecho a la privacidad y a la autodeterminación de cada individuo frente a un paisaje tecnológico cada vez más invasivo.
English version
The Face as Medium and Mirror: The Biometric Rebellion
Curatorship: Marisa Caichiolo
In a world where technology redefines the perception of identity, this exhibition invites reflection on the relationship between the human face, privacy, and power in the digital era. Based on the permanent collection of the Museo Arte Al Limite and enriched by the participation of guest artists, this exhibition proposes a critical dialogue across painting, sculpture, photography, and video, complemented by interactive experiences.
Throughout history, the face, the portrait, and the self-portrait have functioned as acts of exploring identity, power, and vulnerability. Today, these practices coexist with technological advances that enable the mass collection and manipulation of biometric data, putting our autonomy and intimacy at risk.
The exhibition confronts visitors with central questions: what does authenticity mean in an era of simulation and surveillance? What does self-representation imply when biometric data can be identifiers, controllers, and potential instruments of power?
From the faces that delineate identities to the algorithms that interpret them, the exhibition reveals the ambivalence of the face: a tool of control and a mirror of our true nature.
Interactive installations, such as those by Ana Marcos, Villanueva, Lutyens, Fargas, and Yoon Chung Han, explore the applications and risks of facial and bodily recognition, highlighting social and ethical implications in surveillance, identity verification, and potential abuses. Other works respond to visitors’ physiological states, creating a direct link between emotion and representation.
The sculptures, photographs, and paintings that depict facial features bear witness to the tangibility of our digital identities, while also revealing the multiple ways biometric data can be manipulated, stolen, or reused. Together, they invite us to consider what a “real identity” means beyond biometric markers and to question the ethical and social implications of the technification of identity.
This exhibition seeks to empower visitors to question their relationship with biometric identity, promoting critical thinking about the future we are building at the intersection of humanity, technology, and power. Our aim is to reinforce the right to privacy and to self-determination for every individual in the face of an increasingly invasive technological landscape.
José Luis Carranza – PERÚ / PERU
Título: San Juan de Patmos.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 150 x 120 cm.
Año: 2025.
La obra del pintor José Luis Carranza, de Perú, con rostros poco reconocibles, puede interpretarse como una reflexión profunda sobre la identidad, la protección y la comunidad. Titulada San Juan de Patmos, esta referencia cultural remite a un lugar o comunidad con raíces profundas en la tradición peruana, donde la espiritualidad y la convivencia social son fundamentales.
En la actualidad, la tecnología de recopilación de datos biométricos, como reconocimiento facial, huellas digitales y patrones corporales, se ha convertido en un medio para proteger, identificar y gestionar a las personas en diferentes ámbitos. Sin embargo, la obra nos recuerda que detrás de estos datos hay seres humanos con historias, culturas y valores propios, los que representan a las comunidades tradicionales, como San Juan de Patmos.
La obra puede simbolizar la responsabilidad de cuidar y preservar la identidad cultural en un mundo cada vez más digitalizado. La biometría, si bien ofrece ventajas en seguridad y autenticidad, también plantea desafíos éticos sobre la privacidad y el respeto por las comunidades, especialmente aquellas con tradiciones arraigadas y formas de vida únicas. Por otro lado, la referencia a San Juan de Patmos nos invita a reflexionar sobre la importancia de integrar el respeto cultural en el desarrollo tecnológico. La protección de la identidad no solo debe ser técnica, sino también ética y cultural, valorando la diversidad y las tradiciones ancestrales en la construcción de un futuro inclusivo.
English version
Title: San Juan de Patmos
Technique: Oil on canvas
Dimensions: 150 x 120 cm
Year: 2025
The work by the Peruvian painter Carranza, with faces that are not easily recognizable, can be interpreted as a deep reflection on identity, protection, and community. Entitled San Juan de Patmos, this cultural reference points to a place or community with roots deeply embedded in Peruvian tradition, where spirituality and social coexistence are fundamental.
Today, biometric data collection technology, such as facial recognition, fingerprints, and body patterns, has become a means to protect, identify, and manage people in different contexts. However, the work reminds us that behind these data there are human beings with their own stories, cultures, and values, like those represented by traditional communities such as San Juan de Patmos.
The piece may symbolize the responsibility to care for and preserve cultural identity in an increasingly digitized world. Biometrics, while offering advantages in security and authenticity, also raises ethical challenges about privacy and respect for communities, especially those with deep-rooted traditions and unique ways of life. On the other hand, the reference to San Juan de Patmos invites us to reflect on the importance of integrating cultural respect into technological development. Protecting identity should not be purely technical but also ethical and cultural, valuing diversity and ancestral traditions in building an inclusive future.
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Mario Soro – CHILE / CHILE
Título: YO SOY LA MARCA, Políptico
Técnica: Collage de fuente análoga con diseño e impresión digital sobre papel.
Montaje digital: Rodrigo Adaos. Impresión: Manuel Basualto.
Medidas: 70 x90 cm, c/u.
Año: 2016.
La obra presenta a cuatro hombres; cada uno lleva prendas formales, con detalles que sugieren autoridad y presencia, pero sus rostros están formados con gemas y piedras talladas, como si fueran cuevas o gemas talladas. Estos rostros representan la identidad, el carácter y la marca personal, reflejando que nuestra esencia se revela a través de nuestras expresiones faciales y características biométricas.
Cada figura humana simboliza una faceta de la identidad profesional o social, enfatizando la diversidad y la singularidad de cada individuo. Los rostros cubiertos por piedras semipreciosas sugieren que la identidad es valiosa, única y, en cierto modo, una gema que debe ser descubierta y valorada. La vestimenta refuerza la idea de que la marca personal se puede interpretar como propia de una clase social específica donde la identidad se expresa en contextos de autoridad, profesionalismo y presencia pública.
El título YO SOY LA MARCA, nos invita a repensar la idea que cada uno lleva su propia marca, su huella única, que se refleja en su rostro, esencia y presencia.
English version
Title: I AM THE BRAND – Polyptych
Technique: Collage of analog font with design and digital print on paper,
Digital assembly: Rodrigo Adaos. Printing: Manuel Basualto
Dimensions: 70 x 90 cm each
Year: 2016
The work presents four men, each wearing formal garments with details suggesting authority and presence, but their faces are formed with gems and carved stones, as if they were caves or gems carved in semi-precious stones. These faces represent identity, character, and personal branding, reflecting that our essence is revealed through our facial expressions and biometric features.
Each human figure symbolizes a facet of professional or social identity, emphasizing the diversity and uniqueness of each individual. The faces covered with gems and semi-precious stones suggest that identity is valuable, unique, and, in a sense, a gem that must be discovered and valued. The attire reinforces the idea that personal branding, a specific social class where identity is expressed in contexts of authority, professionalism, and public presence.
The title, I Am the Brand, invites us to rethink the notion that each person carries their own brand, their unique footprint, reflected in their face, essence, and presence.
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Heide Hatry – ALEMANIA / GERMANY
Título: Jennifer.
Técnica: Impresión de haluro de plata de escultura femenina de arcilla recubierta con piel de cerdo sin tratar, ojos de cerdo, pestañas de cerdo, carne cruda, peluca y camiseta.
Medidas: 70 x 50 cm.
Año: 2008
Jennifer, escultura de arcilla cubierta de piel y ojos de cerdo con moscas en sus ojos y boca, puede ser vista como una metáfora poderosa de la relación entre el rostro y la percepción, representando cómo el rostro, tradicionalmente visto como un medio de comunicación y expresión se convierte en un símbolo de superficialidad, decadencia y vulnerabilidad.
La piel de cerdo puede simbolizar la capa externa que cubre la verdadera esencia, mientras que los ojos y la boca con moscas sugieren la corrupción, el deterioro o la falsedad que puede esconderse tras esa superficie.
En un mundo donde la biometría mapea y analiza el rostro para identificar, validar y controlar, Jennifer puede interpretarse como una crítica o una reflexión sobre cómo estas tecnologías capturan solo la superficie física, la carne y los rasgos externos, sin necesariamente acceder a la autenticidad interna o la verdadera identidad.
La obra muestra que detrás de la máscara biométrica puede haber una realidad deteriorada, corrupta o superficial, cuestionando la confianza ciega en la tecnología como reflejo absoluto de la identidad.
English version
Title: Jennifer
Technique: Silver alloy print of a female clay sculpture covered with untreated pig skin, pig eyes, pig eyelashes, raw meat, wig, and T-shirt.
Dimensions: 70 x 50 cm
Year: 2008
The work Jennifer, a clay sculpture covered with pig skin, pig eyes, and flies on its eyes and mouth, can be seen as a powerful metaphor for the relationship between the face and perception. Represented as the face, traditionally seen as a means of communication and expression, becomes a symbol of superficiality, decay, and vulnerability.
The pig skin may symbolize the outer layer that covers the true essence, while the eyes and mouth with flies suggest corruption, deterioration, or falsity that can hide behind that surface.
In a world where biometrics maps and analyzes the face to identify, verify, and control, Jennifer can be read as a critique or reflection on how these technologies capture only the physical surface, flesh, and external features, without necessarily reaching authentic inner identity.
The work shows that behind the biometric mask there may be a deteriorated, corrupt, or superficial reality, challenging blind trust in technology as an absolute reflection of identity.
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Eduardo Villanes – PERÚ / PERU
Título: GLORIA EVAPORADA.
Técnica: Macrofotografía de fotografía vintage, papel Hanhemulle.
Medidas: 70 x 47 cm.
Año: 1994.
Gloria Evaporada puede interpretarse como una poderosa metáfora visual en el contexto de la revolución biométrica, donde la sola acción de cubrir la cabeza con una pieza gráfica simboliza la protección o la ocultación de la verdadera identidad.
La gráfica, como objeto, puede representar cómo las tecnologías biométricas capturan y contienen la identidad facial, pero también cómo estas mismas tecnologías pueden esconder o distorsionar la verdadera esencia del individuo.
El título Gloria Evaporada sugiere una pérdida de brillo, de valor. En el contexto actual, donde la biometría cumple un rol tan preponderante, esto puede reflejar cómo la apariencia facial y los datos biométricos, que se consideran la «gloria» de la identidad moderna, pueden diluirse, perderse o distorsionarse en el proceso de digitalización y control.
El objeto con que se recubre, rústico, contrasta con la tecnología moderna, sugiriendo que la identidad, aunque ahora digital y biométrica, tiene raíces en formas antiguas y humanas de reconocimiento y memoria.
La frase “enriquecida con vitaminas» puede aludir a los intentos de fortalecer o mejorar la identidad, pero también puede ser una ironía sobre cómo la tecnología intenta revitalizar o dar valor a lo que, en realidad, puede estar siendo reducido o evaporado.
English version
Title: GLORY EVAPORATED
Technique: Macro photography of vintage photograph, Hanhemüller paper
Dimensions: 70 x 47 cm
Year: 1994
The photograph Glory Evaporated can be interpreted as a powerful visual metaphor in the context of the biometric revolution, where the mere act of covering the head with a piece of graphic material symbolizes protection or hiding the true identity.
The graphic as an object can represent how biometric technologies capture and contain facial identity, but also how these same technologies can hide or distort the true essence of the individual.
The title Glory Evaporated suggests a loss of brightness or value.
In today’s context, where biometrics plays such a prominent role, this may reflect how facial appearance and biometric data, considered the «glory» of modern identity, can be diluted, lost, or distorted in the process of digitization and control.
The object with which it is clothed is rustic, contrasting with modern technology, suggesting that identity, though now digital and biometric, has roots in ancient and human forms of recognition and memory.
The phrase “enriched with vitamins” may allude to attempts to strengthen or enhance identity, but it can also be an irony about how technology attempts to revitalize or give value to what may actually be reduced or evaporated.
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Maquiamelo – COLOMBIA / COLOMBIA
Título: Cosmonauta.
Material: Bronce.
Medidas: 42 x 27 x 27 cm.
Año: 2024.
La escultura en bronce Cosmonauta representa un rostro humano con anteojos tallados con códigos que pueden interpretarse como una poderosa metáfora de la interacción entre la tecnología y la cultura en la era biométrica.
Los códigos y símbolos tallados representan cómo la biometría, los datos y los algoritmos configuran y codifican la identidad en la sociedad moderna. La presencia de los anteojos puede sugerir la visión filtrada o mediada por la tecnología, como una lente a través de la cual percibimos y definimos quiénes somos.
Las orejas de animal sugieren una conexión con el mundo animal, instintivo o primitivo, en contraste con la apariencia humana. Esto puede reflejar cómo la identidad biométrica combina elementos biológicos, culturales y tecnológicos, creando una nueva forma de ser que trasciende las categorías tradicionales.
Cosmonauta puede interpretarse como un ser híbrido, una figura que combina elementos humanos, animales y tecnologías, en línea con la idea de que, en la era biométrica, la identidad no es estática, sino una construcción compleja que abarca múltiples dimensiones: biológicas, culturales y digitales.
English version
Title: Cosmonaut
Material: Bronze
Dimensions: 42 x 27 x 27 cm.
Year: 2024
The bronze sculpture Cosmonaut represents a human face with glasses carved with codes; it can be interpreted as a powerful metaphor for the interaction between technology and culture in the biometric era.
The codes and symbols carved represent how biometrics, data, and algorithms shape and encode identity in modern society. The presence of the glasses may suggest a filtered or technology-mediated vision, like a lens through which we perceive and define who we are.
Animal ears suggest a connection with the animal world, instinctive or primitive, in contrast to the human appearance. This may reflect how biometric identity combines biological, cultural, and technological elements, creating a new form of being that transcends traditional categories.
Cosmonaut can be interpreted as a hybrid being, a figure that combines human, animal, and technological elements, in line with the idea that in the biometric era, identity is not static, but a complex construction spanning biological, cultural, and digital dimensions.
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Cristina Fresca – ARGENTINA / ARGENTINA
Título: LO QUE MIRAN TUS OJOS.
Técnica: Impresión digital sobre textil.
Medidas: 200 x 150 cm.
Año: 2009.
Esta fotografía impresa a modo de instalación textil nos invita a conectar con la visión frontal de la niña, que mira directamente al espectador a través del carrusel y representa la confrontación con la propia imagen y la percepción del otro: una mirada directa que desafía al algoritmo, transformando el rostro en portal.
En el contexto de la revolución biométrica, esta obra simboliza cómo el rostro y la mirada se convierten en herramientas de reconocimiento y diferenciación, capturadas y analizadas por tecnologías que leen y codifican nuestras expresiones faciales y nuestros ojos.
El carrusel como símbolo de infancia, alegría y movimiento, puede representar la naturaleza dinámica y fluctuante de la identidad en la era digital. La niña sostiene el carrusel y, al mirar a través de él, muestra cómo las tecnologías biométricas filtran, enmarcan y a veces distorsionan la realidad que el rostro y la mirada expresan, creando una ilusión controlada y manipulada de la identidad.
English version
Title: WHAT YOUR EYES LOOK AT
Technique: Digital print on textile
Dimensions: 200 x 150 cm
Year: 2009
This photograph printed as a textile installation invites us to connect with the frontal gaze of the girl, who looks directly at the viewer through the carousel, representing confrontation with one’s own image and the perception of the other. A direct gaze that challenges the algorithm, transforming the face into a portal.
In the context of the biometric revolution, this work symbolizes how the face and gaze become recognition and differentiation tools, captured and analyzed by technologies that read and encode our facial expressions and eyes.
The carousel as a symbol of childhood, joy, and movement may represent the dynamic and fluctuating nature of identity in the digital era. The girl holding the carousel and looking through it shows how biometric technologies filter, frame, and sometimes distort the reality that the face and gaze express, creating a controlled and manipulated illusion of identity.
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Yves Hayat –EGIPTO / EGYPT
Título: LES ICÔNES SONT FATIGUÉES.
Técnica: Impresiones C-color en láminas transparentes, quemadas en cajas de plexiglás.
Medidas: 15 x 20 cm. c/u.
Años: 2011-2014.
Yves Hayat distorsiona los rostros de famosos, quemando las impresiones en láminas transparentes con instalaciones en cajas de plexiglás, generando una connotación totalmente diferente. Explora la percepción y la fragilidad de la imagen facial, temas centrales en la biometría y en la representación de datos biométricos.
La técnica de quemar y distorsionar los rostros podría simbolizar la vulnerabilidad y la transformación de la identidad en la era digital, donde los datos biométricos (como huellas, reconocimiento facial, entre otros) se utilizan para identificar y distinguir a las personas.
Además, al manipular y destruir las imágenes originales, el artista podría cuestionar la fiabilidad y la permanencia de los datos biométricos, así como la manera en que la identidad se construye y deconstruye en la cultura contemporánea.
English version
Title: LES ICONS SONT FATIGUED
Technique: C-color prints on transparent sheets, burned into plexiglass boxes
Dimensions: 15 x 20 cm each
Years: 2011-2014
Hayat distorts the faces of celebrities by burning the prints onto transparent sheets and placing them in plexiglass boxes, giving them a completely different connotation. Exploring perception and the fragility of facial image, which are central themes in biometrics and the representation of biometric data.
The technique of burning and distorting the faces could symbolize vulnerability and transformation of identity in the digital era, where biometric data (such as fingerprints, facial recognition, etc.) are used to identify and distinguish people.
Moreover, by manipulating and destroying the original images, the artist may be questioning the reliability and permanence of biometric data, as well as how identity is constructed and deconstructed in contemporary culture.
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Petra Eiko –ALEMANIA-EE.UU. / GERMANY-USA
Título: Sense of Space II.
Técnica: Video.
Duración: 4:29 minutos.
Año: 2023- 2025.
La obra de video Sense of Space, de Petra Eiko, presenta un ojo de gran formato con un personaje que flota y se mueve en el centro de la pupila, y puede asociarse con varias ideas y conceptos relacionados con la percepción, la identidad y la conciencia.
El ojo representa la percepción, la observación y la vigilancia, conceptos relacionados con la biometría y la identificación visual. En la era digital, el ojo es un símbolo potente de reconocimiento facial, vigilancia masiva y control de identidad.
El personaje que flota en el centro de la pupila puede simbolizar la conciencia interna, el universo personal o la subjetividad. Esto se relaciona con la idea de que la biometría no solo captura rasgos físicos, sino que también se interpreta como una forma de acceder a la subjetividad y la identidad interior.
El personaje en el centro puede representar la fluidez de la identidad, la percepción o la conciencia en un espacio que parece ilimitado o infinito, como la pupila de un ojo. Esto puede aludir a la idea de que la identidad no es estática, sino que está en constante cambio y movimiento, y que la percepción (el ojo) es el mediador de esa experiencia.
El título Sense of Space (Sentido del espacio) sugiere una exploración sobre cómo experimentamos el espacio y la percepción en nuestro entorno, especialmente en un mundo donde la tecnología y la biometría modifican la manera en que vemos y entendemos la realidad y la identidad.
English version
Title: Sense of Space II
Technique: video
Duration: 4:29
Year: 2023-2025
Petra Eiko’s video work, Sense of Space, presents a close-up eye with a character floating and moving at the center of the pupil, which can be associated with several ideas related to perception, identity, and consciousness.
The eye represents perception, observation, and surveillance, concepts related to biometrics and visual identification. In the digital era, the eye is a powerful symbol of facial recognition, mass surveillance, and identity control.
The character floating in the center may symbolize internal consciousness, the personal universe, or subjectivity. This relates to how biometrics not only capture features but can be interpreted as a way to access subjectivity and inner identity.
The moving character may represent the fluidity of identity, perception, or consciousness in a space that seems limitless or infinite, like the pupil of an eye. It alludes to the idea that identity is not static, but constantly changing and moving, and that perception (the eye) mediates that experience.
The title Sense of Space suggests an exploration of how we experience space and perception in our environment, especially in a world where technology and biometrics modify how we see and understand reality and identity.
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Harding Meyer – BRASIL / BRAZIL
Título: O.T.
Técnica: Óleo sobre tela.
Medidas: 90 x 110 cm.
Año: 2013.
En la pintura de Harding Meyer podemos observar un desdoblamiento del rostro de la mujer, con una vibración o ruido visual que hace ver a los ojos duplicados, lo que se interpreta desde varias perspectivas relacionadas con la percepción visual.
El efecto de desdoblamiento y vibración del rostro puede simbolizar la fragilidad y la complejidad de la identidad humana. En términos de biometría, esto puede representar cómo los datos vinculados a huellas o reconocimiento facial, entre otros, intentan capturar una imagen precisa de la identidad, pero siempre existe cierta ambigüedad o inexactitud en esa captura: una falla.
Los ojos que parecen dobles o en movimiento también puede ser reflejo de la dualidad de la percepción y la realidad en la era digital, donde la imagen física y la imagen digital (reconocida por sistemas biométricos) a veces se superponen o se confunden. Así como la idea de que la identidad no es fija, sino que tiene múltiples facetas o versiones.
Este efecto visual puede reflejar cómo la tecnología biométrica y la vigilancia afectan nuestra percepción de la identidad, creando una sensación de desajuste o fragmentación del yo que puede interpretarse como una especie de «desdoblamiento» psicológico o emocional.
English version
Title: O.T.
Technique: Oil on canvas
Dimensions: 90 x 110 cm
Year: 2013
In Meyer’s painting we can observe a doubling of the woman’s face, with a visual vibration that makes the eyes look doubled; it can be interpreted from several perceptual/visual perspectives.
The visual effect of doubling and vibrating the face can symbolize the fragility and complexity of human identity. Biometrically, this may represent how biometric data (such as fingerprints, facial recognition, etc.) attempt to capture an accurate image of identity, but there is always some ambiguity or inaccuracy in that capture—a glitch.
The eyes appearing double or in motion can symbolize the duality of perception and reality in the digital era, where physical and digital images (recognized by biometric systems) sometimes overlap or confuse. It may also represent the idea that identity is not fixed, but has multiple facets or versions.
This visual effect may reflect how biometric technology and surveillance affect our perception of identity, creating a sense of misalignment or fragmentation of the self, which can be read as a kind of psychological or emotional doubling.
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Cecilia Avendaño – CHILE / CHILE
Título: PRIDE.
Técnica: montaje digital, impresión giclée.
Medidas: 110 x 110 cm.
Año: 2010.
En el montaje digital en blanco y negro de Cecilia Avendaño, la alteración visual del rostro simboliza cómo la percepción de la identidad puede ser fragmentada o inestable, especialmente en un contexto digital.
La distorsión sugiere que la imagen de la mujer no es fija, sino que puede ser manipulada, alterada o interpretada de diferentes maneras: un reflejo de cómo los datos biométricos o las identidades digitales pueden ser fluidos o inexactos.
El uso del blanco y negro enfatiza la carga emocional o filosófica del trabajo, poniendo en foco la forma y la textura en lugar del color, y resalta la distorsión y la fragmentación del rostro. Esto puede relacionarse con la idea de que las identidades biométricas, aunque parecen objetivas y precisas, en realidad pueden ser subjetivas, fragmentadas o incompletas.
El acto de fumar puede simbolizar un acto de rebeldía, introspección o vulnerabilidad, mientras que la distorsión del rostro puede representar cómo estas emociones o estados internos también se ven afectados o filtrados por las tecnologías de reconocimiento y percepción visual.
La combinación de ambos elementos, en este caso, puede sugerir la tensión entre la subjetividad personal y las interpretaciones tecnológicas de la identidad.
English version
Title: PRIDE
Technique: Digital montage, glice print
Dimensions: 110 x 110 cm
Year: 2010
In Cecilia Avendaño’s black-and-white digital montage, the visual alteration of the face may symbolize how the perception of identity can be fragmented or unstable, especially in a digital context.
The distortion suggests that the image of the woman is not fixed, but can be manipulated, altered, or interpreted in different ways, reflecting how biometric data or digital identities can be fluid or imprecise.
The use of black and white emphasizes the emotional or philosophical charge of the work, focusing on form and texture rather than color, and highlighting distortion and fragmentation of the face.
This can relate to the idea that biometric identities, though seemingly objective and precise, can actually be subjective, fragmented, or incomplete.
The act of smoking may symbolize rebellion, introspection, or vulnerability, while the distortion of the face may represent how these internal emotions or states are also affected or filtered by recognition and visual perception technologies.
The combination in this case may suggest the tension between personal subjectivity and technological interpretations of identity.
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Salustiano – ESPAÑA / SPAIN
Título: INSTANTE DE ETERNIDAD, VERANO II.
Técnica: Pigmentos naturales y resina sobre tela.
Medidas: 80 cm de diámetro.
Año: 2009.
En la obra de Salustiano, la actitud del personaje que evita la confrontación, puede simbolizar una postura de reserva, introspección o rechazo a la exposición pública. Esto puede relacionarse con temas de identidad, autoimagen y la manera en que las personas se presentan o evitan ser confrontadas, algo que también puede tener resonancias en contextos biométricos, donde la identidad puede ocultarse.
El uso del color rojo en el fondo y en los ropajes puede representar pasión, violencia o intensidad emocional de la dualidad entre la apariencia externa y el estado interno. La tensión visual crea un efecto de separación o distanciamiento, reforzando la idea de evasión o protección de la identidad.
El ojo, que destaca por su color y visibilidad, puede simbolizar la percepción, la vigilancia o la conciencia.
En un contexto biométrico, el ojo es un símbolo poderoso del reconocimiento facial y la identidad visual. La presencia del ojo en contraste con la postura evasiva puede sugerir que, aunque la identidad parece oculta o protegida, sin embargo hay un elemento de observación o vigilancia que siempre la acompaña.
English version
Title: Instant of Eternity, Summer II
Technique: Natural pigments and resin on canvas
Dimensions: 80 cm in diameter
Year: 2009
In Salustiano’s work, the subject’s attitude, who avoids confrontation, can symbolize a stance of reserve, introspection, or rejection of public exposure. This can relate to identity, self-image, and the way people present themselves or avoid being confronted, something that can also resonate in biometric contexts where identity may be hidden.
The use of red in the background and clothing can represent passion, violence, or emotional intensity, the duality between external appearance and internal state. The visual tension creates a sense of separation or distancing, reinforcing the idea of evasion or protection of identity. The eye, highlighted by its color and visibility, may symbolize perception, surveillance, or consciousness. In a biometric context, the eye is a powerful symbol of facial recognition and visual identity. The presence of the eye in contrast with the evasive posture may suggest that, even though identity seems hidden or protected, there is an element of observation or surveillance that always accompanies it.
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Bohdan Burenko – UCRANIA / UKRAINE
Título: GENTLEMAN 4.3.
Técnica: Acrílico sobre tela.
Medidas: 80 x 80 cm.
Año: 2015.
Este rostro fragmentado de Burenko que ha sido descompuesto con formas geométricas, refleja una visión de la identidad como un conjunto de partes que juntas crean una percepción del todo. La fragmentación puede simbolizar cómo la percepción del rostro y la identidad se construyen a partir de múltiples elementos que, en conjunto, generan una imagen que puede ser más «real» o convincente que una representación convencional.
La mirada parece ser lo más real en la obra. Esto sugiere que, a pesar de la fragmentación y la abstracción, la capacidad de percepción de los ojos mantiene una presencia potente y auténtica. En términos de biométrica o percepción visual, los ojos son considerados la ventana a la identidad y la verdad del sujeto, mucho más que las formas geométricas que lo componen.
La idea de que los ojos son lo que parece más real en la obra puede interpretarse como una reflexión sobre cómo la percepción visual, en particular la mirada tiene un poder de autenticidad que trasciende las formas superficiales o fragmentadas. La mirada humana, en su intensidad y expresión, puede ser vista como la clave para conectar con la verdadera identidad en medio de la abstracción o la fragmentación.
Este enfoque de fragmentar y recomponer la figura, a través de formas geométricas y de líneas, recuerda tendencias del arte contemporáneo que cuestionan la representación tradicional del rostro y la identidad, explorando cómo las percepciones y las interpretaciones pueden variar según el ángulo, la forma o la percepción.
English version
Title: GENTLEMAN 4.3
Technique: Acrylic on canvas
Dimensions: 80 x 80 cm
Year: 2015.
This fragmented face by Burenko, decomposed with geometric shapes, reflects a view of identity as a set of parts that, together, create a perception of the whole. The fragmentation can symbolize how the perception of the face and identity are constructed from multiple elements, which together generate an image that can be more “real” or convincing than a conventional representation. The gaze seems to be the most real in the work. This suggests that, despite fragmentation and abstraction, the capacity of perception (the eyes) maintains a powerful and authentic presence. In biometric or visual perception terms, the eyes are considered the window to the identity and truth of the subject, much more than the geometric shapes that compose it.
The idea that the eyes are what look most real in the work can be read as a reflection on how visual perception, in particular gaze, has a power of authenticity that transcends superficial or fragmented forms. Human gaze, in its intensity and expression, can be seen as the key to connecting with true identity amid abstraction or fragmentation.
This approach of fragmenting and recomposing the figure through geometric shapes and lines recalls trends in contemporary art that question traditional representation of the face and identity, exploring how perceptions and interpretations can vary by angle, form, or perception.
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Craig Wylie- INGLATERRA / ENGLAND
Título: MG (FEVER).
Técnica: Óleo sobre tela.
Medidas: 210 x 147.3 cm.
Año: 2010.
MG (FEVER), de Craig Wylie, presenta un rostro hiperrealista en primera plana con ojos intensos y mirada profunda, y enfatiza la importancia del rostro como el principal medio de reconocimiento y percepción.
La mirada profunda y frontal parece desafiar al espectador a confrontar la autenticidad y la emocionalidad del sujeto, similar a cómo en biometría la cara y los ojos son claves para identificar a las personas con precisión.
Los ojos, considerados las «ventanas del alma», en esta obra parecen tener un carácter casi vivo, transmitiendo una forma de intensidad y tristeza que parece ir más allá de la apariencia física. Esto puede relacionarse con la idea de que los datos biométricos, especialmente los ojos en reconocimiento ocular y facial, capturan no solo rasgos físicos, sino también aspectos emocionales y subjetivos que definen la individualidad.
La mirada directa al espectador crea una interacción poderosa, resalta la presencia del rostro y hace que la percepción visual sea casi una experiencia visceral. En el contexto biométrico, esto refleja cómo el reconocimiento facial busca una identificación «directa» y efectiva, estableciendo una conexión inmediata entre el rostro, la identidad y la percepción.
English version
Title: MG (FEVER)
Technique: Oil on canvas
Dimensions: 210 x 147.3 cm
Year: 2010
In the work MG Fever, Wylie presents a hyperrealistic, frontal close-up of a face with intense eyes and a deep gaze, emphasizing the importance of the face as the main means of recognition and perception. The deep, frontal gaze seems to challenge the viewer to confront the subject’s authenticity and emotion, similar to how in biometrics the face and eyes are key to identifying people with precision. The eyes, considered the windows to the soul, in this work appear almost alive, conveying intensity and, at the same time, sadness that goes beyond mere physical appearance. This can relate to the idea that biometric data, especially eyes in iris and facial recognition, capture not only physical features but also emotional and subjective aspects that define individuality. The direct gaze at the viewer creates a powerful interaction, highlighting the presence of the face and making visual perception almost a visceral experience. In a biometric context, this reflects how facial recognition seeks direct and effective identification, establishing an immediate connection between the face, identity, and perception.
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Diana Beltrán –COLOMBIA / COLOMBIA
Título: DÍPTICO DE LÍNEAS SUSPENDIDAS I.
Técnica: Ensamble fotográfico.
Medidas: 60 x 60 cm. c/u.
Año: 2013.
La obra consiste en un collage de diferentes partes de una fotografía cortadas y sujetas con alfileres para formar un rostro completo en un díptico. Puede ser interpretada desde varias perspectivas. Al estar unido por alfileres simboliza cómo la identidad puede ser vista como una colección de fragmentos que, al ser ensamblados, crean una imagen coherente. Esto refleja la idea de que los datos biométricos (como rasgos faciales) también están compuestos por múltiples elementos que juntos generan una identidad reconocible.
El díptico muestra dos actitudes distintas: en una, la mujer mira al espectador con una expresión natural y abierta; en la otra, aprieta los ojos y hace una mueca, como intentando evitar ser leída o reconocida. Esto puede simbolizar la identidad que puede ser flexible, oculta o protegida, en respuesta a la vigilancia o a la percepción externa: un tema central en biometría, donde la intención es identificar o, a veces, esconder la verdadera identidad.
La acción de apretar los ojos y hacer una mueca puede interpretarse como un acto de resistencia o de protección frente a la exposición o reconocimiento, reflejando las tensiones entre la identidad personal y la vigilancia tecnológica. En el contexto biométrico, esto puede representar la dificultad o la voluntad de evadir el reconocimiento facial o de datos biométricos cuando uno desea mantener su privacidad.
El collage y los alfileres también sugieren un proceso de construcción y deconstrucción, donde la identidad puede ser alterada, fragmentada o protegida en consonancia con las tensiones actuales en torno a la privacidad, el control de datos biométricos y la percepción social.
English version
Title: Diptico of Suspended Lines I
Technique: Photo collage
Dimensions: 60 x 60 cm each
Year: 2013
The work, consisting of a collage of different parts of a photograph cut and pinned to form a complete face in a diptych, can be interpreted from several perspectives. Being held together by pins symbolizes how identity can be seen as a collection of fragments that, when assembled, create a coherent image. This reflects the idea that biometric data (such as facial features) are also made up of multiple elements that together generate a recognizable identity. The diptych shows two distinct attitudes: one where the woman looks at the viewer with a natural, open expression; the other, where she squints and makes a grimace, as if trying to avoid being read or recognized. This can symbolize how identity can be flexible, hidden, or protected in response to surveillance or external perception, a central theme in biometrics, where the aim is to identify or sometimes hide true identity. The act of squinting and grimacing can be interpreted as an act of resistance or protection in the face of exposure or recognition, reflecting the tensions between personal identity and technological surveillance. In biometric contexts, this can represent the difficulty or desire to evade facial or biometric data recognition when one wishes to maintain privacy. The collage and pins also suggest a process of construction and deconstruction, where identity can be altered, fragmented, or protected, aligning with current tensions around privacy, biometric data control, and social perception.
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Eugenia Vargas Pereira – CHILE / CHILE
Título: Tus ojos cuentan la historia.
Técnica: Fotografía digital.
Medidas: 700 x 400 cm.
Año: 2013.
La obra de Eugenia Vargas Pereira, que presenta a 40 mujeres cubriéndose los rostros con capuchas durante el Estallido Social en Chile en 2019 puede interpretarse desde varias perspectivas relacionadas con la percepción, la identidad y la resistencia frente a la vigilancia biométrica y la autoridad.
La ocultación de los rostros como acto de resistencia. Las mujeres cubriendo sus rostros con capuchas decoradas por ellas mismas simbolizan una estrategia de protección y resistencia contra la identificación y reconocimiento por parte de las autoridades, en un contexto donde la vigilancia y la biometría pueden ser usadas para reprimir o controlar.
Ocultar el rostro impide que las tecnologías biométricas puedan capturar su identidad, resistiéndose a la «ley» de reconocimiento facial o datos biométricos. Esto genera cuestionamientos sobre la idea de la identidad como algo fijo y accesible. La obra refleja la respuesta a cómo la protección del rostro puede ser una forma de afirmar la autonomía y la libertad frente a la vigilancia institucional.
El rostro como símbolo de identidad y poder en un contexto político y, a la vez, como símbolo de individualidad, poder y agencia. La acción de cubrirlo o esconderlo es un acto de negación a ser reducido o controlado por los sistemas biométricos y las fuerzas del Estado, convirtiéndose en un gesto de resistencia colectiva y política.
La construcción de una identidad colectiva y anónima. Al decorar las capuchas con elementos propios, las mujeres reivindican su individualidad dentro de la masa anónima, transformando el acto de ocultar en una expresión de identidad política y cultural.
A la vez, la ocultación genera una identidad enmascarada, que desafía la lógica biométrica de reconocimiento facial basada en la identificación individual.
“Emerge en un tiempo de efervescencia social, donde el espacio público fue reclamado como territorio de expresión, denuncia y reconfiguración simbólica.
Tus ojos cuentan la historia retrata figuras enmascaradas que, entre el gesto político y lo performativo, encarnan nuevas formas de resistencia. Con capuchas coloridas y miradas firmes, estas mujeres aparecen como heroínas contemporáneas: más reales, más poderosas, más nuestras”, Eugenia Vargas Pereira.
English version
Title: Your Eyes Tell the Story
Technique: Digital photography
Dimensions: 7 x 4 meters
Year: 2019
Eugenia Vargas’s work, depicting 40 women covering their faces with hoods during Chile’s 2019 Social Uprising, can be interpreted from several perspectives related to perception, identity, and resistance to biometric surveillance and authority:
The concealment of faces as an act of resistance: Women covering their faces with self-decorated hoods symbolize a strategy of protection and resistance against identification and recognition by authorities, in a context where surveillance and biometrics can be used to repress or control.
Hiding the face prevents biometric technologies from capturing their identity, resisting the “facial recognition” or biometric data regime.
By covering their faces, these women cease to be recognizable by cameras and facial recognition systems, challenging the idea of identity as fixed and accessible. The work reflects how protecting the face can be a form of asserting autonomy and freedom against institutional surveillance.
The face as a symbol of identity and power: in a political context, the face is a symbol of individuality, power, and agency. The act of covering or hiding it is an act of refusal to be reduced or controlled by biometric systems and state forces, becoming a gesture of collective and political resistance.
The construction of a collective and anonymous identity: by decorating the hoods with personal elements, the women claim their individuality within the anonymous mass, turning the act of hiding into an expression of political and cultural identity.
At the same time, concealment generates a masked identity that challenges the biometric logic of facial recognition based on individual identification.
“Emerges in a time of social effervescence, where public space was reclaimed as a territory of expression, denunciation, and symbolic reconfiguration. Your Eyes Tell the Story portrays masked figures who, between political gesture and performativity, embody new forms of resistance. With colorful hoods and firm gazes, these women appear as contemporary heroines: more real, more powerful, more ours.” E.V.P
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Ana Marcos y Alfonso Villanueva – 3D interactive Studio – ESPAÑA / SPAIN
Título: DATA / ergo sum.
Técnica: Instalación interactiva.
Año: 2021
DATA | ergo sum es una instalación de arte interactivo que visualiza las capacidades de las máquinas que usan visión e inteligencia artificial.
_DATA | ergo sum es una instalación artística interactiva que visualiza la capacidad de las máquinas de visión que utilizan inteligencia artificial (IA) para extraer datos por una simple observación. La instalación utiliza espejos que atraen la atención del visitante y presenta una narración, al observar y registrar el comportamiento de los participantes, sin que estos sean conscientes de que su simple presencia frente a un espejo está proporcionando una abrumadora cantidad de datos. Se capturan más de 20.000 parámetros en solo 20 segundos.
Este big data personal es tratado por algoritmos de IA que interpretan la información en bruto agregando capas de valor, como las emociones básicas deducidas de las expresiones faciales o como los datos biométricos que se pueden utilizar para la interpretación del lenguaje corporal.
_DATA | ergo sum no es solo una experiencia; es una invitación a la reflexión. Son precisamente esas formas de observarnos, lo que la obra nos invita a revisar frente a su sistema de IA. El desafío comienza con el análisis digital que nos hace legibles para una máquina y que abre nuevas posibilidades. Miramos a un ser desconocido, arriesgándonos a reconocer nuestra vulnerabilidad como lo que no es representable en la vida humana.
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Érase una vez un espejo mágico…
Un espejo que lo sabía todo.
Aprendía de lo humano con los datos biométricos de todos los habitantes del reino y podía darnos información muy interesante, incluso, decirnos cómo nos sentíamos.
¿Quién no querría tener un espejo mágico como este?
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Title: DATA / ergo sum
Technique: Interactive installation
Year: 2021
DATA | ergo sum is an interactive art installation that visualizes the capabilities of machines that use vision and artificial intelligence.
_DATA | ergo sum is an interactive artistic installation that visualizes the capacity of vision machines that use Artificial Intelligence to extract data from a simple observation. Using mirrors that attract the visitor’s attention and presenting a narrative, the installation observes and records the participants’ behavior without them being aware that their mere presence in front of a mirror is providing an overwhelming amount of data; more than 20,000 parameters are captured in just 20 seconds. This personal “big data” is processed by AI algorithms that interpret the raw information adding layers of value, such as basic emotions inferred from facial expressions or biometric data that can be used to interpret body language.
_DATA | ergo sum is not only an experience, it is also an invitation to reflection. It is precisely these ways of seeing ourselves, of seeing ourselves, that DATA | ergo sum invites us to examine in front of its AI system. The challenge begins with the digital analysis that makes us legible to a machine and opens new possibilities. We look at an unknown being, risking recognizing both our vulnerability and what cannot be represented in human life.
Once upon a time a magic mirror…
A mirror that knew everything.
It learned from humans with the biometric data of all inhabitants of the kingdom and could give us information as interesting as telling us how we felt.
Who wouldn’t want to have such a magic mirror?
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Marcos Lutyens –INGLATERRA-EE.UU. / ENGLAND-USA
Título: The Anti-Mirror (El Anti-Espejo).
Técnica: Cerámica, metal, madera, silla, altavoces (o auriculares) y audio hipnótico.
Medidas: Dimensiones variables.
Año: 2025.
Esta obra presenta un espejo sinestésico con una superficie metálica oscura que resiste la reflexión, acompañado por una inducción hipnótica destinada a disolver el ego. A diferencia de las obras visuales tradicionales, funciona como un portal anti-visual, que señala un mundo interior del ser al que se accede más por la táctilidad y la sensación que por la vista.
La pieza se inspira en investigaciones de vanguardia sobre los “anti-espejos” desarrollados mediante procesos cuánticos, fusionando la experimentación científica con la indagación poética. En esta convergencia entre ciencia y arte, la obra abre un espacio más allá de los límites de la mente, donde la percepción se repliega y las fronteras del yo se disuelven.
English version
Title: The Anti-Mirror
Technique: Ceramics, metal, wood, chair, speakers (or headphones) and hypnotic audio.
Dimensions: Variable
Year: 2025
This work presents a synesthetic mirror with a dark metallic surface that resists reflection, accompanied by a hypnotic induction designed to dissolve the ego. Unlike traditional visual works, it functions as an anti-visual portal, pointing toward an inner self-world accessed more through tactile sensation than sight. The piece draws on cutting-edge research into quantum-mechanical “anti-mirrors,” merging scientific experimentation with poetic inquiry. In this convergence of science and art, the work opens a space beyond the mind’s limits, where perception folds inward and the boundaries of the self dissolve.
This work features a synesthetic mirror with a dark, metallic surface that resists reflection, accompanied by a hypnotic induction designed to dissolve the ego. Unlike traditional visual works, it functions as an anti-visual portal, pointing instead to an interior self-world accessed through tactility and sensation. The piece draws inspiration from cutting-edge research into quantum mechanical “anti-mirrors,” merging scientific experimentation with poetic inquiry. In this convergence of science and art, the work opens a space beyond the limits of the mind, where perception folds inward and the boundaries of self dissolve.
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Yoon Chung Han – Corea / KOREA
Título: Eyes.
Técnica: Interactive Video installation.
Medidas: Variables.
Año: 2021.
Eyes es una instalación interactiva de datos biométricos que transforma la información del iris humano en sonidos musicales e imágenes animadas en 3D. La idea es permitir que el público explore su propia identidad a través de experiencias visuales y sonoras únicas, generadas por los patrones de su iris, basados en técnicas de reconocimiento del iris y procesamiento de imágenes.
Las imágenes de iris seleccionadas se imprimen en esculturas en 3D, y el sistema reproduce el sonido generado a partir de los datos del iris; además, proyecta las imágenes convertidas en 3D. Esta obra cuenta con un sistema experimental, desarrollado a partir de una investigación que genera sonidos distintos para cada conjunto de datos de iris, usando características visuales como colores, patrones, brillo y tamaño del iris.
Tiene el potencial de abrir nuevos caminos para interpretar conjuntos de datos complejos mediante salidas audiovisuales. Más allá de eso, se trata de una obra estéticamente hermosa, hipnotizante y con un ligero efecto de «valle inquietante», que puede crear una experiencia artística personalizada y una interacción multimodal.
Las interpretaciones multisensoriales sobre esta obra de datos del iris pueden ofrecer una nueva oportunidad para revelar las narrativas de los usuarios y crear su propia «firma sonora», lo que podría desencadenar una nueva forma de interacción en los campos de arte y ciencia.
English version
Title: Eyes
Technique: Interactive Video installation
Dimensions: Variable
Year: 2021
Eyes is an interactive biometric data art installation that transforms human iris data into musical sounds and 3D animated images. The idea is to allow the audience to explore their own identity through unique visual and sonic experiences generated by their iris patterns based on iris recognition and image processing techniques.
Selected iris images are printed on 3D sculptures, and the system replays the sound generated from the iris data and projects the 3D-converted images. This research-based work has an experimental system that generates distinct sounds for each iris data set, using visual features such as colors, patterns, brightness, and iris size.
It has the potential to open new paths for interpreting complex datasets through audiovisual outputs. Beyond that, it is aesthetically beautiful, mesmerizing, and slightly uncanny, capable of creating a personalized artistic experience and multimodal interaction.
Multisensory interpretations of this iris data art can offer a new opportunity to reveal users’ narratives and create their own “sonic signature,” which could trigger a new form of interaction in the fields of art and science.
Eyes is an interactive biometric data art that transforms human’s iris data into musical sound and 3D animated image. The idea is to allow the audience to explore their own identities through unique visual and sound generated by their iris patterns based on iris recognition and image processing techniques. Selected iris images are printed in 3D sculptures, and it replays the sound generated from the iris data and projects 3D converted image images. This research-based artwork has an experimental system generating distinct sounds for each different iris data using visual features such as colors, patterns, brightness and size of the iris. It has potentials to lead the new way of interpreting complicated dataset with the audiovisual output. More importantly, aesthetically beautiful, mesmerizing and a bit uncanny valley-effected artwork can create personalized art experience and multimodal interaction. Multi-sensory interpretations of the iris data art can lead a new opportunity to reveal users’ narratives and create their own “sonic signature”, which will be able to trigger a new way of interaction in the fields of art and science.
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Javier Bellomo – ARGENTINA / ARGENTINA
Serie: El bosque de Aurora
Título: Corteza I y II (interventida), confluencia, autoretrato.
Técnica: Transferencia fotográfica sobre papel sulfito de seda y pintura acrílica.
Medidas: 107 x 68 cm con marco.
Año: 2025.
En esta obra, Bellomo simboliza múltiples conceptos relacionados con la identidad, la naturaleza y la protección.
En biometría, el rostro es la principal herramienta para el reconocimiento y la identificación personal. La obra, al cubrir el rostro con una corteza, cuestiona la idea de la identidad facial como algo accesible y reconocible. La corteza representa una capa protectora, pero también una barrera que oculta la verdadera cara, invitando a reflexionar sobre qué partes del rostro son visibles o reconocibles en los sistemas biométricos.
La corteza del árbol protege y oculta, similar a cómo las personas pueden querer proteger su identidad biométrica de la vigilancia o del reconocimiento no deseado. La obra puede interpretarse como una metáfora de la resistencia a la vigilancia biométrica o a la pérdida de privacidad en la era digital. La corteza: símbolo de protección y resistencia.
La integración de elementos naturales (la corteza) con una imagen autorreferencial puede simbolizar la tensión entre la identidad natural y la digital o tecnológica. En biometría, el rostro es digitalizado, analizado y reconocido mediante algoritmos, pero la obra muestra que detrás de la superficie hay capas que pueden estar ocultas o protegidas.
La técnica de collage y la superposición de capas refuerzan que la identidad no es una sola superficie, sino una construcción compleja formada por múltiples capas, experiencias y elementos culturales o naturales.
La obra sugiere que la identidad biométrica, aunque parece objetiva, está en realidad compuesta por múltiples niveles que pueden ser ocultos o revelados.
English version
Title: Cortex II, confluence, Self-portrait
Technique: Digital photography
Dimensions: Variable
Year: 2025
Title: Cortex I, II, confluence, Self-portrait
Series: El bosque de Aurora
Technique: Photographic transfer on silk sulfite paper, acrylic paint.
Dimensions: 107 x 68 cm with frame
Year: 2025
In this work Bellomo symbolizes multiple concepts related to identity, nature, and protection. In biometrics, the face is the main tool for recognition and personal identification. The work, by covering the face with a bark, questions the idea of facial identity as something accessible and recognizable. The bark represents a protective layer, but also a barrier that hides the true face, inviting reflection on which parts of the face are visible or recognizable in biometric systems.
The tree bark protects and hides, similar to how people may want to protect their biometric identity from surveillance or unwanted recognition. The work can be interpreted as a metaphor of resistance to biometric surveillance or to privacy loss in the digital era. The bark as a symbol of protection and resistance.
The integration of natural elements (the bark) with a self-referential image can symbolize the tension between natural and digital/technological identity. In biometrics, the face is digitalized, analyzed, and recognized by algorithms, but the work shows that behind the surface there are layers that can be hidden or protected.
The collage technique and the layering reinforce that identity is not a single surface, but a complex construction formed by multiple layers, experiences, and cultural or natural elements. The work suggests that biometric identity, though it seems objective, is actually composed of multiple levels that can be hidden or revealed.
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Lluis Barba – ESPAÑA / SPAIN
Título: Portrait of a young woman, Van der Weydens, COVID.
Técnica: Fotografía impresa en tela de algodón.
Medidas: 120 x 152 cm.
Año: 2017.
El collage digital de Lluis Barba presenta a una monja que lleva un cubrebocas en un formato que contrasta la belleza clásica y el glamour con elementos cotidianos y de alerta social, usando símbolos como balas, clavos y otros elementos que representan violencia, control, corrupción y vulnerabilidad social, como así también una serie de personajes controversiales.
La monja, como figura tradicionalmente símbolo de pureza, espiritualidad y autoridad moral, representa un rostro social y cultural con un fuerte peso simbólico. La inclusión del cubrebocas, en un contexto actual, principalmente post COVID, también remite a la protección de la identidad facial frente a la vigilancia, el control y la pérdida de privacidad, aspectos centrales en la biométrica.
El cubrebocas en la obra puede simbolizar la ocultación de la identidad, la protección frente a una pandemia o un virus, como así también a la vigilancia o la resistencia a ser reconocidos en un sistema que controla y manipula. En el ámbito biométrico, el rostro es la principal herramienta para reconocimiento y control, pero la obra sugiere que hay formas de proteger o esconder esa identidad en un sistema opresor.
La obra también refleja la vulnerabilidad de las personas frente a sistemas de control, violencia y corrupción. La biometría, aunque diseñada para identificar, también puede ser utilizada para vigilancia y represión. La monja con cubrebocas puede simbolizar esa doble función: protección personal o resistencia frente a un sistema que busca reducir la individualidad a datos biométricos.
La obra denuncia cómo los rostros, en su función de reconocimiento, también son campos de lucha por la identidad, la privacidad y la libertad. La máscara o cubrebocas, en este caso, puede ser vista como un acto de protección o de rechazo a la reducción del rostro a un dato biométrico explotable y manipulable.
English version
Title: Portrait of a Young Woman, Van der Weydens, COVID
Technique: Photograph printed on cotton canvas
Dimensions: 120 x 152 cm
Year: 2017
The digital collage by Lluis Barba features a nun wearing a face mask, in a format that contrasts classical beauty and glamour with everyday elements and social alertness, using symbols such as bullets, nails, and other elements that represent violence, control, corruption, and social vulnerability, as well as a range of controversial figures.
The nun, traditionally symbolic of purity, spirituality, and moral authority, represents a social and cultural face with strong symbolic weight. The inclusion of the face mask, in a current context, especially post-COVID, also refers to protecting facial identity against surveillance, control, and privacy loss, central aspects of biometrics.
The face mask in the work may symbolize the concealment of identity, protection against a pandemic or virus, as well as surveillance or resistance to being recognized in a system that controls and manipulates.
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Joaquín Fargas –ARGENTINA / ARGENTINA
Título: Biometrika 1.
Técnica: Video en loop. Duración 60 segundos.
Año: 2025.
Título: Biometrika 2.
Técnica: Proyección láser de electrocardiograma, parlante.
Año: 2025.
Título: Biometrika 3.
Técnica: Proyección láser de electrocardiograma, parlante.
Año: 2025.
Performance Biométrika, vestimenta intervenida con transparencia para visualizar una serie de electrodos que monitorean el pulso cardiaco en tiempo real. El público es invitado a escanear un QR que les permite acceder a una página web donde se transmite ese mismo pulso en vivo. Un parlante pequeño transmite el latido.
Joaquín Fargas nos presenta una instalación que combina video, performance y tecnología biométrica, en la que utiliza su propio pulso conectado a un láser y video interactivo en interacción con su rostro y el del público. La obra genera una experiencia en la que la conexión biológica, visual y tecnológica se entrelazan.
Con esta obra, el artista enfatiza cómo el rostro es la principal vía de reconocimiento y comunicación en nuestra sociedad. Al usar su propio rostro, sus ojos y los del público en una instalación interactiva, Fargas pone en evidencia la importancia del rostro como un elemento biométrico clave para la identificación y su función como centro de la percepción y la identidad.
La conexión entre pulso, láser y video representa una forma de capturar y visualizar la singularidad biológica de cada individuo. El pulso, como signo vital, se convierte en un dato biométrico que, al integrarse con el resto de las instalaciones y medios tecnológicos, refleja la conexión entre la identidad física y la percepción digital.
La interacción en vivo con el público y el uso de su propio rostro y pulso hacen que la obra sea un acto de reconocimiento en tiempo real, donde la biometría deja de ser solo una tecnología pasiva para convertirse en una experiencia performativa y participativa. Esto refuerza la idea de que la identidad biométrica puede ser dinámica, personal y emocional.
Fargas utiliza su cuerpo y rostro como campo de experimentación tecnológica. La obra muestra cómo los datos biométricos faciales y corporales pueden ser visualizados y manipulados en un entorno artístico, cuestionando la relación entre la percepción social, la identidad digital y la privacidad. La interacción con el rostro y el pulso genera una experiencia que puede revelar aspectos internos y subjetivos del ser humano.
English version
Title: Biometrika 1
Year: 2025
Technique: Video on loop. Duration: 60 seconds.
Title: Biometrika 2
Year: 2025
Technique: Laser projection of electrocardiogram, speaker
Title: Biometrika 3
Year: 2025
Technique: Facial recognition, monitor, video camera
Performance Biométrika Garment altered with transparency to visualize a series of sensors monitoring his heartbeat in real time. The audience is invited to scan a QR code that allows access to a webpage where that same heartbeat is streamed live. A small speaker transmits the heartbeat.
Fargas presents an installation that combines video, performance, and biometric technology, in which he uses his own heartbeat connected to laser and interactive video, in interaction with his face and that of the audience. The work creates an experience in which biological, visual, and technological connections are intertwined.
The work emphasizes how the face is the primary avenue of recognition and communication in our society. By using his own face, his own eyes, and those of the audience in an interactive installation, Fargas highlights the importance of the face as a key biometric element for identification, and as the center of perception and identity.
The connection between the heartbeat, the laser, and the video represents a way to capture and visualize the biological uniqueness of each individual. The heartbeat, as a vital sign, becomes biometric data that, when integrated with the rest of the installations and technological media, reflects the link between physical identity and digital perception.
Live interaction with the public and the use of his own face and heartbeat make the work a real-time act of recognition, where biometrics ceases to be just a passive technology to become a performative and participatory experience. This reinforces the idea that biometric identity can be dynamic, personal, and emotional.
Fargas uses his body and face as a field of technological experimentation. The work shows how facial and bodily biometric data can be visualized and manipulated in an artistic setting, questioning the relationship between social perception, digital identity, and privacy. The interaction with the face and heartbeat generates an experience that can reveal internal and subjective aspects of the human being.
