Raimundo Lagos | “Asumir nuestra huella, hace entendernos mejor como personas”

Raimundo Lagos se encuentra sentado en el salón del recibidor del Apart Hotel B en el sector de Patronato, barrio histórico de la ciudad de Santiago. Los muros interiores, interrumpen su blanco con las obras del fotógrafo chileno, quien estrenó su más reciente serie visual, titulada Recolector, para cubrir los distintos espacios del lugar. Y lo hizo tomando como guía las calles del entorno que rodea al hotel. Sin embargo, su visión y estilo saltaron más allá de lo esperable: las calles de un barrio comercial y multicultural fueron exploradas por el artista durante la madrugada. Así, buscó la huella profunda e indeleble del día y sus personajes, en el misticismo iconográfico de la calle y sus noches.

Hace 10 años inició su viaje por la fotografía, abandonando estudios en arquitectura para instruirse profesionalmente en el trabajo con la cámara y la relación del artista con las formas y la luz. Este recorrido lo llevó a explorar distintas culturas y países como Marruecos, Belice y Cuba, para desembocar en una evolución artística que lo ha hecho cerrar cada vez más su plano, concentrándose en la abstracción de las imágenes cotidianas y oscuras de la ciudad, rescatando los conceptos y visualidades profundas de la sociedad que habita. Algo que podrá verse en abril, en el marco de su próxima participación en la feria de arte FAXXI 2017.

¿Cómo abordas los conceptos detrás de Recolector?

En este trabajo, buscando vestir las paredes del hotel, vimos diferentes opciones. En mi idea de retratar el barrio que lo rodea, me di cuenta que estaba aburrido de lo figurativo y de las descripciones literales. Hace tiempo que trabajo con abstracciones y les propuse a Jimena y Patricia Bada, las dueñas del hotel, comunicar las emociones que tendrá el turista cuando recorra los alrededores: el barrio Bellavista, Patronato, el Museo de Bellas Artes, borde del Río Mapocho, Parque Forestal… Muy ricos y poderosos, que evocan distintos tipos de sensaciones y son parte fundamental de la identidad de Santiago.

Y en ese objetivo, el uso del blanco y negro es potente…

Al despojarnos del color ya empezamos a contemplar una realidad subjetiva, que es el primer paso para la abstracción. Para explicarlo mejor, mis inicios en la fotografía comenzaron desde muy chico; con el dibujo, que para mi era fundamental para expresar mi mundo y mis ideas. Pero nunca encontré que dibujara tan rápido ni tan bien. Descubrí el instrumento de la cámara y la fotografía, que se convirtió en mi manera de dibujar. El blanco y negro, el alto contraste, me acerca y me recuerda mucho al trazo en lápiz grafito, rápido, muy cercano al croquis y al cómic, la estética presente en mi infancia ochentera.

¿Cuánto de eso hay en tu estilo actual?

Mi estilo es ahora en blanco y negro. Obviamente cuando inicié el viaje fotográfico hice muchas cosas, y hay series que tengo en color pero que no me dejaban tan contento. Siempre he creído que no soy bueno manipulando el color. El blanco y negro es un lenguaje en sí, hay que saber usarlo, es verdad, pero a mí se me hace muy fácil ver e imaginar así. Quizás sea una patología, no lo sé. Tuve la suerte de estudiar un tiempo arquitectura, donde aprendí mucho sobre la síntesis de las cosas, buscar la simplicidad de la forma, lo esencial para que los espacios funcionen y dialoguen entre sí. En ese sentido, hay veces en que el color me distrae de lo esencial. Puede ser que algún día vuelva al color, no lo tengo claro. Pero ahora mismo creo que el blanco y negro describe mucho mejor mi manera de ver el mundo: usar este instrumento tan descriptivo que es la fotografía, y hacerlo de forma más simple, no es tan fácil. Sobre todo en un mundo de tanto estímulo en alta definición.

¿Cómo fue la experiencia y aplicación de las técnicas para esta serie?

Casi todas las tomas de esta serie son de noche. En fotografía hay mucho cliché, el medio te exige muchos megapixeles, que la luz sea de cierta manera… Entonces, la mayoría de las veces, la fotografía carece de sentido, de identidad y se concentra sólo en un exceso de tecnicismo. Por eso, en este medio hay tantos fotógrafos sin una visión clara del mundo y cada vez es mas difícil encontrar tu propio lenguaje. Recolector como serie está técnicamente hecha tratando de salir de los convencionalismos de la técnica clásica. Se trata de fotos nocturnas, capturadas con un lente macro y una linterna, sin miedo de abrazar la estética particular que me da la cámara en situaciones de poca luz. La experiencia fue fantástica, sin las distracciones del día empiezan a parecer los pequeños detalles.

En la mayoría de estas fotografías se ausentan las personas, quedan los rastros de una ciudad que fue usada. Pasó gente por ahí, hay una civilización de por medio, pero está en un estado de desolación ¿Qué nos puedes contar sobre eso?

Es la huella del hombre. En general a la gente le importa mucho fotografiarse, con los celulares, las selfies, en los momentos donde te ves mejor, en donde eres más feliz o, mejor dicho, donde crees serlo. La gente tiene la inquietud de fotografiarse para dejar registro de su paso por el mundo en sus momentos de gloria. Mucha gente piensa que sin fotografía no hay huella, que queda en el olvido. Quise trabajar con el concepto de huella, registro y rastro. No siendo literal, en cambio, trabajar con las texturas, el papel roto de lo que fue un afiche de cine… Puede ser un poco apocalíptico, a veces me lo han dicho, pero encuentro belleza en esa imagen, de lo que fue y luego deja de ser, para convertirse en otra cosa. Es el ciclo de la vida: naces, vives y mueres ¿Qué es lo que queda? Asumir nuestra huella, hace entendernos mejor como personas.

Recolector muestra un claro enfoque en los detalles de la ciudad ¿Cómo lo defines?

En Recolector la imagen habla por mí, es un trabajo muy instintivo, inconsciente-consciente. Hay cosas que le llaman la atención a mi ojo y tiene que ver mucho con lo que voy sintiendo, las cosas que me mueven en ese minuto. Encuentro cierto tipo de belleza en situaciones opacas, o poco ‘brillantes’. He aprendido a observar con el tiempo, a mirar cosas que llaman mi atención en lo ordinario para descubrir su dignidad y convertirlo en extraordinario. Aunque eso ya es a criterio del espectador; yo cumplo con mi rol de puente.

¿Cómo ha sido el viaje personal para descubrir la abstracción como tu lenguaje?

Es un viaje reflexivo, completamente hacia adentro. Si bien yo retrato situaciones que están en mi exterior, puedo decir que cada disparo es tratar de encontrarme a mí mismo y eso es ya bastante abstracto.

 

“He aprendido a observar con el tiempo, a mirar cosas que llaman mi atención en lo ordinario, para descubrir su dignidad y convertirlo en extraordinario.”

 

Las obras de esta serie pueden apreciarse en vivo en los espacios comunes del Apart Hotel B, ubicado en la calle Bellavista 234, Recoleta. También peudes revisar la obra de Raimundo disponible en Galería AAL, haciendo click aquí

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