“In 1997 I had what I refer to as my oil epiphany. It occurred to me that the vast, human-altered landscapes that I pursued and photographed for over twenty years were only made possible by the discovery of oil…” – Edward Burtynsky
Canadian photographer Edward Burtynsky has travelled the world to chronicle the effect of oil on all our lives, and to reveal the rarely seen mechanics of its production and distribution.
This exhibition shows three sections from Burtynsky’s series OIL: Extraction and Refinement, Transportation and Motor Culture and The End of Oil. The works depict landscapes scarred by the extraction of oil, and the cities and suburban sprawl defined by its use. He also eloquently addresses the coming end of oil, as we face its rising cost and dwindling availability.
Burtynsky’s colour photographs render his subjects with a transfixing clarity of detail. From aerial views of oil fields and highways ribboning across the landscape, to derelict oil derricks and mammoth oil-tanker shipbreaking operations, we are confronted with the evidence of our dependence on this finite resource.
Edward Burtynsky (b.1955) is one of Canada’s most respected photographers. His photographic depictions of global industrial landscapes are included in the collections of over fifty major museums around the world, including the National Gallery of Canada, the Bibliotèque Nationale in Paris, the Museum of Modern Art and the Guggenheim Museum in New York.
Edward Burtynsky: OIL was organised in close collaboration with Huis Marseille Museum for Photography in Amsterdam, Gallery Nicholas Metivier in Toronto and the artist himself.

www.photonet.org.uk

Hasta el 30 de junio, en la Galería Montecatini se puede visitar la muestra colectiva “Pueblos fantasmas en vías de desaparición”, que aborda lugares patrimoniales chilenos, tales como las salitreras del norte, las iglesias de Chiloé y el norte de Chile, los palafitos, el puerto de Valparaíso, entre otros.

La exposición se enmarca en el proyecto iniciado el año 2000: “Arte sin Fronteras”, que busca posicionar culturalmente a Chile en el exterior y difundir la obra de los artistas chilenos. Tras su paso por Montecatini, la exhibición se trasladará a la Galería Expresso del Arte en Colombia y seguirá itinerando por Canadá y otros países durante 5 años.

En la muestra participan los artistas Paulina Beyer, Ignacio Lobo, Sol Gillón, Laura Quezada, Francisco Ríos Araya y Mauricio Carrasco. Cada uno de los creadores estudió un lugar patrimonial de Chile para luego plasmarlo en su própia visión y técnica.

La exposición puede ser vista de forma online en Galeria Montecatini o concertando una cita previa en el celular 9-8954135.

Los destacados artistas nacionales Marcela Moraga, Enrique Ramírez y Nicolás Rupcich participan en la muestra Colectiva de Videoarte Chileno en la galería de arte Die Ecke Art Contemporani de Barcelona, exposición que permanecerá abierta hasta el 28 de junio.

Abordando el video desde una perspectiva técnica como es la producción en la imagen misma y su significado, los artistas abordan la relación entre el ser humano y la naturaleza desde un punto de vista económico, social y político, junto a la creación de espacios imaginarios geo-poéticos que invitan a deambular en la subjetividad visual del paisaje.

La muestra se inaugura el martes 22 de mayo en la galería de arte Die Ecke Art, ubicada en Montmany 27, local 08012, Barcelona.

La película retrata al Premio Nacional de 1999 en todas sus facetas: al artista, al político y el niño que escapó de la Guerra Civil Española a bordo del Winnipeg para encontrar en Chile otra dictadura.

“La cinta está hecha desde la ignorancia, como lo haría un fan con su banda favorita. Balmes es un ‘rock star’ de la pintura chilena que si bien cuenta con muchos personajes entendidos en arte chileno que lo defienden acérrimamente, además de otros amigos que se resisten a bajarlo del pedestal, está muy poco vivo en la memoria del público común y corriente. Eso es lo que queremos revertir con esta película”, explica Trujillo Novoa.

La producción -que contó con el apoyo del Consejo de la Cultura y la Embajada de España en Chile- se estrenará el 17 de mayo en Cine Huérfanos, la Cineteca Nacional y cines Movieland.

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Sala de Arte CCU presenta “Frágil, exploraciones visuales”, muestra colectiva curada por el artista chileno Carlos Montes de Oca.

La muestra -en la que participan Valeria Burgoa, Loreto Butazzoni, Rodrigo Bruna, Max Corvalán, Marina Piracés, Ricardo Pizarro, Paola Podestá, Leonardo Portus, Francisco Ríos y Andreas Von Gehr- refleja cómo las últimas crisis en el mundo han removido las plataformas sociales y dan cuenta de lo frágiles y vulnerables que somos.

Lo “frágil” puede detectarse no sólo en los materiales o técnicas utilizadas, sino también en los contenidos sociales, políticos y económicos que pueden leerse en cada una de las obras. De esta forma, los trabajos se transforman en comentarios del mundo, nuevas visiones que abren otras lecturas de la realidad, asumiendo que los artistas no permanecen indiferentes frente a las circunstancias y son parte activa de los momentos históricos en los que están insertos.

La exposición permanecerá abierta hasta el 30 de junio en la Sala Arte CCU, ubicada en Avda. Vitacura 2680.

El concurso de este año se planteó abordar este espacio público ya que se trata de un lugar con gran memoria histórica: tuvo sus inicios en proyectos de comienzos del siglo XX que buscaban potenciar La Moneda, generando un barrio cívico con gran valor político para la sociedad.

Como en versiones anteriores, se invitó a un arquitecto destacado y en esta oportunidad Anderson Freitas -reconocido profesional del área arquitectónica y profesor de la Escola da Cidade en Sao Paulo, Brasil- lideró el certamen.

Tanto revuelo causó la intervención con globos de color plateado , que varios transeúntes del centro de la capital y algunos usuarios de redes sociales pensaron que se trataba de ovnis.

El espacio apunta a generar una compresión de la fotografía mediante el trabajo en terreno, además del estudio de la luz natural, entre otros aspectos.

Las inscripciones para una nueva excursión a la Araucanía -que se llevará a cabo entre el 29 de noviembre y 2 de diciembre de este año- ya están abiertas en el teléfono 8 2190562 y en el correo araffo2010@gmail.com.

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La iniciativa -que cuenta con el respaldo y patrocinio de personalidades como el Premio Nobel de la paz Desmond Tutu y el multimillonario dueño de Virgin, Richard Branson- busca inspirar perspectivas sobre la humanidad y ser un registro para generaciones futuras.

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Tequila Mockingbird Gallery, inaugurará el 12 de mayo “In the secret house of night”, una exposición que incluye a trece destacados artistas nacionales en la ciudad de Vancouver, Canadá.

Con el fin de dar a conocer exponentes actuales de las artes visuales a nivel internacional y generar instancias de intercambio cultural y en el mundo del arte, “In the secret house of Night” reúne a trece reconocidos artistas chilenos bajo la curatoría de la artista nacional residente y radicada en ese país, Ivonne Palacios.

Los artistas invitados son Oscar Barra, Alex Chellew, Jaime Cruz, Antonella Gallegos, José María Ibáñez, Jaime Fuentes, Sergio Lay, Marcela Orroño, Ivonne Palacios, Teresa Razeto, Rafael Rojo, Francisco Salas y Mario Soro. Todos reunidos bajo el denominador de un formato único (70 x 50 cms.) y un soporte unificador (papel), cada uno de ellos representará los conceptos, sensaciones e implicancias derivadas del poema “En la secreta casa de la noche”, del poeta chileno Jorge Teillier.

La muestra -que permanecerá abierta al público hasta el 30 de agosto- se inaugura el sábado 12 de mayo de 2012, de 18:00 a 21:00 hrs. en Tequila Mockingbird Gallery, 273 Columbia Street- Gastown,Vancouver. Canadá.

El artista Mauricio Garrido realizara este mes su venta anual en su taller del Barrio Italia, en donde mostrará obras en variados formatos, soportes y precios , los que incluyen collage , escultura y textiles , siguiendo un poco la línea de trabajo de sus última exposición “Las Tentaciones de San Antonio” , realizada el año pasado en la Galería Animal , más una atractiva nueva serie de collages en pequeño formato llamadas “Ball” , inspiradas en los escudos patrios sudamericanos.

La venta -que estará abierta durante todo el mes- se realizará en av. Italia con Sucre

Para visitas llamar al 7-7483331 , o al mail garridoescultor@gmail.com

El célebre grupo de artistas cubanos Los Carpinteros, presentará sus obras Avião, El Barrio y la instalación Alumbrado Público en el Faena Arts Center, en Puerto madero, Argentina. La muestra, que se inaugura el 17 de mayo, permanecerá abierta al público hasta el 12 de agosto.

Las obras, realizadas con técnicas completamente distintas, se encuentran unidas en una interrogante: ¿Qué tan bueno es ser civilizado?

A través de la improvisación y la precariedad, el colectivo formado por Marco Antonio Castillo y Dagoberto Rodríguez, utiliza objetos industriales para desafiar las nociones de civilización y los mecanismos de la percepción, al juxtaponer elementos de la opulenta sociedad occidental y una sociedad racionada, con mínimo consumo.

El Faena Arts Center está ubicado en Aimé Paine 1169, Puerto Madero, Buenos Aires.

En mayo llega a Chile la nueva propuesta de la reconocida marca sueca Absolut: su botella de edición limitada Absolut Mode Edition, centrada en el mundo de la moda.

Absolut Mode Edition es reflejo del trayecto que la marca ha tenido con el mundo de la moda. A comienzos de los ’90, Absolut trabajó con varios de los más prestigiosos diseñadores como Tom Ford y Versace. Desde entonces, la moda ha sido una de las formas creativas que Absolut ha explorado exitosamente en colaboración con socios como Stella McCartney y Gaultier.

“Hay una maravillosa asociación entre Absolut y algunos de los fotógrafos más importantes de nuestro tiempo como Helmut Newton y Herb Ritts. Es un honor ser parte de este legendario grupo de creadores de imágenes,” dice Sharif Hamza, reconocido fotógrafo a cargo de la campaña publicitaria de la edición, que también cuenta con la supermodelo Shannan Click.

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La exposición muestra el resultado tanto en obras como en material de registro del viaje a la Antártica que efectuaron tres artistas regionales seleccionados por Sergio Lay.

La muestra colectiva permanecerá abierta hasta el 3 de junio en el Centro Cultural Estación Mapocho, ubicado en Plaza de la Cultura s/n, Metro Cal y Canto.

La muestra incluye afiches propagandísticos publicados por el gobierno estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial; grabados de Antonio Seguí, Rufino Tamayo y Antonio Berni, entre cien creadores contemporáneos; mapas antiguos de América del Sur y afiches publicitarios chinos. También se exhibe un dibujo de siete metros de largo del artista chileno Víctor Castillo y la serie Tesoros y Trofeos, que contempla un poster creado por Matta en apoyo a las protestas de mayo de 1968 en París.

Para Shaw, la exposición es una revisión de todas las amistades que han enriquecido su vida y es un llamado al desafío de coleccionar y compartir los resultados. “Entusiasmarse por las obras sobre papel es igual de válido y tan enriquecedor como la pasión por la pintura”, explica.

La exhibición se inaugurá el jueves 10 de mayo en Espacio ArteAbierto, ubicado en Avenida Apoquindo 3457, Las Condes.

La exposición aborda conceptos como “hogar”, “amor” y “raices”, temas que las autoras desarrollan desde dos miradas.

La muestra permanecerá abierta hasta el 1 de junio en la Galería ArtLabbé, ubicada en Alonso de Córdova 4308 B.

La exhibición reúne a artistas norteamericanos y sudamericanos, entre los que se cuentan a Andrew Salgado, Lucas Simoes y a los chilenos Martín La Roche, Francisco Navarrete Sitja, Rodrigo Cienfuegos y el co-curador y organizador de la iniciativa, Felipe Bracelis. Tras su escala en Buenos Aires y en Santiago, la exposición se trasladará a Ottawa, Canadá, para presentarse en La Petit Morte Gallery.

Junto con la inauguración se realizará una performance in-situ de la artista canadiense Aleks Bartosik, quien ha viajado a Chile especialmente para esta actividad, performance que sera musicalizada por el grupo Los Grumos.

La muestra permanecerá abierta hasta el 3 de junio en la Sala +18 de la Biblioteca de Santiago, ubicada en Matucana 151.

Cada capítulo de la serie aborda una temática diferente: cambio, equilibrio, historia y límites y demuestra -en la voz de los artistas- el poder que tiene el arte para alterar la percepción, desafiar las convenciones y cambiar la forma en la que vemos el mundo.

La serie será proyectada (en inglés) todos los miércoles de mayo a las 19:00 horas en José Manuel Infante 1428, Providencia, Santiago.

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La artista peruana Grimanesa Amoros, será parte de la muestra “Future Pass”, exhibición colectiva que reune a artistas chinos, japoneses, latinoamericanos y europeos.

La muestra se organiza entorno a las dualidades occidente/oriente, pasado/futuro, Yin/Yang, universo/ individuo y virtual/real, explorando los procesos culturales que han influenciado al arte oriental, tanto ancestrales como contemporáneos, además de su relación con sucesos políticos, económicos y sociales.

La exposición, que se inaugura el 12 de mayo en Taiwan y se extiende hasta el 15 de julio bajo la curatoría de Victoria Lu, reune a 130 artistas y será parte de la edición 54 de la Bienal de Venecia.

Iván Navarro, Ángela Ramírez, Nury González, Pablo Langlois y Alejandra Prieto son los artistas visuales que estarán presentes en la undécima versión de la Bienal de La Habana que parte el 11 de mayo. Todos fueron seleccionados por la curadora cubana Margarita Sánchez.

“Prácticas artísticas e imaginarios sociales”, con este concepto parte la XI Bienal de La Habana, uno de los encuentros más influyentes del arte contemporáneo en Latinoamérica. Siguiendo las tendencias actuales, la bienal se propone dar un paso más en la relación entre el arte y la vida de la gente común.

La participación de artistas chilenos ha sido potente desde los inicios de la Bienal. Esta vez, cinco creadores locales refuerzan el alto interés y la expectativa que, con el tiempo, ha ido adquiriendo el arte nacional en el certamen. Los artistas participantes -apoyados por la Dirección de Asuntos Culturales de la Cancillería (DIRAC)- presentarán instalaciones que aluden a la ciudad contemporánea.

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En su exposición “La Cruda” el artista visual Christian Yovane presenta una serie de dibujos de diversas dimensiones y que dan cuenta de un imaginario saturado de referencias propias de la publicidad, la televisión y el cine de los últimos 40 años.

En su obra Yovane analiza el poder de los medios y las distintas formas que éstos utilizan para impactar, persuadir e inhibir a los sujetos. Sirviéndose de lenguajes diversos, como el video y la pintura, el artista utiliza referentes reconocibles por todos y los combina libremente apelando a la memoria colectiva.

La exposición estará abierta al público, de forma gratuita, entre el 4 de mayo y el 9 de junio en D21 Galería de Arte (Nueva de Lyon 19, departamento 21, Providencia).

En el marco de la muestra “El Universo de la India”, un grupo de reconocidos fotógrafos nacionales presentan sus visiones con respecto al milenario país en el Centro Cultural Palacio La Moneda.

En “Destino: India”, Tomás Munita, Francisco Pereda, Mónica Oportot y Alvaro Gagliano comparten sus fotografías de viaje que registran personas, escenas y paisajes de la India, ofreciendo un acercamiento a distintos aspectos de este país de grandes contrastes sociales y gran riqueza visual y espiritual.

La muestra colectiva permanecerá abierta hasta el 26 de junio en la Galería Lateral del Centro Cultural emplazado en la Plaza de la Ciudadanía, en las afueras de La Moneda.

La tercera edición del concurso “Entre Ch.ACO & FINLANDIA de las Artes Visuales 2012″ convoca a artistas chilenos, residentes en el país o en el extranjero, a postular hasta el domingo 10 de junio en www.concurso.feriachaco.cl.

El concurso de este año apuesta por la diversidad en la construcción material y simbólica de las obras, apuntando además a reconocer a aquellos artistas que han mantenido una constante en sus investigaciones visuales.

El certamen premia al ganador con $1.300.000, para apoyar la producción del proyecto, una residencia internacional y un espacio dentro de la feria Ch.ACO 2013 para realizar una exposición individual.

Podrán participar artistas chilenos residentes en chile y en el extranjero, menores de 40 años, con proyectos de todas las disciplinas de las artes visuales: dibujo, pintura, escultura, objeto, instalación, intervención, video, film, entre otros.

La artista Magdalena Errázuriz presenta hasta el 29 de junio la exposición “Todo depende del color del cristal con que se mire”, en la galería Claudia Lévy. La muestra se inaugura el próximo miércoles 9 de mayo.

En la muestra la artista representa su propia forma de percibir, reflexionando sobre las diferentes percepciones que tiene la gente, lo que hace que la realidad sea esencialmente simbólica.

A diario no alcanzamos a prestar atención a todo lo que va sucediendo a nuestro alrededor y vamos haciendo una elección de lo que percibimos. Todos estos acontecimientos los transformamos en experiencia, las que se van traduciendo a través de las imágenes en las obras.

La Galería Claudia Lévy está ubicada en Detroit 1686, Altura 7.800, Vitacura.

Cincuenta artistas visuales intervineron una casa nido construida con madera de coihue, obras que se subastaránpara constribuir a financiar la reconstrucción del vivero nativo de la Fundación Senda Darwin en Chiloé.

La iniciativa, organizada por la Universidad Católica, la Fundación Senda Darwin (FSD), y el Instituto de Ecología y Biodiversidad (IEB Chile), entre otras instituciones, pretende generar recursos para la investigación del rayadito, una de las aves más frecuentes de Chiloé. Además, busca difundir los conocimientos que se han generado en torno a la ecología de los bosques chilenos.

Estas obras se pueden adquirir a través de una subasta, que se extenderá hasta el 6 de mayo en el sitio www.casasdepajaros.cl

Los artistas chilenos Paul Beuchat, Francisco Bustamante, Ximena Cousiño, Sofía Donovan y Claudio Herrera inaugurarán el próximo 9 de mayo en la Galería Artespacio la muestra “Línea Errante”, exhibición que gira entorno al dibujo.

Estos cinco destacados artistas, que viven en distintos lugares del mundo, reflexionan y dialogan para plantearse qué los une y qué los diferencia al dibujar. Para todos ellos, el eje primordial de su obra gira en torno al dibujo. Para los artistas implicados en el proyecto, lo importante es  “la expresión, la originalidad, el concepto, hacer del dibujo un signo, un instrumento para lograr entender nuestro lugar en el universo”.

La muestra permanecerá abierta al público hasta el 7 de junio en Alonso de Cordova 2600, piso 1.

La fotógrafa y directora de cine estadounidense Cyndi Sherman expone en la Galería Metro Pictures de Nueva York obras de gran formato, donde mezcla diversas imágenes para generar misteriosas figuras femeninas, enfundadas en Chanel y recortadas contra imponentes paisajes.

Las fotografías se basan en un inserto que Sherman hizo para la revista Dasha Zhukova, usando la ropa de archivo de Chanel. La autora se fotografió utilizando esas prendas, sin maquillaje y contra un fondo verde, para luego ensamblarlas digitalmente a imágenes que tomó tras la erupción volcánica en la isla Capri en 2010.

El resultado es una serie fotográfica que apela a la tradición decimonónica de la pintura de paisajes y a la misión original de la fotografía, la de “mapear un mundo nuevo”.

La exhibición -que se inauguró el pasado 28 de abril- permanecerá abierta hasta el 9 de junio en La Galería Metro Pictures, ubicada en 519 West 24th Street, Nueva York.

La muestra “Todo queda en familia” del artista Claudio Castillo, Reúne obras de acrílico sobre tela en gran formato, mediante las cuales el autor reflexiona sobre formas de violencia y abuso de poder que se constituyen en el núcleo familiar.

A partir de la apropiación de imágenes de la cultura popular, Claudio Castillo toma como referencia la estética de dibujos norteamericanos del siglo pasado, alusivos al culto de la belleza, la mujer como objeto, la figura del padre como jefe patriarcal y el consumo de masas.

La exhibición se inaugura el 4 de mayo y permanecerá abierta hasta el 17 de junio en la Galería Bicentenario del Centro Cultural Estación Mapocho. Entrada liberada.

Fecha: del 19 al 23 de septiembre 2012

Lugar: CENTRAL HOUSE OF ARTISTS, MOSCOW

Web: http://www.art-moscow.ru/en

Con una intervención objetual a gran escala que ocupa todo el hall central del Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal, la artista polaca residente en Antofagasta, Dagmara Wyskiel, reflexiona sobre la historia de su país, invitando a un recorrido a través de sus años de guerra y de paz. La muestra se inaugura el 3 de mayo, Día de la Constitución de Polonia.

La operación es aparentemente simple: se trata de una banda plástica transparente de unos 37 centímetros de alto y 300 metros de largo que lleva pintado cada uno de los mil años de historia polaca, con rojo los que se vivieron en guerra y con blanco los vividos en paz. La línea está pensada a escala del cuerpo. Suspendida y a la altura del espectador, conforma un laberinto de curvas y pasadizos que se puede recorrer libremente. El sonido –igual de envolente– es un susurro de la voz de la autora que en polaco verbaliza su pensamiento en un intento por recordar, elemento del video “Qué hago con tanta memoria” (2010).

Para repensar el territorio de origen desde miles de kilómetros de distancia, la autora optó por concentrarse en una situación que parece determinar el carácter de Polonia, un pueblo históricamente al borde, entre la guerra y la paz. Ubicado junto a la ex Unión Soviética, “no es oriente, ni occidente, pero tampoco centro. Con pésima ubicación geopolítica entre el orden alemán y el volumen ruso, que siempre se enfrentaban en mitad del camino. El pueblo más católico del mundo y el más conservador dentro de la Unión Europea. Resistente, a toda costa”, opina la autora.

En la aparente linealidad de la obra, hay una cronología plagada de dobleces, contracciones y lapsos paralelos, invitando a sumergirnos –más allá– en una mirada sobre la historia de Polonia como en un espacio trastocado. Recorrerlo, es asumir el juego comparativo entre los períodos de catástrofe y calma; es imaginar la historia en un “cuadro” desbordado que ya no es un país ni su historia ni tampoco pintura sino una experiencia repetitiva y meditativa que invita a interpretar –desde nuestro lugar– los propios procesos de guerra y de paz.

El artista multimedia y director del Museo de Arte Contemporáneo de Londres (MOCA London), Michael Petry, presenta una muestra vinculada a su libro “The touch of the oracle: Works 2003/12″ en el Palm Springs Art Museum (California, EEUU) hasta el 29 de junio. La muestra está destinada, además, a la comunidad hispanoparlante que habita en gran medida en la zona, ya que cuenta en todos sus espacios con la explicación escrita de las obras tanto en inglés como en español, algo poco común en las exhibiciones del país del norte.

La exposición recoge varias piezas del mencionado recopilatorio del artista, donde Michael Petry toma inspiración de la historia del arte, la mitología, y la cultura contemporánea en las instalaciones tituladas “Lluvia dorada”, “El muro de Josué D” y “El Dilema”.

En ellas, Petry buscó la colaboración de artífices y sopladores de vidrio para iluminar sus ideas conceptuales.

En “Lluvia Dorada”, el artista instaló más de 100 gotas de vidrio, que hacen referencia al mito griego de Dánae, quien fue embarazada por el dios Zeus al salpicarla con una llovizna de agua dorada. En tanto, en “El muro de Josué D” se exhibe un campo de 250 piedras de vidrio sopladas a mano que están regadas por el piso de la galería. El muro de Josué D alude a la historia bíblica de Josué y los muros despedazados de Jericó. Por último en “El Dilema”, Petru realiza una instalación sonora que hace referencia a la conexión histórica de Palm Springs con el cine y Hollywood.

El Palm Springs Art Museum está ubicado en 101 Museum Drive, Palm Springs, California.

La publicación aborda la recuperación de una antigua panadería del Barrio Italia y su reconversión en espacio artístico, además de ser un recopilatorio de las obras del colectivo que alberga dicho espacio.

Integran el colectivo artístico PAN Francisca Aninat, Catalina Bauer, Rodrigo Canala, Paula de Solminihac, Paula Dittborn, Rodrigo Galecio, Alejandra Prieto, Gerardo Pulido, Tomás Rivas y José Villablanca, artistas contemporáneos chilenos afines en su visión del arte. 

Pan está organizado con una lógica espacial que permite al lector recorrer imaginariamente el taller, conociendo no sólo las obras que ahí se crean, sino también el proceso de la reconstrucción del edificio –erigido en la década de 1930-  en un sector patrimonial de Santiago.

El lanzamiento del libro se realizará el jueves 26 de abril a las 19:30 horas en “La Panadería”, ubicada en José Manuel Infante 1428, Providencia.

La muestra, integrada por serigrafías de Scheihing y pinturas de Acuña, aborda de forma innovadora el retrato, tanto en su materialidad como en su discurso.

“Kinder” se inaugura el próximo miércoles 9 de mayo y permanecerá abierta al público hasta el 9 de junio en la galería Bosque Nativo, ubicada en avenida Vicente Pérez Rosales 1305, Puerto Chico, Puerto Varas.

Los artistas visuales Konstanza Scheihing y Matías Acuña, exponen una serie de pinturas construidas a partir del registro fotográfico como ejercicio de recuperación de la memoria personal: ambos trabajan desde su autorretrato infantil, lanzándose a la búsqueda del concepto “kinder”, palabra alemana que significa “niños”.

“Kinder”
Galería Bosque Nativo
Avenida Vicente Pérez Rosales n° 1305,
Puerto chico, Puerto Varas.
Del 9 de mayo al 9 de junio del 2012

El miércoles 25 de abril se inaugura en el Centro Cultural de España la muestra “RETORNA: videoartistas chilenos de exportación”, iniciativa del Área de Nuevos Medios del Consejo de la Cultura que busca formar audiencias mediante el reconocimiento de los autores chilenos y cómo éstos nos representan fuera de Chile.

La muestra, integrada por los artistas Enrique Ramírez, Carolina Saquel, Luis Briceño, Michelle Letelier, Claudia del Fierro, Marcela Moraga, Katia Sepúlveda, Carolina Redondo, Johanna Unzueta, Gianfranco Foschino, Francisca Benítez y Nicokatiushka, busca facilitar el conocimiento de la creación del videoarte chileno y su participación a nivel internacional.

“Existe una situación marginal de la producción de este formato, esto sumado al poco reconocimiento de esta área, motiva que muchos creadores decidan emigrar a países donde culturalmente el lenguaje del video arte es parte de la vanguardia”, explica Valentina Serrati, coordinadora de Nuevos Medios.

La exposición permanecerá abierta hasta el 3 de junio en el Centro Cultural de España, ubicado en Av. Providencia 927, Metro Salvador.

La exposición “Dislocación” ganó el Swiss Exhibition Award 2011 como el mejor proyecto curatorial en artes visuales en Suiza, tras exhibirse durante tres meses en el Museo de Bellas Artes de Berna. El premio fue recibido precisamente por su curadora, la artista chileno-suiza Ingrid Wildi en una ceremonia realizada en la ciudad de Zurich.

La artista residente en Suiza, tuvo un significativo reencuentro con Chile cuando viajó para exponer en la Galería Gabriela Mistral, el año 2007. Durante esa visita, la Embajada de Suiza en Chile la invitó a idear una exposición de artistas contemporáneos, a propósito de la conmemoración de nuestro Bicentenario como nación independiente.

Ingrid Wildi pensó en la palabra Dislocación, perteneciente al ámbito de la medicina, y que refiere a la acción y efecto de separar a un sujeto de su núcleo de articulación. El nominativo se utiliza también para expresar la torsión de un argumento o un razonamiento, manipulándolo, moviéndolo o sacándolo de su contexto.

De esta manera, Wildi extrapoló este concepto al ámbito de lo social, e invitó a artistas chilenos y suizos a reflexionar sobre las desarticulaciones causadas por las disgregaciones y disfunciones que acontecen en los procesos sociales y culturales. En ese proceso, la producción de este proyecto Bicentenario fue sumando instituciones auspiciadoras, entre ellas la Dirección de Asuntos Culturales de la Cancillería (DIRAC).

Entre septiembre y noviembre de 2010 se presentaron en distintos espacios de Santiago exposiciones alusivas a este concepto; posteriormente, estuvieron en diversas salas en Suiza, durante el año 2011. Entre los artistas chilenos, participaron Lotty Rosenfeld, Alfredo Jaar, Juan Castillo, Voluspa Jarpa y Mario Navarro; y entre los suizos, Ursula Biemann, OOO Estudio y Thomas Hirshhorn.

La artista visual Verónica Baeza presenta la muestra “Territorio Cautivo”, serie de grabados donde despliega un lenguaje abstracto y diversos elementos a modo de collage. La muestra se exhibe hasta el 29 de abril en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural de Las Condes, ubicado en Av. Apoquindo 6570.

La artista, formada en la Escuela de Arte de la Universidad de París VIII, Francia, ha realizado desde sus comienzos una permanente exploración de las técnicas de grabado, desde las provenientes de la tradición artesanal hasta las más vanguardistas. En esta oportunidad busca por plasmar el espacio interior y abordar los límites entre la materia y el espíritu.

La exposición, que se inauguró el pasado 7 de abril, permanecerá abierta al público hasta el 29 de este mes, en el Centro Cultural de Las Condes, de 09:00 a 19:00 horas.

La exposición de la pintora nacional Carolina Labbé presenta un amplio archivo de ejercicios de colores fuertes, obras con las que experimenta y refleja a la mujer contemporánea, atormentada por el paso del tiempo al no cultivar su espíritu y que vive pensando en cómo arreglar su imagen física, con una gran carga afectiva y psicológica.

Recordar a tiempo: la atormentada imagen de la mujer contemporánea
Galería Ladrón de Bicicletas
Dardignac 0163, Bellavista
Santiago
Hasta el 29 de abril

Lugar: Barcelona, España

Web: http://swab.es

Con el fin de remodelar su casa y sala de exposiciones, la Asociación de Pintores y Escultores de Chile, APECH, realizará una venta solidaria los días 4 y 5 de mayo, de 11:00 a 20:00 horas en Alonso de Córdova 3102. Vitacura. Gracia Barrios, Arturo Duclos, Samy Benmayor, Mario Toral, Bororo son algunos de los artistas en exhibición.

Esta venta es similar a la que se llevo a cabo para comprar  el inmueble, por medio de donaciones de obras de artistas asociados. La APECH fue fundada en 1940 y actualmente es presidida por Luz Barros, quien además es Directora de Galería ARTIUM.

“Por la casa”
Alonso de Córdova 3102, Vitacura
4 y 5 de mayo del 2012

Bautizada en honor a Pepo, seudónimo de René Ríos Boettiger, uno de los dibujantes e ilustradores más importantes del país, PLOP! Galería muestra una serie de dibujos, acuarelas y tintas que muestran todo el talento y versatilidad del creador de Condorito. La exposición se enmarca en las celebraciones del centenario del dibujante, que también se celebra con una muestra en la Biblioteca Nacional titulada Ciudadano Pepo.

Pepologías
PLOP! Galería
Merced 349, local 7,
Santiago Centro
Hasta el 28 de abril

El dibujante, guionista y comediante Rodrigo Salinas inaugura el 22 de marzo una muestra donde retoma al famoso símbolo del triunfo del NO. La pérdida del entusiasmo y el fracaso de un proyecto forman parte de su diagnóstico irónico a la política chilena. Esta apuesta experimental tiene una continuidad con el proyecto presentado el 2006 en Galería Gabriela Mistral, donde se transformó en “Winnis”, un superhéroe mezcla de ternura y fracaso, que no cuenta con más poderes que su voluntad.

The Rainbow Connection
D21 Galería de Arte
Nueva de Lyon 19 departamento 21,
Providencia
Hasta el 28 de abril

La intención de esta muestra es posicionar la sala como un espacio experimental dónde se reflexione sobre el proceso de las artes visuales, tanto con los artistas emergentes como con los experimentados. La idea surgió de la inexistencia de escuelas de arte en el Norte, por lo tanto, esta propuesta también busca aportar de manera concreta en la formación de audiencia en el área de las artes visuales.

Exposiciones Artistas Emergentes
Sala Multiuso de la Biblioteca Viva Antofagasta
Balmaceda Nº 2355
Antofagasta
Del 20 de marzo al 28 de abril

ESTILO PILAR cobró vida dentro de “Civis en Tortugas Norte,  un condominio con más de 10.000 m² de parque y áreas comunes en el que se utilizaron 4.000 m² distribuidos en 5 pisos para la edición 2012.  Por primera vez, la feria se lleva a cabo en un condominio, por eso el lema de “Simplemente URBANO”.  Un entorno diferente para una propuesta innovadora que atrapa a todos y cada uno de los visitantes. Espacios atractivos con improntas muy variadas.  Cada visitante se identifica con alguno y admira el resto.  Una edición imperdible de ESTILO PILAR con 25 departamentos decorados, 11 espacios de arte y 4 lugares para showrooms.

ESTILO PILAR es un evento instalado en la agenda cultural de nuestro país, con público de todos los rincones dela Argentinaque visita la feria.  Y su fama ha trascendido las fronteras.  Este año la feria de Decoración, Arte y Paisajismo recibió gente de Uruguay, Chile, Paraguay, Brasil, Colombia y otros países de Latinoamérica.

Lu

”CIVIS en Tortugas Norte” – Calle Santa Rosa 1407 (altura Panamericana km38) Ramal Pilar – Buenos Aires

Fecha:

Desde el 29 de marzo al 22 de abril de 2012

Horarios:

Miércoles, jueves domingos y feriados de11 a19 horas

Viernes, sábados y vísperas de feriado de11 a20 horas

Lunes y martes: Cerrado

Entradas:

General: $35.-

Con descuento: $30.- (jubilados y grupos de más de 10 personas)

ClubLa Nación: 20% de descuento de miércoles a domingo, una entrada por tarjeta (no acumulable con otras promociones y descuentos)

Menores de 12 años: Gratis

Catálogo: $30.-

www.estilopilar.com.ar

Comienza la programación de artes visuales de marzo/abril 2012, inaugurando dos exposiciones colectivas en Galería Bicentenario y Sala Joaquín Edwards Bello. La muestra Lejos de Casa es un proyecto multidisciplinario realizado por Jacinta Reyes, María Ossandón y Alexis Mandujano, que busca representar la magnitud de la naturaleza sobre la presencia humana. Vestigios reúne el trabajo fotográfico de Alondra Rodríguez, Constanza Bravo, Emilia Cid y Javier Aravena, cuyo eje temático es Santiago como paradigma de la ciudad contemporánea.

Lejos de casa / Vestigios
Centro Cultural Estación Mapocho
Plaza de la Cultura s/n, ex estación de trenes
Santiago Centro
Hasta el 22 de Abril

Vanessa Kocking, describe sus pinturas como “una forma de crear nuevos escenarios dimensionales y psicológicos, en los cuales conexión es la palabra clave”. Ciudades situadas en atmósferas silenciosas, escaleras que conectan caminos son elementos esenciales que dan vida a su trabajo. Vanessa juega con la profundidad y con capas de pintura para crear nuevos mundos, que carecen de márgenes al contrario que la mente humana.

Tan Cerca y Tan Lejos Vanessa Kocking
Avenida Vicente Pérez Rosales n° 1305,
Puerto chico, Puerto Varas.
Del 3 al 21 de abril

Arte al Límite y Groupon se unieron para entregarte una excelente oferta por el día de hoy.

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Desde este 18 de abril estará abierta Galería 64, el primer espacio dedicado exclusivamente a la exhibición y venta de obras de fotógrafos nacionales y extranjeros.

Ahí se comercializarán las obras de chilenos contemporáneos, entre ellos,  Tomás Munita, Claudio Bertoni y Cristóbal Traslaviña.

Además,  se realizarán exposiciones de artistas nacionales y extranjeros, individuales y colectivas. Dentro de estás se destaca la exposición programada de David Alan Harvey, dedicado a la fotografía documental que se puede apreciar en National Geographic.

La Galería será inugurada por la destacada fotógrafa nacional Paz Errázuriz, quien presentará la exhibición de la serie “El combate contra el ángel”

18 de abril del 2012
Galería 64
Patio Bellavista

La obra “Flight: From past to future” de la artista chilena Selva Sanjines fue seleccionada para ser exhibida en el parque Riverside South de Nueva York como parte del proyecto de arte público Model to Monuments (M2M).

Su escultura consiste en la figura de dos aves nativas elaboradas en aluminio fundido, cemento, resina y diferentes tipos de pigmentos, que actualmente se exhibe en la rivera del Rio Hudson.

“Flight: From past to future” fue seleccionada junto a otras seis obras para formar parte del programa M2M, creado por la Liga de Estudiantes de Arte de New York y el Departamento de Parques y Recreación de la ciudad, con el objetivo de producir arte para espacios públicos y difundir el trabajo de escultores emergentes.

Selva Sanjines señala que su obra nació de la observación del hábitat de la orilla del Río Hudson: “El cambio de la luz a diferentes horas del día, la flora del lugar, las aves estilizadas de la zona como garzas, patos, gansos y gaviotas, sumado al protagonismo que ha tenido el río en la historia de la ciudad, influyeron en mi proceso creativo”.

Además la artista explica que la escultura intenta reflejar la evolución del tiempo: “Junto a los restos del (bote) Pier 66, de la flora y fauna, hoy se encuentran las Trump towers, un complejo de edificios muy modernos y altos. La figura esbelta de estas construcciones evocó en mí una similitud con la silueta de las aves en vuelo”.

Las seis obras del Programa M2M son exhibidas en el Parque Riverside South y están ubicadas desde la altura de la calle 66 hasta la calle 79 a orillas del Rio Hudson hasta Junio del 2012.

El próximo jueves, 19 de abril, se inaugura en la Fundación Joan Miró “Joaquim Gomis: De la mirada oblicua a la narración visual”, una exposición comisariada por Juan Naranjo que presenta una selección de casi 200 fotografías que constituyen el legado fotográfico de una época, y que muestra uno de los aspectos más interesantes y menos conocidos de la producción de Gomis: los fotoscops.

Esta muestra ha contado con el apoyo del Departamento de Cultura de la Generalitat de Cataluña, del Archivo Nacional de Cataluña y de los herederos de Joaquim Gomis.

La exposición presenta fotoscops inéditos como Eucaliptus, Barcelona y la serie sobre el cuerpo femenino, así como otros que tuvieron un éxito destacado como Atmósfera Miró, Gaudí, Ibiza fuerte y luminosa y Artesanía.

Para la inauguración de la exposición estarán presentes famosas personalidades del ámbito cultural catalán, entre ellas, el Consejero de Cultura, Ferran Mascarell y Rosa Maria Malet, directora de la Fundación Joan Miró, y de Juan Naranjo, comisario de la muestra.

También estarán presentes algunos representantes de la familia de Joaquim Gomis y Josep Maria Sans-Travé, director del Archivo Nacional de Cataluña.

Desde el 19 de Abril del 2012
“Joaquim Gomis: De la mirada oblicua a la narración visual”
Fundación Joan Miró
Parc de Montjuïc s/n
08038 Barcelona, España

Luego de seis años de ausencia en la escena artística, el artista plástico Francisco Zegers vuelve con una muestra que se inaugura el 19 de abril en la Galería Stuart. En el año 2005 Francisco Zegers realizó su última muestra donde exhibió una amplia recopilación de retratos humanos de gran formato que evidenciaban la necesidad del artista por desentrañar lo esencial del ser humano, eso único e individual que define a cada uno. Ese camino se hizo más intenso, y esos rostros se fueron despojando y abstrayendo hasta dar vida a una obra plagada de símbolos, en una búsqueda obsesionada por ese factor x. Una experimentación que se vigorizó con un proceso en paralelo de desarrollo personal y que lo ha llevado, por ejemplo, a investigar en el yoga y el budismo. Esos símbolos, que Zegers trabajó estos últimos años, dan vida a la muestra Frictrones, que es como él denomina estas figuras que hoy se exhiben en diferentes formatos.

Editor, publicista, estratega comunicacional y artista, Francisco Zegers siempre ha sido una figura activa y ecléctica dentro del escenario cultural chileno. Su primera intervención importante se remonta a los años 80, cuando se convirtió en editor del movimiento cultural más poderoso de esa época, publicando catálogos de artistas de la talla de Eugenio Dittborn, Juan Dávila y Lotty Rosenfeld, entre otros, y textos de autores como Diego Maqueira y Diamela Eltit. Además de editar parte del trabajo teórico de Nelly Richard, quien acuñó el término Escena de Avanzada y generó el relato, ahora mítico, que narra la corriente principal del arte crítico en dictadura.

Desde el 19 de Abril del 2012
“Frictrones”
Galería Stuart
Pedro de Valdivia 0180
Providencia
Santiago – Chile

Gagosian Gallery se complace de presentar “Picasso y Françoise Gilot: París, Vallauris, 1943-1953″, la cuarta exposición, de una serie en curso, sobre la vida y obra de Pablo Picasso, tras el éxito de crítica y público de “Picasso: Mosqueteros”, “Picasso: Los años mediterráneos”, y “Picasso y Marie-Thérèse: L’amour fou”. La exposición incluye muchos de los préstamos que han hecho importantes museos, como el Museo de Arte Moderno, Nueva York y el Museo de Israel, además de obras pertenecientes a prestamistas privados.

Esta exposición se ha concebido como un diálogo visual y conceptual entre el arte de Picasso y el arte de Françoise Gilot, su joven musa y amante durante el período 1943-1953. Es el resultado de una colaboración activa entre Gilot y biógrafo de Picasso John Richardson, asistido por Gagosian director de Valentina Castellani, “Picasso y Françoise Gilot”, que celebra la amplitud y la energía de las innovaciones de Picasso durante estos años de la posguerra, así como la presentación de cuadros Gilot, junto a sus pinturas maravillosamente innovadores de ella y de su vida familiar. Es la primera vez que su obra ha sido expuesta en conjunto por lo que conforman el diálogo pictórico entre la fascinación del hombre maduro y la dueña de sí misma femenina y joven.

La exposición que presenta no está pensada como una forma de decoración del palacio, si no como una apropiación contemporánea de un lugar legendario.
Joana Vasconcelos no trata de encajar en Versalles, pero si de hacerle frente. Su trabajo se compone de las redirecciones, metamorfosis y desplazamientos de objetos, a través del tiempo, desplazando y moviendo íconos y elementos.

Inspirada por la fuerza mitológica y estética del palacio de Versalles, la artista
va aún más allá en su cuestionamiento del lujo y de la belleza mediante la propuesta de nuevas obras especialmente diseñado para el palacio. Al mismo tiempo su programa se centra en la figura de la mujer, omnipresente en su enfoque, como lo es en Versalles. Su estética es a la vez popular y sofisticada, un diálogo entre pasado y presente.

La artista chilena Loreto Sanhueza ya estaba orgullosa de la invitación que se le extendió a la bienal de Florencia 2011, por eso su sorpresa fue aún mayor cuando fue premiada por las dos obras que llevó a participar de la muestra. Fue elegida entre más de 600 artistas y 1800 obras de arte en exposición, y la única premiada entre los tres representantes chilenos. Recibió excelentes críticas del jurado y de sus pares, lo que valoró con especial hincapié.

Las obras premiadas son “Cultura Andina”, un tríptico que simboliza la vida al interior de una casa nortina y de una familia que dejó como testimonio sus pertenencias, y “Tramas Precolombinas”, que habla de la unión de los pueblos que forman nuestra cultura chilena; los aymaras representados por un manto en color amarillo, los españoles por el blanco y los araucanos por el rojo que, al unirse, formaron una nueva cultura.

After Obstructions, the artist’s first personal show at Francesca Minini Contemporary Art, Ali Kazma is presenting Intimacy, his second show at the gallery in which he is showing three video works: “Taxidermist”, “Cuisine” and “Absence”.

The first two are a part of the Obstructions series, which consists of 15 videos with which Ali Kazma documents various human activities linked to the production, creation, maintenance and repair of things by investigating the condition of man’s work, both artisanal and industrial.

“Absence” (2011) is a recent project of Kazma’s, a two-channel video that takes us through the inside of an abandoned NATO base in Holland. Through images of an almost photographic quality, in which one does not see any movement or signs of human presence, Ali Kazma creates a dark meditative atmosphere of what remains of a place that once played an important role in military decisions.

Milan, Italy
Francesca Minini Contemporary Art
Until May 3rd

Después de Obstructions, el primer show individual del artista en Francesca Minini Contemporary Art, Ali Kazma presenta Intimacy, su segunda exposición en la galería en la que se muestra tres trabajos en video: “Taxidermist”, “Cuisine” and “Absence”.

Los dos primeros son parte de la serie Obstructions, que consta de 15 videos con los que Ali Kazma documenta las diversas actividades humanas relacionadas con la producción, creación, mantenimiento y reparación de las cosas, mediante la investigación de las condiciones de trabajo del hombre, tanto artesanales como industriales.

“Ausencia” (2011) es un proyecto reciente de Kazma, un video de dos canales que nos lleva por el interior de una base abandonada de la OTAN en Holanda. A través de imágenes de una calidad casi fotográfica, en la que no se ve ningún movimiento o signos de la presencia humana, Ali Kazma crea una atmósfera oscura y meditativa de lo que queda de un lugar que una vez jugó un papel importante en las decisiones militares.

Milán, Italia
Francesca Minini Contemporary Art
Hasta el 3 de mayo

Hasta el 20 de mayo Kunsthaus Zürich exhibirá la políticamente cargada obra de artistas mexicanos. La exposición se inicia con las placas gráficas de José Guadalupe Posada, uno de los artistas y caricaturistas más importantes del siglo 19 en México. Su lema –”el arte contra la violencia” – no ha perdido su actualidad y sigue guiando el trabajo de sus sucesores actuales. Francis Alÿs, Carlos Amorales y Teresa Margolles sacan sus ideas de la privación social, la brecha entre ricos y pobres, y la violencia que es muy frecuente en muchas partes de México. Sus pinturas, proyecciones y videos son tan impresionantes como las imágenes inquietantes de Posada.

Zürich, Suiza
Kunsthaus Zürich
Hasta el 20 de mayo

From 16 March to 20 May 2012, the Kunsthaus Zürich will be showcasing the politically charged work of Mexican artists. The exhibition begins with graphic plates by José Guadalupe Posada, one of the most important artists and caricaturists in 19th-century Mexico. His motto – ‘art against violence’ – has lost none of its topicality and continues to guide the work of his present-day successors. Francis Alÿs, Carlos Amorales and Teresa Margolles draw their ideas from social deprivation, the gulf between rich and poor, and the violence that is all too prevalent in many parts of Mexico. Their paintings, slide projections and video works are every bit as impressive as Posada’s disturbing images.

Zürich, Switzerland
Kunsthaus Zürich
Until May 20th

Jonathan Meese, born in Tokyo in 1970, ranks among today’s most colorful German artists. Extensive, obsessive, and radical, his oeuvre shows a definite actionist character. Bringing his body into play without restriction and employing all media, Meese combines painting, drawing, and sculpture with collages, texts, and collections of material to sprawling installations resembling towering piles of high art and trash. Each of his statements – which oscillate between provocation, blasphemy, catharsis, exorcism, and criticism of the political system – is art and only seemingly pretentious and insolent. Meese rather follows in the tradition of the Dadaists who regarded the ‘mumblings of lunatics and children’ and nonsense as the only way back to elementary truths: art is a child’s game in the true sense of the word to be attained with nothing less than a complete change of system from ‘democracy or some other form of government made by people’ to the ‘dictatorship of art.’

Vienna, Austria
Academy of Fine Arts Vienna
Until May 27th

Jonathan Meese, nacido en Tokio en 1970, se encuentra entre los artistas alemanes más coloridos de hoy en día. Amplia, obsesivo y radical, su obra muestra a un personaje de acción definitiva. Llevando su cuerpo al juego sin restricciones y empleando todos los medios, Meese combina pintura, dibujo y escultura con collages, textos y colecciones de materiales a instalaciones que se asemejan a enormes pilas que juntan arte y basura.

Cada una de sus declaraciones –que oscilan entre la provocación, la blasfemia, la catarsis, el exorcismo y la crítica del sistema político– es arte, y sólo en apariencia son pretenciosas e insolentes. Meese sigue la tradición de los dadaístas que consideraban los “murmullos de los locos y los niños” y el sin sentido como el único camino de regreso a las verdades elementales: el arte es un juego de niños en el verdadero sentido de la palabra, que ha de alcanzarse con nada menos que un cambio sistemático completo “democracia o de cualquier otra forma de gobierno hecha por la gente a la “dictadura del arte”.

Viena, Austria
Academy of Fine Arts Vienna
Hasta el 27 de mayo

This is the third solo exhibition of the artist Victoria Encinas (Madrid, 1962). It is a new stage –a more complex one– in the production of the artist, which means “a deeper integration, and not a merely formal one”. Titled Double Hemisphere, the show includes paintings, objects, collages and drawings made for this project.

According to Encinas, the title “refers to the polarization/integration that, in the artistic experience, appears through the specific perceptions located in both cerebral hemispheres. On the one hand the right hemisphere, which is analog, associative, experiential, holistic, spatial, and it is plastically manifested in the form, in the organic, vivid, and visceral. Furthermore, the left is rational, analytical, mental, constructive, discoursive, which is expressed through the order, geometry, line, precision, proportion.”

Madrid, Spain
Galería Fernando Pradilla
Until April 15th

Se trata de la tercera exposición individual de la artista Victoria Encinas (Madrid, 1962). Se trata de una nueva etapa –más compleja– en la producción de la artista, que implica “una integración más profunda, y no solamente formal”. Bajo el título Doble Hemisferio se agrupan pinturas, objetos, collages y dibujos realizados expresamente para dicho proyecto.

Según la Encinas, el título “alude a la polarización/integración que, en la experiencia artística, se da a través de las especificidades perceptivas localizadas en los dos hemisferios cerebrales. Por un lado el hemisferio derecho, analógico, asociativo, experiencial, totalizador, espacial, que se manifiesta plásticamente en lo informe, lo orgánico, vivo, visceral. Por otro, el izquierdo, racional, analítico, mental, constructivo, discursivo, que se expresa a través del orden, la geometría, la línea, la precisión, la proporción”.

Madrid, España
Galería Fernando Pradilla
Hasta el 15 de abril

Galerist Haskőy hosts the second solo exhibition of Egyptian artist Youssef Nabil (Cairo, 1972), titled You Never Left. The exhibition features Nabil’s hand-colored photographs and the artist’s first film with Fanny Ardant and Tahar Rahim, which is set in an allegorical place that is a metaphor of a lost Egypt.

You Never Left represents a major turning point in the career of the artist whose entire body of work has been inspired by cinema. In this piece Youssef Nabil reverently and inventively revisits the aesthetic characteristics of Egyptian cinema’s golden age –the stars, technicolor, the type of film stock– that inspired his own calling as an artist.

Istanbul, Turkey
Galerist Haskőy
Until April 28th

Galerist Haskőy acoge la segunda exposición individual del artista egipcio Youssef Nabil (El Cairo, 1972) titulada You Never Left. La exhibición incluye las fotografías pintadas a mano por Nabil y la primera película del artista con Fanny Ardant y Rahim Tahar, situada en un lugar alegórico que es una metáfora de un Egipto perdido.

La muestra representa un importante punto de inflexión en la carrera de la artista, cuyo cuerpo entero de trabajo se ha inspirado en el cine. En estas piezas Youssef Nabil con reverencia e inventiva vuelve a las características estéticas de la edad de oro del cine egipcio –sus estrellas, tecnicolor, el tipo de acción de la película– que inspiraron su propia vocación como artista.

Estambul, Turquía
Galerist Haskőy
Hasta el 28 de abril

Flesh Garden es el fruto de una colaboración curatorial entre Felipe Bracelis de Chile y Guy Berube de Canadá. YESSR 4 Flesh Garden es una muestra de artistas emergentes sudamericanos y norteamericanos seleccionados por su trabajo, que tiene en común una mirada del cuerpo desde la historia del arte, actualizada por la experimentación pictórica y la exploración de nuevas formas de representar la carne.

La muestra reúne a reconocidos artistas norteamericanos, tales como Andrew Salgado, Matthew Stradling y Aleks Bartosik, junto a otros de Brasil –Lucas Simoes y Celio Braga–, al argentino Nani Lamarque y a los chilenos Martín La Roche –ganador de la ultima edición del concurso Cabeza de Raton–, Francisco Navarrete Sitja, Rodrigo Cienfuegos y el co-curador y organizador de esta iniciativa, Felipe Bracelis.

YESSR4 llega a la Sala +18 de la Biblioteca de Santiago (Matucana 151, Metro Quinta Normal), pasando previamente por la ciudad de Buenos Aires, en el centro cultural Casa Brandon en marzo de este año, entre un público ya familiarizado con el proyecto chilenos YESSR, a través su muestra Por / Desde un Paisaje Relevante, en septiembre del 2011. Luego de su paso por Chile, la exposición viaja a La Petite Mort Gallery de Ottawa, Canadá, donde se venderán las obras.

Buenos Aires. Hasta al 8 de abril. Centro Cultural Casa Brandon (Luis Maria Drago 236, Bs. As.).

Santiago. 10 de mayo al 3 de junio. Sala +18, Biblioteca de Santiago (Matucana 151, Quinta Normal)

Ottawa. 6 de julio al 29 de julio. La Petite Mort Gallery (Cumberland street 306)

Dejar ver es la nueva exposición de las artistas Magdalena Errázuriz y María Jose Pedraza.

Hay una multitud de imágenes, impresiones y pensamientos que se dejan ver en el trabajo plástico. La creación de éstas provee acceso directo a las memorias emocionales y es una forma de articular los pensamientos sobre estas experiencias que no se pueden describir en palabras. Se dice que la forma de expresión más universal es la verbal, pero es sólo un tipo de proceso simbólico, es a través de nuestras propias imágenes que nos damos a conocer a nosotros mismos.

En el proceso de creación de las obras las artistas fueron indagando en su imaginario y representando estas imágenes, buscando concretizar toda la subjetividad personal. El resultado es un lenguaje pictórico cargado de emotividad que deja ver la capacidad de simbolizar de todo ser humano, mostrando concretamente que todo concepto de nuestra mente tiene su propia imagen.

Crear es una forma de rescatar ideas, de ordenarlas, ligarlas y estructurarlas. Es una forma de dejar ver nuestros pensamientos. Esta muestra abre una reflexión sobre lo fundamental que es el pensamiento visual como parte de nuestra actividad mental y cómo la representación plástica puede ser un proceso de construcción de pensamiento.

Sala Gran Angular, Espacio Artístico Cultural Juventud Providencia
Del 29 de marzo al 29 de abril

GASCO Energy Sculpture / Santiago, Chile 2000:

In
virtue of GASCO corporate building remodeling located at Santo Domingo
Street Nº 1061 at the hands of Izquierdo Lehmann Architects back in
1999, the company’s board commissioned a sculpture allusive to the
energy by man in his quest to survival.

The
river stone bed is a metaphor to the energy contained by Earth’s
natural resources, the steel legs are man’s intervention and the marble
sphere represents pure energy.
 

Por Ernesto Muñoz, crítico de arte y miembro de la AICA.

En su residencia del Parque Forestal, alrededor de las 12:45 de hoy, murió Lily Garafulic.

La menor de 9 hijos, de una familia croata que se avecinó en Chile. Nacida en Antofagasta, en su línea estética fue una seguidora de Lorenzo Domínguez, que introdujo la talla directa en la escultura, y discípula Brancusi en Francia. Posteriormente volcó la mirada a nuestras raíces precolombinas y oceánicas –siguiendo a Domínguez, el gran amor de su vida, a Isla de Pascua–. Los últimos años volcó la mirada hacia un arte más geometrizante, en materiales definitivos como el mármol.

Lily Garafulic fue profesora de escultura de la Universidad de Chile, donde formó una generación de artistas como Sergio Castillo y Raúl Valdivieso. Como directora del Museo Nacional de Bellas Artes, realizó la nueva catalogación del museo, adquirió obras de artistas como Hernán Gazmuri y Henriette Petit y creó el laboratorio de restauración, trayendo la primera mesa térmica al país. Fue socia y fundadora de Asociación de Pintores y Escultores de Chile (Apech), y acreedora de diversos premios en Chile, entre ellos Premio Nacional de Artes Plásticas en 1995, y otros como la Beca Guggenheim en 1944. En Nueva York participó del taller de grabado de William Hayter, donde realizó grabados con Andrés Racz, y fue parte de una película grabada en 1951 “El Ídolo” de Pierre Chenal.

Recibió la atención por su obra y belleza del pope argentino del arte Jorge Romero Bret y del torero Mario Cabré, y fue gran amiga Fernando de Szyszlo, André Breton y Elisa Bindhoff, y de María Teresa Pinto. En su estadía en Nueva York, en el taller de grabado de Hayter, entabló amistad con María Martins, que la novia de Marcel Duchamp, y con ellos aprendió a jugar ajedrez.

Esta exposición nace con el fin de entregar un homenaje al gran representante del expresionismo abstracto, Cy Twombly, artista que se caracterizó principalmente por su gestualidad y donde la riqueza expresiva de su obra estuvo en que utilizó un lenguaje metafórico lleno de símbolos que reflejaban temas mitológicos, el paso del tiempo y lugares de interés personal para él, representado a través de su escritura, sus manchas, choreados y trazos. Este homenaje no solo consiste en exponer la vida y obra del artista, sino también en exhibir 17 obras de gran formato, inspiradas por el gesto de su destacada obra.

Carolina Irribarren. Se siente atraída por la gestualidad, el colorido, choriados, manchas y finalmente la parte figurativa que éstas componen.

Macarena Rakos. Dialoga hace un tiempo con Twombly a través de la escritura, el trazo y la mancha, principalmente con esa escritura ilegible.

Homenaje a Twombly
Casas de Lo Matta
Desde el 20 de marzo al 7 de abril

A partir del cruce entre pintura y fotografía el artista chileno Alejandro Quiroga presenta un relato pictórico que nace en el referente fotográfico con el fin de aproximarse al paisaje. 16 obras de pequeño y gran formato conforman esta muestra que se aboca a la naturaleza y a su condición más evidente de transformación y permanente cambio, sistemáticamente desde el siglo XIX.

Del 8 de marzo al 18 de mayo

Catastro para eliminar los obstáculos
Sala Gasco
Santo Domingo 1061
Santiago

La aventura del héroe

El artista argentino Mariano Botas presenta una serie de pinturas son una reinterpretación basada en los estudios y trabajos de Joseph Campbell, quien inspirado por C.G.Jung, se centró en el concepto de la figura del héroe en todas las culturas. La muestra aborda una temática fundamental en la gran cuestión de quién es el ser humano, cuál es su camino y cuál es, en definitiva, la aventura de su vida.

Av.Vicente Pérez Rosales 1305
Puerto Varas

Por primera vez en Chile se presenta una exposición del holandés Rembrandt, destacado exponente del movimiento barroco. 68 obras originales en aguafuerte, buril y puntaseca, realizadas entre 1630 y 1665, conforman esta muestra que se exhibió en museos y galerías de Italia, España y Andorra y que permite conocer los estudios del artista sobre los desnudos, la luz y la atmósfera en la composición.

Del 9 de marzo al 29 de abril

Rembrandt: impresiones de un genio
Corporación Cultural de Las Condes
Av. Apoquindo 6570
Espacio ArteAbierto
Av. Apoquindo 3457
Las Condes

Gracias al curador norteamericano George Rivera se gestó un proyecto innovador e inédito mediante el cual se inducirá a las futuras generaciones a crear una conciencia medio ambiental. Artistas nacionales y de otros países como Estados Unidos, México y Corea participarán en esta exposición a partir de instalaciones, performance, pintura, escultura, fotografía, video, música y poesía.

Hasta el 23 de marzo
El Imperativo Ecológic/ The Ecological Imperative
Mac Valdivia
Los Laureles S/N
Valdivia



Con una temática que nuevamente nos lleva al hogar, la artista nacional expone en Galería Blanc, hasta el 3 de abril, sus nuevos trabajos en grabado y chinecollé.

Por M. Angélica Navarro Ovalle, periodista

Fotografía cortesía de Bernardita Bennett

Naturaleza viva es el título que Nieves Mac-Auliffe eligió para la exposición que llenará la galería de flores y frutas. Tal como en otras ocasiones, la artista nacional ha llevado un pequeño espacio del hogar a su trabajo. “Me fascinan los floreros y los fruteros, por su cotidianidad en el diario vivir”, reflexiona. Con grabados en aguatinta y chinecollé. Nieves hace una cita a las tan afamadas naturalezas muertas. “Están muertas porque están cortadas, pero para mí están vivas porque tener un florero o frutero en la casa es mostrar vida, acogimiento y color”.

En esto último es donde radica el particular estilo que la artista ha desarrollado en su carrera. Maneja hábilmente el chinecollé, una técnica que consiste en imprimir sobre composiciones de papeles de distintos tipos y colores. Nieves también en esta ocasión ha incluido una nueva faceta: el blanco y negro. ¿La razón? “La imagen, para que fuera como yo realmente quería, tenía que ser en blanco y negro, aunque igual se transmite el color a través del movimiento y tonalidades”, explica. Además, la muestra contará con un video-instalación en el que la artista crea un cuadro de grandes proporciones sobre el pasto, donde frutas y flores son sus materiales.

Nieves Mac-Auliffe es una investigadora. Estudió Bellas Artes. Conoció la potencialidad del papel gracias a un compañero japonés que conoció cuando estudiaba grabado en Barcelona, España. Profundizó el tema experimentando, hasta que llegó al chinecollé, que cataloga como “mi verdadera expresión”. La grabadora del Taller Puerta Verde, Javiera Moreira, ha sido su mentora durante estos últimos años con todo lo respecto al grabado. Luego de la exposición en Galería Blanc y otra en abril en Galería Caballo Verde –en Concepción– y  fiel a sus inquietudes, la artista se hará cargo de una de sus últimas inversiones: investigar a fondo un alto de libros sobre la teoría del color, que es por donde encauzará sus nuevos trabajos. Como ella dice: “Me gusta trabajar, investigar, conocer todo lo referente a la psicología del color, porque creo que es mi gran fortaleza. Con ésta siempre me siento ni empezando, ni terminando, ni en la mitad; sino trabajando”.

Galería Blanc
Hasta el 3 de abril

Son numerosos los premios que, durante la celebración de la Feria Interacional de Arte Contemporáneo, se conceden a artistas y obras expuestas en el certamen. Es el caso del Premio Illy SustainArt, otorgado en su quita edición a Voluspa Jarpa. Esta artista chilena ha sido premiada por su trabajo Minimal Secret que se exhibe en la galería Isabel Aninat dentro de la sección SOLO PROJECTS: Focus Latinoamérica.  El jurado –compuesto por Agustín Pérez-Rubio, director del MUSAC, Leon; Marcelo Mattos Araujo, director ejecutivo de la Pinacoteca de São Paulo; y Carlo Bach, director artístico de illycaffè– ha premiado la labor de investigación que representa este proyecto en torno a los archivos desclasificados por Estados Unidos sobre Chile y otros países del Cono Sur.

En su montaje Minimal secret, la artista combina elementos colgantes y procedimientos formales que buscan re significar los contenidos de estos documentos. Simultáneamente, exhibe 200 libros pertenecientes a su obra “La biblioteca de la no historia”, que llevó el año pasado a la Bienal de Estambul, donde fue contactada por los especialistas de ARCO Madrid.

Ñew York, featuring works by young, outstanding Latin American and Spanish artists residing in New York City commemorates a long lost artistic exchange and recovers innovative communication channels between Latin American and Spanish plastic and visual artists. The exhibition incorporates New York City as the current setting where these creative forces re-encounter themselves.

The exhibition addresses mobility in an era of widespread displacement where barriers between the global and the local are broken down. Motion (mobility), Emotion (personal artistic work) and Promotion (promote and advance the careers of expat artists) are all addressed throughout the show.

The artists were selected based on their accomplishments, artistic careers and their approach to concepts of mobility, migration and cultural exchange, all intrinsic to a city where new ideas, experiences and diversity converge.

Curated by Paco Cano, Eva Mendoza Chandas and Jodie Dinapoli (all from Spain), Ñew York showcases the work of 19 artists from 10 countries from Latin America and Spain, all based in New York.  Abigail Lazkoz (Spain), Ada Bobonis (Puerto Rico), Alberto Borea (Peru), Antón Cabaleiro (Spain), Carlos Motta (Colombia), José Ruiz (Peru), Julieta Aranda (Mexico), Esperanza Mayobre (Venezuela), Dulce Pinzón (Mexico), Fernando Renes (Spain), Félix Fernández (Spain), Juanma Carrillo (Spain), Iván Navarro (Chile), Jessica Lagunas (Guatemala), Lluis Lleó (Spain), Manuela Viera-Gallo (Chile), Manuel Molina Martagón (Mexico), Sol Aramendi (Argentina), Nicky Enright (Ecuador).

Washington, EE.UU.
AMA ׀ Art Museum of the Americas

February 16 – May 20

Para darle a la temporada de verano aún más frescura, a partir de enero las latas de Coca-Cola Light se llenaron de colores; la fotógrafa argentina Andy Cherniavsky creó seis originales diseños que te invitan a “vivir más liviano”.

Diseñadores de la talla de Roberto Cavalli, Gianfranco Ferré, Nathalie Rykiel, Patricia Fiel o Karl Lagerfeld han sido los encargados de llenar de glamour a los envases de Coca-Cola Light en ocasiones anteriores. Las botellas y latas de esta popular bebida nacida en 1982 se han transformado, así, en preciados objetos de arte que consumidores de todos los rincones del mundo quieren coleccionar. “En Chile quisimos sumarnos a esta tendencia global de presentar colecciones limitadas con artistas de relevancia internacional y lo hicimos interviniendo las latas de Coca-Cola Light, que nos permiten mostrar el maravilloso trabajo de interpretación artística realizado por Andy Cherniavsky”, explica Carlos Romero, gerente de marketing de Coca-Cola de Chile. Así, no sólo representantes de la moda y del arte de latitudes lejanas han tenido el privilegio de llevar su trabajo a este soporte, sino también esta destacada fotógrafa argentina.

Son seis los diseños que componen esta serie de latas coleccionables. La invitación para Cherniavsky consistió en interpretar el slogan “Vivir + liviano” con el que Coca-Cola Light apuesta por la elección de una forma de vida más relajada, en la que la artista trató la cotidianeidad con más humor, sin tener que renunciar a aquello que queremos ser o hacer. “La visión de Andy de nuestra marca –reinterpretada en las obras que conforman la colección– es la mejor síntesis de lo que queremos transmitir. Estamos seguros de que necesitamos más imaginación y que vivir más liviano nos permite disfrutar de cada momento”, opina Romero.

Fecha: Del 8 al 11 de marzo

Lugar: Nueva York, Estados Unidos

Web: www.voltashow.com

In recent work, the New York-based artist Brendan Fernandes investigates the dilemmas and codes that language create through ethnicity and sub-culture, where language becomes codified and creates barriers that allow for understanding within specific groups and communities. He explores the way in which language is used to maintain imbalances of power within society, how it is altered with the processes of migration and history and the inadequacies of language to communicate.

For his first exhibition in India, Fernandes will present a recent video work entitled, Devil’s Noise which was conceived and produced during a residency at the prestigious German new media academy ZKM alongside a new set of neon wall sculptures. This body of work revolves around the student protest of 1976 in South Africa where student groups peacefully protested against the imposition of the Afrikaans language within the school system, effectively barring much of the population from participation. The protests ended up in a violent upraising when police opened fire on the students, causing riots in the city of Johannesburg. The artist is interested in the notion of silence as a mean of protest, where in contemporary South Africa many Black South Africans don’t speak Afrikaans as a means of acknowledging their history of oppression. The Devil’s Noise depicts a selection of close-up pictures of the artist’s face where he is making distinct facial gestures, synced with the sound of white noise. The edited sound begins to sound like an animalistic hiss or growl. The work is further punctuated by a running text across the mouth of the artist’s portrait, the text is a poem written by the artist that articulates the sentiment of the initial protest and uses phrases from protest signs held by the students. The wall works in neon show formations of the word ‘noise’ broken into strokes so that the word is never fully rendered. As they flash they form nonsensical patterns that look like hieroglyphics or codes. The pulsation of light acts a type of noise without sound.

New Delhi, India
Seven Art Limited
Until February 18

En su trabajo más reciente, el artista radicado en Nueva York, Brendan Fernandes, investiga los dilemas y los códigos que el lenguaje crea a través de la etnicidad y la sub-cultura, donde el lenguaje se codifica y crea barreras que permitan la comprensión dentro de grupos y comunidades específicas. Él explora la forma en que el lenguaje se utiliza para mantener los desequilibrios de poder dentro de la sociedad, cómo éste se altera con los procesos de migración y de la historia, y las insuficiencias del lenguaje para comunicarse.

Para su primera exposición en la India, Fernandes presentará una obra en video titulada El ruido del Diablo, que fue concebido y producido durante una residencia en la prestigiosa academia de nuevos medios ZKM (Alemania), junto a un nuevo conjunto de esculturas de neón. Este cuerpo de trabajo gira en torno a la protesta estudiantil de 1976 en Sudáfrica, donde grupos de estudiantes protestaron pacíficamente contra la imposición de la lengua afrikaans en el sistema escolar, excluyendo efectivamente a gran parte de la población de la participación. Las protestas terminaron en un alzamiento violento cuando la policía abrió fuego contra los estudiantes, causando disturbios en la ciudad de Johannesburgo.

El artista está interesado en la idea del silencio como medio de protesta, donde en la Sudáfrica contemporánea muchos sudafricanos negros no usan el afrikaans como un medio de conocer su historia de opresión. El ruido del diablo representa una selección de fotografías en primer plano del rostro de la artista donde está realizando distintos gestos faciales, sincronizadas con el sonido de ruido blanco. El sonido editado empieza a sonar como el siseo o gruñido de un animal. El trabajo es interrumpido por un texto que atraviesa la boca del retrato del artista; el texto es un poema escrito por él que articula el sentimiento de la protesta inicial y utiliza frases de las pancartas de protesta de los alumnos. Las luces de neón sobre la pared forman la palabra “ruido” quebrada en distintos pedazos, para que el concepto nunca se vea completamente. A medida que se forman los patrones de flash sin sentido que parecen jeroglíficos o códigos. La pulsación de la luz actúa como un tipo de ruido sin sonido.

Nueva Delhi, India
Seven Art Limited
Hasta el 18 de febrero

Las artistas Al Límite Pauline Cristi, Fernanda Saldivia, Sol Guillón, Claudia Parodi y Ximena Gumucio participarán de una exposición colectiva en Cachagua. “Paila Marina” es el nombre de esta muestra colectiva donde se exhibirá pintura, escultura en madera y en gres, y grabado.

Sala de exposiciones “Donde Simón”
Av. Cachagua 296
Cachagua

Hasta el 19 de febrero

Coincidiendo con la celebración de su 20 aniversario, el Museo ThyssenBornemisza pone en marcha una nueva actividad expositiva que, con el título genérico de , presentará periódicamente una instalación especial de algunas obras procedentes de sus colecciones. La intención es potenciar la idea de museo como lugar de conocimiento, dando la oportunidad al espectador de desarrollar un tipo de mirada pausada y reflexiva que pueda despertar nuevas interpretaciones.

Para inaugurar el ciclo, a partir de 7 de febrero y coincidiendo también con ARCO 2012 dedicado este año a los Países Bajos, la muestra Mondrian, De Stijl y la tradición artística holandesa propone un dialogo visual entre algunas obras de Piet Mondrian y de sus colegas del grupo neoplasticista De Stijl, Theo van Doesburg y Bart van der Leck, con una selección de pinturas del Siglo de Oro holandés de los fondos del Museo. Esta confrontación permitirá apreciar que, a pesar de la lejanía en el tiempo, existe una proximidad conceptual entre el arte de los miembros de De Stijl y la pintura holandesa del siglo XVII, compartiendo ciertos elementos comunes, como la equilibrada y armoniosa resolución de la composición pictórica o la tendencia a trabajar la superficie de la pintura como un plano pictórico frontal, bidimensional, organizado geométricamente.

La pintura holandesa del siglo XII constituye uno de los capítulos más significativos de la colección permanente; por otro lado, el Museo Thyssen es el único museo español que posee un conjunto de obras de Piet Mondrian y del grupo neoplasticista holandés. Tal y como expresaron en sus escritos teóricos – publicados en la revista De Stijl, fundada por Van Doesburg en 1917-, a pesar de su novedoso lenguaje, los pintores neoplasticistas veían su obra como la culminación del arte del pasado. El desafío de sus cuadros, el juego de planos y líneas sobre la superficie pictórica, no supuso una ruptura tan radical con la tradición; al ponerlos en relación con las pinturas de los artistas holandeses del siglo XVII en este nuevo montaje, cobrarán seguro un nuevo sentido para el espectador.

Madrid, España
Museo ThyssenBornemisza
Hasta el 6 de mayo

To coincide with the celebration of its 20th anniversary, the Museo ThyssenBornemisza is launching a new exhibition programme with the general title of “Overlapping gazes”, in which special installations of works from its own collections will be presented on a regular basis. The aim of this programme is to promote the concept of the museum as a place of knowledge, offering the viewer the opportunity to develop a slow and reflective gaze in order to bring about new interpretations.

Opening on 7 February and coinciding with ARCO 2012, for which the invited country is the Netherlands, the first exhibition in this series is entitled Mondrian, De Stijl and the Dutch artistic Tradition. It comprises a visual dialogue between works by Piet Mondrian and Theo van Doesburg and Bart van der Leck, his fellow artists of the De Stijl Neo-plasticist group, and a selection of Dutch Golden Age paintings from the Museum’s own collections. This juxtaposition will allow for an appreciation of the fact that despite the distance of centuries there is a conceptual relationship between the art of the De Stijl members and 17th century Dutch painting. Both are characterised by a balanced and harmonious resolution of the pictorial composition and by a tendency to approach the pictorial surface as a frontal, two-dimensional plane that is organised geometrically.

17th-century Dutch paintings constitute one of the most important areas within the Permanent Collection. In addition, the Museo ThyssenBornemisza is the only Spanish museum to possess a group of works by Piet Mondrian and the Dutch Neo-plasticist group. As they indicated in their theoretical texts (published in the magazine De Stijlthat Van Doesburg founded in 1917), despite their innovative visual idiom, the Neo-plasticist painters saw their work as the culmination of the art of the past. The challenging nature of their paintings and the interplay of planes and lines on the pictorial surface did not in fact imply such a radical break with tradition. By relating them to works by 17th-century Dutch artists in this new installation, they will undoubtedly take on new meaning for the spectator.

Madrid, Spain
Museo ThyssenBornemisza
Until May 6

Come back to the war is the first solo exhibiton in Germany by Lebanese-American artist Annabel Daou. In her work, Daou explores the intersections of language, culture and our present political reality. Working primarily on handmade paper, her writing and markings form conceptual maps that do not encompass geographical areas but create borders and spaces that escape topographical distinctions. Daou physically intervenes on and reconfigures the surfaces of her works by tearing up and repairing the paperscapes with gesso and tape. Daou’s writing functions as the link between the individual pieces, often using the form of English text transliterated phonetically into Arabic.

Come back to the war: human beings appear driven to past events, to “come back” to places or situations that are often those of struggle. The title of the exhibition refers to the engagement with and attraction towards conflict, may it be a political conflict, a conflict between people and situations or even between the artist, viewer and the work itself. In pieces such as The lines are drawn (2011) and The fight is fixed (2011) the titles play between their literal meanings and the visual or conceptual possibilities opened by language. In no man’s land (2011), Daou explores the void between the written word and the act of writing, using a red quill to inscribe the surface of the paper while blowing the ink away at the same time.

From where to where (2010) is one of the central pieces of the exhibition. It is a project that was completed over a period of two months spent between New York and Beirut—Daou’s first trip back to Lebanon after leaving her home country. It is composed out of the English and Arabic responses of strangers encountered during the travel to whom the questions were posed Where are you now? Where are you coming from? and Where are you going to? The title of the piece From where to where is a literal translation of an Arabic expression that idiomatically translates as “how dare you?” This question frames the work as an inquiry into the sense in which identity is asserted, undermined, and/or reconstructed through the ongoing exchange between location and state of mind.

This work was exhibited as the U.S. entry for the 12th Annual Cairo Biennale, which opened two weeks before the outbreak of the January Revolution. It remained at the Palace of Arts in Cairo throughout the uprising. During wartime, hotels often serve as a locale for journalists and people in transit to “wait out” violent or disruptive activity, much as this work was made to do. Insofar as this work was about attesting to Daou’s own presence during a journey from her present home to her past one, it’s repeated refrain “I’m here, I’m here” unexpectedly came to echo the protestors of Tahrir Square, who were attesting, first and foremost, to their presence. From where to where was honoured by the Cairo Biennale with the Biennale Award in 2011.

Annabel Daou was born and raised in Beirut, Lebanon, and moved to New York in 1999. Her recent exhibitions include: 12th Cairo Biennale (representing the U.S.), On the Mark: Contemporary Works on Paper, The Baltimore Museum of Art, Baltimore (2010); Close Encounters 2, The Nathan Cummings Foundation, New Yorkn (2010); Political / Minimal, Kunstwerke, Berlin/Muzeum Sztuki w Lodzi, Lodz, Poland (2008/2009); knot , David Winton Bell Gallery, Brown University, Providence; New York New Drawings 1946-2007 , Museo de Arte Contemporaneo Esteban Vicente, Segovia, Spain (2009); Democracy in America, The Park Avenue Armory, New York (2008)

Berlin, Germany
Galerie Tanja Wagner
Until March 3

Son 5 días donde Madrid verá pasar tres ferias y una serie de actividades que se tomarán la capital española. La invitación está hecha para que coleccionistas, galeristas, artistas y público disfruten y conozcan lo mejor del arte contemporáneo.

Por Yuriko Takahashi, periodista

ART MADRID
En su séptima versión esta feria, que cuenta con la mayor cantidad de galerías españolas en relación al resto, trae este año una serie de novedades que apuntan a fomentar el trabajo de artistas emergentes.
Con 58 galerías y 77 espacios expositivos, ArtMadrid presentará el tradicional Programa General que da a conocer las vanguardias históricas, arte moderno y contemporáneo. Por otra parte, con el fin de fomentar y consolidar el arte joven, esta feria dispone desde el año pasado del programa Young art.
Para poner aún más acento al arte joven, este año ArtMadrid trae dos novedades. Una será el One Proyect que intenta fomentar los trabajos más nuevos y radicales, así como la presencia de nuevos medios y soportes no convencionales. Además la feria presentará la Art Edition un espacio para que galerías y publicaciones editoriales de arte contemporáneo puedan exhibir el trabajo gráfico que realizan. Arte Al Límite es la única publicación latinoamericana presente en esta feria.
Lugar: Pabellón de Cristal de la Casa de Campo de Madrid.
Fecha: Desde el 16 al 19 de febrero.

ARCOMADRID
Más de 200 galerías serán parte de la 31ª Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid 2012. Una de las grandes novedades de este año será el “Artista destacado”, donde cada una de las galerías participantes selecciona a un artista por stand, presentando su obra de manera más destacada. Una publicación disponible en la feria reunirá toda la información sobre estos exponentes.
Además, por primera vez se organizará un encuentro entre museos europeos y latinoamericanos con el fin de promover el intercambio de proyectos entre ellos. “Solo Objects” también es una iniciativa nueva que busca que obras de gran formato, de artistas europeos y latinoamericanos, salgan de los stands de sus galerías y se apropien de diferentes espacios de esta feria para así focalizar la atención del público. La artista chilena Voluspa Jarpa será la única chilena participante con “Minimal Secret”, inspirada en la desclasificación de archivos estadounidenses. ARCOmadrid pretende ser un espacio de reunión e interacción, es por eso que este 2012 propone After ARCO una instancia donde se presentarán actividades en diferentes espacios de Madrid (instalaciones en espacios públicos, conciertos de música pop, sesiones de DJ’s, entre otros).
Lugar: Pabellones 8 y 10 de la Feria de Madrid.
Fecha: Del 15 al 19 de febrero.

JUSTMAD
Esta feria invita al público a presenciar propuestas innovadoras y en esta tercera versión JUSTMAD busca consolidarse como la principal feria española dedicada al arte contemporáneo emergente. Este año se presentarán cerca de 60 expositores tanto españoles como internacionales entre los que se encuentra Colombia, Italia, Líbano, Rusia entre otros.
Algunas novedades para esta edición son dos nuevos espacios Forever Tonight y Publishers’ Corner. En el primero se presentará una serie de propuestas artísticas basadas en el tiempo y que ocuparán algunas habitaciones del hotel. Video e instalaciones sonoras serán parte de este programa. El segundo estará dedicado a la edición de arte agrupando editores de toda Europa y del resto del mundo –editores de libros, de obras gráficas, revistas, galerías, publicaciones periódicas, entre otras– con el fin de que se reúnan e interactúen.
Además por segunda vez estará Producers’ Desk, espacio dedicado a la educación en el arte contemporáneo y a los “productores” donde se invita a investigadores y mediadores que trabajan entorno a lo académico y experimental para que se genere un diálogo entre ellos.
Lugar: Hotel Silken Puerta América, Madrid.
Fecha: 16 al 19 de febrero.

Los temas de la historia y la identidad son fundamentales en el trabajo de Matthias Bitzer. Las vidas de los personajes históricos que inspiran el artista se toman como punto de partida para su reflexión; el artista reconstruye su biografía a través de diversos medios. Los distintos medios se llevan a un campo narrativo rico en referencias que están relacionados entre sí. En sus instalaciones aparecen dicotomías: lo visible y lo oculto, lo figurativo y lo abstracto, lo racional y lo emocional.

Para esta exposición, el artista mostrará una nueva instalación que incorpora pinturas sobre tela, collages, dibujos y esculturas amorfas. Además, la galería ha publicado un catálogo monográfico acerca de la muestra.

Matthias Bitzer nace en 1975 en Stuttgart. Vive y trabaja en Berlín. Exposiciones individuales se han dedicado a su trabajo en el Kunstverein de Hannover, Alemania (2010) y en la Städtische Galerie Nordhorn, Alemania (2007). En MARTHa Herford Alemania, (2009 y 2010) se exhibió una instalación in situ y, en la Rosenblum Collection de París está expuesta una visión general de su arte.

Bruselas, Bélgica
Almine Rech Gallery
Hasta el 1 de marzo

The themes of history and identity are central to Matthias Bitzer’s work. The lives of historical figures that inspire the artist are taken as the starting point for his reflection ; the artist reconstructs their biography through diverse means. The different media are brought into a narrative field rich in references and are interrelated. In his installations dichotomies appear : the visible and the hidden, the figurative and the abstract, the rational and the emotional.

For this exhibition, the artist will show a new installation that incorporates paintings on canvas, collages, drawings and amorphous sculptures.

A monographic catalog will be published by the gallery on the occasion of the exhibition.

Matthias Bitzer is born in 1975 in Stuttgart, he lives and works in Berlin.
Solo exhibitions have been dedicated to his work in Kunstverein Hannover, Germany (2010) and in Städtische Galerie Nordhorn, Germany (2007). An in situ installation has been displayed at MARTHa Herford, Germany, (2009 and 2010). An overview of his art is currently exhibited at the Rosenblum Collection in Paris.

Brussels, Belgium
Almine Rech Gallery
Until March 1

Diez parejas de artistas chilenos entre las que destacan Gracia Barrios y José Balmes, Yto Aranda y Omar Gatica, Klaudia Kemper y Mario Lagos, Víctor Mahana y Geraldine Mac Kinnon, estarán presentes en esta exposición que contiene más de 20 obras actuales y que pretende reunir a destacados exponentes del arte a partir de diversas propuestas y lenguajes; desde el informalismo con signos políticos hasta trabajos postmodernos.

Galería Artium
Alonso de Córdova 3102
Vitacura

Hasta el 29 de febrero

Following Precipitados, Pablo Genovés’ first individual show in the Galería Pilar Serra, we now present Cronología del ruido, an exhibition in which he returns to his particular process of re-signification of symbolic spaces of western culture from the combination of media and signs, and his liking for contrast and the unexpected.

“Is renovation possible when catastrophe rises up before us as the natural and eternal state of things? In the images of Pablo Genovés, destruction transgresses the laws of time and establishes its own chronology. The symbols and fictions of our culture apparently succumb in the face of the irruption of the untameable: mechanical natures, monumental in their disproportion and now out of all control.
But hiding behind this aggression is a secret pact of compromise. The pre-existing and its end are offered each aware of the other, in the warmth of a historical intimacy. In this Cronología del ruido, the spaces of representation – museums, theatres or churches – are revealed as enormous apparatuses of engineering: machines for the generation of myths which when cracked show their steel innards.
In his images, Genovés locates our myths and values in an arc of time and he tenses them to their limit, up to the moment immediately prior to tearing, necessary for the percussion. Like the metal which, when struck, faithfully reproduces a noise of storm.”
Lucía Carballal

In this text the writer Lucía Carballal highlights the powerful complexity of the work of Pablo Genovés. A work full of changes and of times. Historical, chronological and climatic times that are intermixed and superimposed in an alchemical way in order to construct an “other” significance of reality, beyond the appearance, which seeks to expose the unequivocal identity of certain symbols: past and present. So, palaces, libraries or cathedrals, reflections respectively of the power, knowledge and religion of an epoch, are violently invaded by outside elements, which modify and pervert them – we do not know whether perpetually – in a suspended moment – the one portrayed by Genovés – the end and start of something, which suppurates the silence that precedes and follows the great catastrophes. And in all this the viewer plays a central role, witnessing these synergies of other worlds from a privileged place; and who, located in the middle of this “stage”, becomes the protagonist and obligatory performer of a new knowledge in this start of an era.

Exhibited throughout Spain, the work of Pablo Genovés has also been shown (individually and collectively) in France, Germany, England, Argentina, Brazil and the USA. His photographs form part of such major national and international collections as the Coca-Cola Foundation, Circa XX,
Banco Spirito Santo, Patio Herreriano, CAC Málaga, the Solidarity Museum in Santiago de Chile, etc.

Madrid, Spain
Galería Pilar Serra
Until March 17

Tras Precipitados, primera individual de Pablo Genovés en la galería Pilar Serra, se presenta ahora Cronología del ruido, exposición en la que retoma su particular proceso de resignificación de espac ios simbólicos de la cultura occidental desde la combinación de medios y signos, y del gusto por el contraste y lo inesperado.

“¿Es posible la renovación, cuando la catástrofe se erige ante nosotros como el estado natural y eterno de las cosas? En las imágenes de Pablo Genovés, la destrucción transgrede las leyes del tiempo y establece su propia cronología. Los símbolos y ficciones de nuestra cultura sucumben aparentemente ante la irrupción de lo indomable: naturalezas mecánicas, monumentales en su desmesura y ya fuera de todo control. Pero tras esta agresión se esconde un pacto secreto de avenencia. Lo preexistente y su final se ofrecen conscientes el uno al otro, al calor de una intimidad histórica. En esta Cronología del ruido, los espacios de representación –museos, teatros o iglesias– se revelan como enormes aparatos de ingeniería: maquinarias de generación de mitos que al resquebrajarse muestran sus tripas de acero. En sus imágenes, Genovés ubica nuestros mitos y valores en un arco de tiempo y los tensiona hasta su límite, hasta el momento inmediatamente anterior al desgarro, necesario para la percusión. Como el metal que, al ser golpeado, reproduce fielmente un ruido de tormenta”.
Lucia Carballal

En este texto de la escritora Lucía Carballal se pone de manifiesto la fuerte complejidad de la obra de Pablo Genovés. Un trabajo lleno de cambios y de tiempos. Tiempos históricos, cronológicos y climáticos que se entremezclan y sobreponen de una forma alquímica para construir un significado “otro” de la realidad, más allá de la apariencia, que pretende desenmascarar la unívoca identidad de ciertos símbolos: pasados y presentes. Así, palacios, bibliotecas o catedrales, reflejos respectivamente del poder, el saber y la religión de una época, son invadidos violentamente por elementos ajenos, que los modifican y pervierten –no sabemos si de forma perpetua– en un momento suspendido –el que retrata Genovés–, fin e inicio de algo, que supura el silencio que precede y sigue a las grandes catástrofes. Y en todo ello juega un papel central el espectador, que presencia desde un lugar privilegiado estas sinergias de otros mundos; y que, situado en el medio de este “escenario”, se convierte en el protagonista e intérprete obligatorio de un nuevo saber en este comienzo de era.

Expuesta en toda España, la obra de Pablo Genovés ha sido además presentada (individual y colectivamente) en Francia, Alemania, Inglaterra, Argentina, Brasil y EEUU. Sus fotografías forman parte de colecciones nacionales e internacionales tan relevantes como la Fundación CocaCola, Circa XX, Banco Spirito Santo, Patio Herreriano, CAC Málaga, Museo de la solidaridad Santiago de Chile, etc.

Madrid, España
Galería Pilar Serra
Hasta el 17 de marzo

Antoni Tàpies. 60′s & 70′s features a selection of works made in the two decades spanning the sixties and seventies by the master of Spanish informalismo and one of the truly seminal names in contemporary art in Europe. The exhibition includes large-format mixed media works on various supports from this decisive phase in the artist’s production.

Casting a backwards gaze over the career of Antoni Tàpies (Barcelona, 1923), one readily detects a sense of unity running through his whole body of work, right up until the present moment. As he himself maintains, it was in the late 1950s when he started to find his stride as a mature artist. As he mined the possibilities of this adopted vernacular, Tàpies’ signature style gelled in the 1960s and 70s, the two key decades under the spotlight in the exhibition at Galería Elvira González.

At the end of the 1950s and throughout the following decade Tàpies started to play with texture, creating his acclaimed “matter-based” works, coupling this exploration of texture with new iconographic motifs, graphemes, footprints and the prints of his own hands on the canvas.

Tàpies co-opted everyday objects and inserted them in his paintings, transmuting them in the process into something else. Akin to an alchemist, Tàpies took perishable, lowly materials and imbued them with new life within the work, conferring them a hitherto unknown permanence and nobility. This fondness for transformation was clearly influenced by Zen, a philosophy the artist was conversant with and which taught him how to lend new meaning to disregarded and overlooked materials. Tàpies’ new treatment of materials also coincides in time with the expansion of arte povera in Europe, and post-minimalism and conceptualism in the USA.

In his work from the 1960s and 70s we perceive not only an assuredness in the handling of the form, but also an ideological shift. From the mid 60s well into the 70s, the final years of Franco’s regime, his work took on a decidedly political slant.

In the seventies his painting transmuted into a truly three-dimensional work and he began to construct and manipulate objects, exploring the limits of their plasticity.

Madrid, Spain
Elvira González Gallery
Until March 3

Antoni Tàpies. Años 60 y 70 recoge una selección de obras realizadas en las décadas de los sesenta y los setenta por el maestro del informalismo español, uno de los nombres imprescindibles del arte contemporáneo español. La exposición incluirá piezas representativas de esta etapa del artista, en gran formato sobre diferentes soportes realizadas en técnica mixta.

La evolución de la obra de Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) se ha mostrado, ante todo, coherente a lo largo de su carrera y hasta nuestros días. Pero sin duda, como él mismo ha afirmado, es a finales de los cincuenta cuando comienza su recorrido como un artista verdaderamente maduro. Durante la década de 1960 y 1970 su estilo se afianza y se produce la evolución más interesante, que da lugar a las obras más características de Tàpies.

Así, es durante los años sesenta cuando el interés por experimentar con la textura de la obra da lugar a lo que se ha venido a llamar “materias”. Aparecen nuevos motivos iconográficos, signos de escritura, huellas de pisadas, marcas de la mano del artista en la tela.

En las obras de estos años comienza a insertar objetos de la realidad exterior al cuadro que, transformados por la mano del artista, cambian su naturaleza. Tàpies trabaja como un alquimista que es capaz de transformar materiales perecederos e innobles en permanentes y nobles a través de su nueva vida dentro de la obra. Este interés en las transformaciones están influenciadas por la filosofía Zen, que el artista conoce bien, y con la que aprendió a dotar de nueva significación a materiales despreciados e insignificantes. Este nuevo tratamiento de los materiales de Tàpies coincide el periodo con la expansión del arte Povera en Europa, postminimal y conceptual en EEUU.

En la obra de las décadas de 1960 y 1970 no solo se produce una madurez en el tratamiento plástico de la forma, si no también ideológica. Desde mediados de los años 60 y los años setenta su obra adquiere un carácter fuertemente político, coincidiendo con el último tramo del franquismo.

Es en los sesenta cuando el cuadro se convierte para él en una obra verdaderamente tridimensional y comienza a construir objetos. El creador catalán investiga y busca las características plásticas de los objetos mediante la manipulación por parte del artista.

Madrid, España
Galería Elvira González
Hasta el 3 de marzo

A propósito de la exitosa exposición “Matta Centenario 11.11.11”, que celebra los 100 años del nacimiento de Roberto Matta, la Cineteca Nacional del Centro Cultural Palacio La Moneda exhibe un ciclo de cine gratuito en torno a su figura y obra.

Durante todo febrero se ofrecen documentales, entrevistas, videos experimentales y videos 3D que abordan distintos ámbitos de la vida y creación del artista, entre ellos destaca el documental Intimatta (2011), realizado por su hijo Ramuntcho y “El Último Gol de Matta” (2008), cinta que revela cómo se rescató el mural pintado por Matta y la Brigada Ramona Parra bajo el gobierno de Allende.

Programa
TODOS LO DÍAS – 14:00 HORAS / Matta en 3D – Fango original (Eduardo Araya, Chile, 2011, 11min)
DOMINGOS – 16:00 HORAS / Intimatta (Ramuntcho Matta, 2011, 63min)
SÁBADOS – 18:15 HORAS / La Casa de la Mirada (Manuel Basoalto, 4min) Y
LUNES 6, 13 Y 20 DE FEBRERO– 16:00 HORAS / El paisaje del ser (UCV, conducido por Gaspar Galaz, 37 min) Y Puerta a otra dimensión (Hugo Arévalo, 1996, 60 min)
SÁBADOS – 16: HORAS / El último gol de Matta (TVN, Chile, 2008, 57 min)
DOMINGOS – 18:15 HORAS / Matta, un siglo d’ Mente (Pablo Basulto, Chile, 2000, 63 min)

Sala Microcine Centro Cultural Palacio La Moneda
Nivel -2
Plaza de la Ciudadanía nº 26

Todos los días de febrero