Son numerosos los premios que, durante la celebración de la Feria Interacional de Arte Contemporáneo, se conceden a artistas y obras expuestas en el certamen. Es el caso del Premio Illy SustainArt, otorgado en su quita edición a Voluspa Jarpa. Esta artista chilena ha sido premiada por su trabajo Minimal Secret que se exhibe en la galería Isabel Aninat dentro de la sección SOLO PROJECTS: Focus Latinoamérica.  El jurado –compuesto por Agustín Pérez-Rubio, director del MUSAC, Leon; Marcelo Mattos Araujo, director ejecutivo de la Pinacoteca de São Paulo; y Carlo Bach, director artístico de illycaffè– ha premiado la labor de investigación que representa este proyecto en torno a los archivos desclasificados por Estados Unidos sobre Chile y otros países del Cono Sur.

En su montaje Minimal secret, la artista combina elementos colgantes y procedimientos formales que buscan re significar los contenidos de estos documentos. Simultáneamente, exhibe 200 libros pertenecientes a su obra “La biblioteca de la no historia”, que llevó el año pasado a la Bienal de Estambul, donde fue contactada por los especialistas de ARCO Madrid.

Ñew York, featuring works by young, outstanding Latin American and Spanish artists residing in New York City commemorates a long lost artistic exchange and recovers innovative communication channels between Latin American and Spanish plastic and visual artists. The exhibition incorporates New York City as the current setting where these creative forces re-encounter themselves.

The exhibition addresses mobility in an era of widespread displacement where barriers between the global and the local are broken down. Motion (mobility), Emotion (personal artistic work) and Promotion (promote and advance the careers of expat artists) are all addressed throughout the show.

The artists were selected based on their accomplishments, artistic careers and their approach to concepts of mobility, migration and cultural exchange, all intrinsic to a city where new ideas, experiences and diversity converge.

Curated by Paco Cano, Eva Mendoza Chandas and Jodie Dinapoli (all from Spain), Ñew York showcases the work of 19 artists from 10 countries from Latin America and Spain, all based in New York.  Abigail Lazkoz (Spain), Ada Bobonis (Puerto Rico), Alberto Borea (Peru), Antón Cabaleiro (Spain), Carlos Motta (Colombia), José Ruiz (Peru), Julieta Aranda (Mexico), Esperanza Mayobre (Venezuela), Dulce Pinzón (Mexico), Fernando Renes (Spain), Félix Fernández (Spain), Juanma Carrillo (Spain), Iván Navarro (Chile), Jessica Lagunas (Guatemala), Lluis Lleó (Spain), Manuela Viera-Gallo (Chile), Manuel Molina Martagón (Mexico), Sol Aramendi (Argentina), Nicky Enright (Ecuador).

Washington, EE.UU.
AMA ׀ Art Museum of the Americas

February 16 – May 20

Para darle a la temporada de verano aún más frescura, a partir de enero las latas de Coca-Cola Light se llenaron de colores; la fotógrafa argentina Andy Cherniavsky creó seis originales diseños que te invitan a “vivir más liviano”.

Diseñadores de la talla de Roberto Cavalli, Gianfranco Ferré, Nathalie Rykiel, Patricia Fiel o Karl Lagerfeld han sido los encargados de llenar de glamour a los envases de Coca-Cola Light en ocasiones anteriores. Las botellas y latas de esta popular bebida nacida en 1982 se han transformado, así, en preciados objetos de arte que consumidores de todos los rincones del mundo quieren coleccionar. “En Chile quisimos sumarnos a esta tendencia global de presentar colecciones limitadas con artistas de relevancia internacional y lo hicimos interviniendo las latas de Coca-Cola Light, que nos permiten mostrar el maravilloso trabajo de interpretación artística realizado por Andy Cherniavsky”, explica Carlos Romero, gerente de marketing de Coca-Cola de Chile. Así, no sólo representantes de la moda y del arte de latitudes lejanas han tenido el privilegio de llevar su trabajo a este soporte, sino también esta destacada fotógrafa argentina.

Son seis los diseños que componen esta serie de latas coleccionables. La invitación para Cherniavsky consistió en interpretar el slogan “Vivir + liviano” con el que Coca-Cola Light apuesta por la elección de una forma de vida más relajada, en la que la artista trató la cotidianeidad con más humor, sin tener que renunciar a aquello que queremos ser o hacer. “La visión de Andy de nuestra marca –reinterpretada en las obras que conforman la colección– es la mejor síntesis de lo que queremos transmitir. Estamos seguros de que necesitamos más imaginación y que vivir más liviano nos permite disfrutar de cada momento”, opina Romero.

Fecha: Del 8 al 11 de marzo

Lugar: Nueva York, Estados Unidos

Web: www.voltashow.com

In recent work, the New York-based artist Brendan Fernandes investigates the dilemmas and codes that language create through ethnicity and sub-culture, where language becomes codified and creates barriers that allow for understanding within specific groups and communities. He explores the way in which language is used to maintain imbalances of power within society, how it is altered with the processes of migration and history and the inadequacies of language to communicate.

For his first exhibition in India, Fernandes will present a recent video work entitled, Devil’s Noise which was conceived and produced during a residency at the prestigious German new media academy ZKM alongside a new set of neon wall sculptures. This body of work revolves around the student protest of 1976 in South Africa where student groups peacefully protested against the imposition of the Afrikaans language within the school system, effectively barring much of the population from participation. The protests ended up in a violent upraising when police opened fire on the students, causing riots in the city of Johannesburg. The artist is interested in the notion of silence as a mean of protest, where in contemporary South Africa many Black South Africans don’t speak Afrikaans as a means of acknowledging their history of oppression. The Devil’s Noise depicts a selection of close-up pictures of the artist’s face where he is making distinct facial gestures, synced with the sound of white noise. The edited sound begins to sound like an animalistic hiss or growl. The work is further punctuated by a running text across the mouth of the artist’s portrait, the text is a poem written by the artist that articulates the sentiment of the initial protest and uses phrases from protest signs held by the students. The wall works in neon show formations of the word ‘noise’ broken into strokes so that the word is never fully rendered. As they flash they form nonsensical patterns that look like hieroglyphics or codes. The pulsation of light acts a type of noise without sound.

New Delhi, India
Seven Art Limited
Until February 18

En su trabajo más reciente, el artista radicado en Nueva York, Brendan Fernandes, investiga los dilemas y los códigos que el lenguaje crea a través de la etnicidad y la sub-cultura, donde el lenguaje se codifica y crea barreras que permitan la comprensión dentro de grupos y comunidades específicas. Él explora la forma en que el lenguaje se utiliza para mantener los desequilibrios de poder dentro de la sociedad, cómo éste se altera con los procesos de migración y de la historia, y las insuficiencias del lenguaje para comunicarse.

Para su primera exposición en la India, Fernandes presentará una obra en video titulada El ruido del Diablo, que fue concebido y producido durante una residencia en la prestigiosa academia de nuevos medios ZKM (Alemania), junto a un nuevo conjunto de esculturas de neón. Este cuerpo de trabajo gira en torno a la protesta estudiantil de 1976 en Sudáfrica, donde grupos de estudiantes protestaron pacíficamente contra la imposición de la lengua afrikaans en el sistema escolar, excluyendo efectivamente a gran parte de la población de la participación. Las protestas terminaron en un alzamiento violento cuando la policía abrió fuego contra los estudiantes, causando disturbios en la ciudad de Johannesburgo.

El artista está interesado en la idea del silencio como medio de protesta, donde en la Sudáfrica contemporánea muchos sudafricanos negros no usan el afrikaans como un medio de conocer su historia de opresión. El ruido del diablo representa una selección de fotografías en primer plano del rostro de la artista donde está realizando distintos gestos faciales, sincronizadas con el sonido de ruido blanco. El sonido editado empieza a sonar como el siseo o gruñido de un animal. El trabajo es interrumpido por un texto que atraviesa la boca del retrato del artista; el texto es un poema escrito por él que articula el sentimiento de la protesta inicial y utiliza frases de las pancartas de protesta de los alumnos. Las luces de neón sobre la pared forman la palabra “ruido” quebrada en distintos pedazos, para que el concepto nunca se vea completamente. A medida que se forman los patrones de flash sin sentido que parecen jeroglíficos o códigos. La pulsación de la luz actúa como un tipo de ruido sin sonido.

Nueva Delhi, India
Seven Art Limited
Hasta el 18 de febrero

Las artistas Al Límite Pauline Cristi, Fernanda Saldivia, Sol Guillón, Claudia Parodi y Ximena Gumucio participarán de una exposición colectiva en Cachagua. “Paila Marina” es el nombre de esta muestra colectiva donde se exhibirá pintura, escultura en madera y en gres, y grabado.

Sala de exposiciones “Donde Simón”
Av. Cachagua 296
Cachagua

Hasta el 19 de febrero

Coincidiendo con la celebración de su 20 aniversario, el Museo ThyssenBornemisza pone en marcha una nueva actividad expositiva que, con el título genérico de , presentará periódicamente una instalación especial de algunas obras procedentes de sus colecciones. La intención es potenciar la idea de museo como lugar de conocimiento, dando la oportunidad al espectador de desarrollar un tipo de mirada pausada y reflexiva que pueda despertar nuevas interpretaciones.

Para inaugurar el ciclo, a partir de 7 de febrero y coincidiendo también con ARCO 2012 dedicado este año a los Países Bajos, la muestra Mondrian, De Stijl y la tradición artística holandesa propone un dialogo visual entre algunas obras de Piet Mondrian y de sus colegas del grupo neoplasticista De Stijl, Theo van Doesburg y Bart van der Leck, con una selección de pinturas del Siglo de Oro holandés de los fondos del Museo. Esta confrontación permitirá apreciar que, a pesar de la lejanía en el tiempo, existe una proximidad conceptual entre el arte de los miembros de De Stijl y la pintura holandesa del siglo XVII, compartiendo ciertos elementos comunes, como la equilibrada y armoniosa resolución de la composición pictórica o la tendencia a trabajar la superficie de la pintura como un plano pictórico frontal, bidimensional, organizado geométricamente.

La pintura holandesa del siglo XII constituye uno de los capítulos más significativos de la colección permanente; por otro lado, el Museo Thyssen es el único museo español que posee un conjunto de obras de Piet Mondrian y del grupo neoplasticista holandés. Tal y como expresaron en sus escritos teóricos – publicados en la revista De Stijl, fundada por Van Doesburg en 1917-, a pesar de su novedoso lenguaje, los pintores neoplasticistas veían su obra como la culminación del arte del pasado. El desafío de sus cuadros, el juego de planos y líneas sobre la superficie pictórica, no supuso una ruptura tan radical con la tradición; al ponerlos en relación con las pinturas de los artistas holandeses del siglo XVII en este nuevo montaje, cobrarán seguro un nuevo sentido para el espectador.

Madrid, España
Museo ThyssenBornemisza
Hasta el 6 de mayo

To coincide with the celebration of its 20th anniversary, the Museo ThyssenBornemisza is launching a new exhibition programme with the general title of “Overlapping gazes”, in which special installations of works from its own collections will be presented on a regular basis. The aim of this programme is to promote the concept of the museum as a place of knowledge, offering the viewer the opportunity to develop a slow and reflective gaze in order to bring about new interpretations.

Opening on 7 February and coinciding with ARCO 2012, for which the invited country is the Netherlands, the first exhibition in this series is entitled Mondrian, De Stijl and the Dutch artistic Tradition. It comprises a visual dialogue between works by Piet Mondrian and Theo van Doesburg and Bart van der Leck, his fellow artists of the De Stijl Neo-plasticist group, and a selection of Dutch Golden Age paintings from the Museum’s own collections. This juxtaposition will allow for an appreciation of the fact that despite the distance of centuries there is a conceptual relationship between the art of the De Stijl members and 17th century Dutch painting. Both are characterised by a balanced and harmonious resolution of the pictorial composition and by a tendency to approach the pictorial surface as a frontal, two-dimensional plane that is organised geometrically.

17th-century Dutch paintings constitute one of the most important areas within the Permanent Collection. In addition, the Museo ThyssenBornemisza is the only Spanish museum to possess a group of works by Piet Mondrian and the Dutch Neo-plasticist group. As they indicated in their theoretical texts (published in the magazine De Stijlthat Van Doesburg founded in 1917), despite their innovative visual idiom, the Neo-plasticist painters saw their work as the culmination of the art of the past. The challenging nature of their paintings and the interplay of planes and lines on the pictorial surface did not in fact imply such a radical break with tradition. By relating them to works by 17th-century Dutch artists in this new installation, they will undoubtedly take on new meaning for the spectator.

Madrid, Spain
Museo ThyssenBornemisza
Until May 6

Come back to the war is the first solo exhibiton in Germany by Lebanese-American artist Annabel Daou. In her work, Daou explores the intersections of language, culture and our present political reality. Working primarily on handmade paper, her writing and markings form conceptual maps that do not encompass geographical areas but create borders and spaces that escape topographical distinctions. Daou physically intervenes on and reconfigures the surfaces of her works by tearing up and repairing the paperscapes with gesso and tape. Daou’s writing functions as the link between the individual pieces, often using the form of English text transliterated phonetically into Arabic.

Come back to the war: human beings appear driven to past events, to “come back” to places or situations that are often those of struggle. The title of the exhibition refers to the engagement with and attraction towards conflict, may it be a political conflict, a conflict between people and situations or even between the artist, viewer and the work itself. In pieces such as The lines are drawn (2011) and The fight is fixed (2011) the titles play between their literal meanings and the visual or conceptual possibilities opened by language. In no man’s land (2011), Daou explores the void between the written word and the act of writing, using a red quill to inscribe the surface of the paper while blowing the ink away at the same time.

From where to where (2010) is one of the central pieces of the exhibition. It is a project that was completed over a period of two months spent between New York and Beirut—Daou’s first trip back to Lebanon after leaving her home country. It is composed out of the English and Arabic responses of strangers encountered during the travel to whom the questions were posed Where are you now? Where are you coming from? and Where are you going to? The title of the piece From where to where is a literal translation of an Arabic expression that idiomatically translates as “how dare you?” This question frames the work as an inquiry into the sense in which identity is asserted, undermined, and/or reconstructed through the ongoing exchange between location and state of mind.

This work was exhibited as the U.S. entry for the 12th Annual Cairo Biennale, which opened two weeks before the outbreak of the January Revolution. It remained at the Palace of Arts in Cairo throughout the uprising. During wartime, hotels often serve as a locale for journalists and people in transit to “wait out” violent or disruptive activity, much as this work was made to do. Insofar as this work was about attesting to Daou’s own presence during a journey from her present home to her past one, it’s repeated refrain “I’m here, I’m here” unexpectedly came to echo the protestors of Tahrir Square, who were attesting, first and foremost, to their presence. From where to where was honoured by the Cairo Biennale with the Biennale Award in 2011.

Annabel Daou was born and raised in Beirut, Lebanon, and moved to New York in 1999. Her recent exhibitions include: 12th Cairo Biennale (representing the U.S.), On the Mark: Contemporary Works on Paper, The Baltimore Museum of Art, Baltimore (2010); Close Encounters 2, The Nathan Cummings Foundation, New Yorkn (2010); Political / Minimal, Kunstwerke, Berlin/Muzeum Sztuki w Lodzi, Lodz, Poland (2008/2009); knot , David Winton Bell Gallery, Brown University, Providence; New York New Drawings 1946-2007 , Museo de Arte Contemporaneo Esteban Vicente, Segovia, Spain (2009); Democracy in America, The Park Avenue Armory, New York (2008)

Berlin, Germany
Galerie Tanja Wagner
Until March 3

Son 5 días donde Madrid verá pasar tres ferias y una serie de actividades que se tomarán la capital española. La invitación está hecha para que coleccionistas, galeristas, artistas y público disfruten y conozcan lo mejor del arte contemporáneo.

Por Yuriko Takahashi, periodista

ART MADRID
En su séptima versión esta feria, que cuenta con la mayor cantidad de galerías españolas en relación al resto, trae este año una serie de novedades que apuntan a fomentar el trabajo de artistas emergentes.
Con 58 galerías y 77 espacios expositivos, ArtMadrid presentará el tradicional Programa General que da a conocer las vanguardias históricas, arte moderno y contemporáneo. Por otra parte, con el fin de fomentar y consolidar el arte joven, esta feria dispone desde el año pasado del programa Young art.
Para poner aún más acento al arte joven, este año ArtMadrid trae dos novedades. Una será el One Proyect que intenta fomentar los trabajos más nuevos y radicales, así como la presencia de nuevos medios y soportes no convencionales. Además la feria presentará la Art Edition un espacio para que galerías y publicaciones editoriales de arte contemporáneo puedan exhibir el trabajo gráfico que realizan. Arte Al Límite es la única publicación latinoamericana presente en esta feria.
Lugar: Pabellón de Cristal de la Casa de Campo de Madrid.
Fecha: Desde el 16 al 19 de febrero.

ARCOMADRID
Más de 200 galerías serán parte de la 31ª Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid 2012. Una de las grandes novedades de este año será el “Artista destacado”, donde cada una de las galerías participantes selecciona a un artista por stand, presentando su obra de manera más destacada. Una publicación disponible en la feria reunirá toda la información sobre estos exponentes.
Además, por primera vez se organizará un encuentro entre museos europeos y latinoamericanos con el fin de promover el intercambio de proyectos entre ellos. “Solo Objects” también es una iniciativa nueva que busca que obras de gran formato, de artistas europeos y latinoamericanos, salgan de los stands de sus galerías y se apropien de diferentes espacios de esta feria para así focalizar la atención del público. La artista chilena Voluspa Jarpa será la única chilena participante con “Minimal Secret”, inspirada en la desclasificación de archivos estadounidenses. ARCOmadrid pretende ser un espacio de reunión e interacción, es por eso que este 2012 propone After ARCO una instancia donde se presentarán actividades en diferentes espacios de Madrid (instalaciones en espacios públicos, conciertos de música pop, sesiones de DJ’s, entre otros).
Lugar: Pabellones 8 y 10 de la Feria de Madrid.
Fecha: Del 15 al 19 de febrero.

JUSTMAD
Esta feria invita al público a presenciar propuestas innovadoras y en esta tercera versión JUSTMAD busca consolidarse como la principal feria española dedicada al arte contemporáneo emergente. Este año se presentarán cerca de 60 expositores tanto españoles como internacionales entre los que se encuentra Colombia, Italia, Líbano, Rusia entre otros.
Algunas novedades para esta edición son dos nuevos espacios Forever Tonight y Publishers’ Corner. En el primero se presentará una serie de propuestas artísticas basadas en el tiempo y que ocuparán algunas habitaciones del hotel. Video e instalaciones sonoras serán parte de este programa. El segundo estará dedicado a la edición de arte agrupando editores de toda Europa y del resto del mundo –editores de libros, de obras gráficas, revistas, galerías, publicaciones periódicas, entre otras– con el fin de que se reúnan e interactúen.
Además por segunda vez estará Producers’ Desk, espacio dedicado a la educación en el arte contemporáneo y a los “productores” donde se invita a investigadores y mediadores que trabajan entorno a lo académico y experimental para que se genere un diálogo entre ellos.
Lugar: Hotel Silken Puerta América, Madrid.
Fecha: 16 al 19 de febrero.

Los temas de la historia y la identidad son fundamentales en el trabajo de Matthias Bitzer. Las vidas de los personajes históricos que inspiran el artista se toman como punto de partida para su reflexión; el artista reconstruye su biografía a través de diversos medios. Los distintos medios se llevan a un campo narrativo rico en referencias que están relacionados entre sí. En sus instalaciones aparecen dicotomías: lo visible y lo oculto, lo figurativo y lo abstracto, lo racional y lo emocional.

Para esta exposición, el artista mostrará una nueva instalación que incorpora pinturas sobre tela, collages, dibujos y esculturas amorfas. Además, la galería ha publicado un catálogo monográfico acerca de la muestra.

Matthias Bitzer nace en 1975 en Stuttgart. Vive y trabaja en Berlín. Exposiciones individuales se han dedicado a su trabajo en el Kunstverein de Hannover, Alemania (2010) y en la Städtische Galerie Nordhorn, Alemania (2007). En MARTHa Herford Alemania, (2009 y 2010) se exhibió una instalación in situ y, en la Rosenblum Collection de París está expuesta una visión general de su arte.

Bruselas, Bélgica
Almine Rech Gallery
Hasta el 1 de marzo

The themes of history and identity are central to Matthias Bitzer’s work. The lives of historical figures that inspire the artist are taken as the starting point for his reflection ; the artist reconstructs their biography through diverse means. The different media are brought into a narrative field rich in references and are interrelated. In his installations dichotomies appear : the visible and the hidden, the figurative and the abstract, the rational and the emotional.

For this exhibition, the artist will show a new installation that incorporates paintings on canvas, collages, drawings and amorphous sculptures.

A monographic catalog will be published by the gallery on the occasion of the exhibition.

Matthias Bitzer is born in 1975 in Stuttgart, he lives and works in Berlin.
Solo exhibitions have been dedicated to his work in Kunstverein Hannover, Germany (2010) and in Städtische Galerie Nordhorn, Germany (2007). An in situ installation has been displayed at MARTHa Herford, Germany, (2009 and 2010). An overview of his art is currently exhibited at the Rosenblum Collection in Paris.

Brussels, Belgium
Almine Rech Gallery
Until March 1

Diez parejas de artistas chilenos entre las que destacan Gracia Barrios y José Balmes, Yto Aranda y Omar Gatica, Klaudia Kemper y Mario Lagos, Víctor Mahana y Geraldine Mac Kinnon, estarán presentes en esta exposición que contiene más de 20 obras actuales y que pretende reunir a destacados exponentes del arte a partir de diversas propuestas y lenguajes; desde el informalismo con signos políticos hasta trabajos postmodernos.

Galería Artium
Alonso de Córdova 3102
Vitacura

Hasta el 29 de febrero

Following Precipitados, Pablo Genovés’ first individual show in the Galería Pilar Serra, we now present Cronología del ruido, an exhibition in which he returns to his particular process of re-signification of symbolic spaces of western culture from the combination of media and signs, and his liking for contrast and the unexpected.

“Is renovation possible when catastrophe rises up before us as the natural and eternal state of things? In the images of Pablo Genovés, destruction transgresses the laws of time and establishes its own chronology. The symbols and fictions of our culture apparently succumb in the face of the irruption of the untameable: mechanical natures, monumental in their disproportion and now out of all control.
But hiding behind this aggression is a secret pact of compromise. The pre-existing and its end are offered each aware of the other, in the warmth of a historical intimacy. In this Cronología del ruido, the spaces of representation – museums, theatres or churches – are revealed as enormous apparatuses of engineering: machines for the generation of myths which when cracked show their steel innards.
In his images, Genovés locates our myths and values in an arc of time and he tenses them to their limit, up to the moment immediately prior to tearing, necessary for the percussion. Like the metal which, when struck, faithfully reproduces a noise of storm.”
Lucía Carballal

In this text the writer Lucía Carballal highlights the powerful complexity of the work of Pablo Genovés. A work full of changes and of times. Historical, chronological and climatic times that are intermixed and superimposed in an alchemical way in order to construct an “other” significance of reality, beyond the appearance, which seeks to expose the unequivocal identity of certain symbols: past and present. So, palaces, libraries or cathedrals, reflections respectively of the power, knowledge and religion of an epoch, are violently invaded by outside elements, which modify and pervert them – we do not know whether perpetually – in a suspended moment – the one portrayed by Genovés – the end and start of something, which suppurates the silence that precedes and follows the great catastrophes. And in all this the viewer plays a central role, witnessing these synergies of other worlds from a privileged place; and who, located in the middle of this “stage”, becomes the protagonist and obligatory performer of a new knowledge in this start of an era.

Exhibited throughout Spain, the work of Pablo Genovés has also been shown (individually and collectively) in France, Germany, England, Argentina, Brazil and the USA. His photographs form part of such major national and international collections as the Coca-Cola Foundation, Circa XX,
Banco Spirito Santo, Patio Herreriano, CAC Málaga, the Solidarity Museum in Santiago de Chile, etc.

Madrid, Spain
Galería Pilar Serra
Until March 17

Tras Precipitados, primera individual de Pablo Genovés en la galería Pilar Serra, se presenta ahora Cronología del ruido, exposición en la que retoma su particular proceso de resignificación de espac ios simbólicos de la cultura occidental desde la combinación de medios y signos, y del gusto por el contraste y lo inesperado.

“¿Es posible la renovación, cuando la catástrofe se erige ante nosotros como el estado natural y eterno de las cosas? En las imágenes de Pablo Genovés, la destrucción transgrede las leyes del tiempo y establece su propia cronología. Los símbolos y ficciones de nuestra cultura sucumben aparentemente ante la irrupción de lo indomable: naturalezas mecánicas, monumentales en su desmesura y ya fuera de todo control. Pero tras esta agresión se esconde un pacto secreto de avenencia. Lo preexistente y su final se ofrecen conscientes el uno al otro, al calor de una intimidad histórica. En esta Cronología del ruido, los espacios de representación –museos, teatros o iglesias– se revelan como enormes aparatos de ingeniería: maquinarias de generación de mitos que al resquebrajarse muestran sus tripas de acero. En sus imágenes, Genovés ubica nuestros mitos y valores en un arco de tiempo y los tensiona hasta su límite, hasta el momento inmediatamente anterior al desgarro, necesario para la percusión. Como el metal que, al ser golpeado, reproduce fielmente un ruido de tormenta”.
Lucia Carballal

En este texto de la escritora Lucía Carballal se pone de manifiesto la fuerte complejidad de la obra de Pablo Genovés. Un trabajo lleno de cambios y de tiempos. Tiempos históricos, cronológicos y climáticos que se entremezclan y sobreponen de una forma alquímica para construir un significado “otro” de la realidad, más allá de la apariencia, que pretende desenmascarar la unívoca identidad de ciertos símbolos: pasados y presentes. Así, palacios, bibliotecas o catedrales, reflejos respectivamente del poder, el saber y la religión de una época, son invadidos violentamente por elementos ajenos, que los modifican y pervierten –no sabemos si de forma perpetua– en un momento suspendido –el que retrata Genovés–, fin e inicio de algo, que supura el silencio que precede y sigue a las grandes catástrofes. Y en todo ello juega un papel central el espectador, que presencia desde un lugar privilegiado estas sinergias de otros mundos; y que, situado en el medio de este “escenario”, se convierte en el protagonista e intérprete obligatorio de un nuevo saber en este comienzo de era.

Expuesta en toda España, la obra de Pablo Genovés ha sido además presentada (individual y colectivamente) en Francia, Alemania, Inglaterra, Argentina, Brasil y EEUU. Sus fotografías forman parte de colecciones nacionales e internacionales tan relevantes como la Fundación CocaCola, Circa XX, Banco Spirito Santo, Patio Herreriano, CAC Málaga, Museo de la solidaridad Santiago de Chile, etc.

Madrid, España
Galería Pilar Serra
Hasta el 17 de marzo

Antoni Tàpies. 60′s & 70′s features a selection of works made in the two decades spanning the sixties and seventies by the master of Spanish informalismo and one of the truly seminal names in contemporary art in Europe. The exhibition includes large-format mixed media works on various supports from this decisive phase in the artist’s production.

Casting a backwards gaze over the career of Antoni Tàpies (Barcelona, 1923), one readily detects a sense of unity running through his whole body of work, right up until the present moment. As he himself maintains, it was in the late 1950s when he started to find his stride as a mature artist. As he mined the possibilities of this adopted vernacular, Tàpies’ signature style gelled in the 1960s and 70s, the two key decades under the spotlight in the exhibition at Galería Elvira González.

At the end of the 1950s and throughout the following decade Tàpies started to play with texture, creating his acclaimed “matter-based” works, coupling this exploration of texture with new iconographic motifs, graphemes, footprints and the prints of his own hands on the canvas.

Tàpies co-opted everyday objects and inserted them in his paintings, transmuting them in the process into something else. Akin to an alchemist, Tàpies took perishable, lowly materials and imbued them with new life within the work, conferring them a hitherto unknown permanence and nobility. This fondness for transformation was clearly influenced by Zen, a philosophy the artist was conversant with and which taught him how to lend new meaning to disregarded and overlooked materials. Tàpies’ new treatment of materials also coincides in time with the expansion of arte povera in Europe, and post-minimalism and conceptualism in the USA.

In his work from the 1960s and 70s we perceive not only an assuredness in the handling of the form, but also an ideological shift. From the mid 60s well into the 70s, the final years of Franco’s regime, his work took on a decidedly political slant.

In the seventies his painting transmuted into a truly three-dimensional work and he began to construct and manipulate objects, exploring the limits of their plasticity.

Madrid, Spain
Elvira González Gallery
Until March 3

Antoni Tàpies. Años 60 y 70 recoge una selección de obras realizadas en las décadas de los sesenta y los setenta por el maestro del informalismo español, uno de los nombres imprescindibles del arte contemporáneo español. La exposición incluirá piezas representativas de esta etapa del artista, en gran formato sobre diferentes soportes realizadas en técnica mixta.

La evolución de la obra de Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) se ha mostrado, ante todo, coherente a lo largo de su carrera y hasta nuestros días. Pero sin duda, como él mismo ha afirmado, es a finales de los cincuenta cuando comienza su recorrido como un artista verdaderamente maduro. Durante la década de 1960 y 1970 su estilo se afianza y se produce la evolución más interesante, que da lugar a las obras más características de Tàpies.

Así, es durante los años sesenta cuando el interés por experimentar con la textura de la obra da lugar a lo que se ha venido a llamar “materias”. Aparecen nuevos motivos iconográficos, signos de escritura, huellas de pisadas, marcas de la mano del artista en la tela.

En las obras de estos años comienza a insertar objetos de la realidad exterior al cuadro que, transformados por la mano del artista, cambian su naturaleza. Tàpies trabaja como un alquimista que es capaz de transformar materiales perecederos e innobles en permanentes y nobles a través de su nueva vida dentro de la obra. Este interés en las transformaciones están influenciadas por la filosofía Zen, que el artista conoce bien, y con la que aprendió a dotar de nueva significación a materiales despreciados e insignificantes. Este nuevo tratamiento de los materiales de Tàpies coincide el periodo con la expansión del arte Povera en Europa, postminimal y conceptual en EEUU.

En la obra de las décadas de 1960 y 1970 no solo se produce una madurez en el tratamiento plástico de la forma, si no también ideológica. Desde mediados de los años 60 y los años setenta su obra adquiere un carácter fuertemente político, coincidiendo con el último tramo del franquismo.

Es en los sesenta cuando el cuadro se convierte para él en una obra verdaderamente tridimensional y comienza a construir objetos. El creador catalán investiga y busca las características plásticas de los objetos mediante la manipulación por parte del artista.

Madrid, España
Galería Elvira González
Hasta el 3 de marzo

A propósito de la exitosa exposición “Matta Centenario 11.11.11”, que celebra los 100 años del nacimiento de Roberto Matta, la Cineteca Nacional del Centro Cultural Palacio La Moneda exhibe un ciclo de cine gratuito en torno a su figura y obra.

Durante todo febrero se ofrecen documentales, entrevistas, videos experimentales y videos 3D que abordan distintos ámbitos de la vida y creación del artista, entre ellos destaca el documental Intimatta (2011), realizado por su hijo Ramuntcho y “El Último Gol de Matta” (2008), cinta que revela cómo se rescató el mural pintado por Matta y la Brigada Ramona Parra bajo el gobierno de Allende.

Programa
TODOS LO DÍAS – 14:00 HORAS / Matta en 3D – Fango original (Eduardo Araya, Chile, 2011, 11min)
DOMINGOS – 16:00 HORAS / Intimatta (Ramuntcho Matta, 2011, 63min)
SÁBADOS – 18:15 HORAS / La Casa de la Mirada (Manuel Basoalto, 4min) Y
LUNES 6, 13 Y 20 DE FEBRERO– 16:00 HORAS / El paisaje del ser (UCV, conducido por Gaspar Galaz, 37 min) Y Puerta a otra dimensión (Hugo Arévalo, 1996, 60 min)
SÁBADOS – 16: HORAS / El último gol de Matta (TVN, Chile, 2008, 57 min)
DOMINGOS – 18:15 HORAS / Matta, un siglo d’ Mente (Pablo Basulto, Chile, 2000, 63 min)

Sala Microcine Centro Cultural Palacio La Moneda
Nivel -2
Plaza de la Ciudadanía nº 26

Todos los días de febrero

Florian Heinke. “Kein Gott und seine Kinder”

Florian Heinke reduce consistentemente su gama de colores exclusivamente al negro, que aplica directamente sobre la tela, con el fin de utilizarlo como un medio radical de su pintura, que él llama Pop Negro. Imágenes en movimiento provenientes de los medios de comunicación como Internet, revistas y periódicos, sus propias fotos y montajes se congelan en monumentos increíbles, como un comentario en torno al fenómeno de la falta de discurso.

Natalie Czech. “Et moi aussi je suis peintre oder Why I am not a painter”

“Yo también soy pintora o ¿por qué no soy pintora?” de la misma manera en que Natalie Czech une a los dos títulos de Guillaume Apollinaire y Frank O’Hara en una afirmación contradictoria, ella también vincula la poesía y en arte en una interacción mutua, investigando la permeabilidad de la frontera entre los géneros. Es la primera vez que en la región de Rin se monta una exhibición completa de la obra de la artista, que abarca desde 2009 a 2012.

Jordan Wolfson / “Con Leche”

Jordan Wolfson elimina imágenes icónicas y objetos de los medios de comunicación y la cultura pop de su contexto, y les vuelve a dar vida como dibujos animados. La animación está acompañada por una banda sonora compuesta de partes y piezas sacadas de internet, con sonidos distorsionados por propio artista.

Wiesbaden, Alemania
NKV Wiesbaden
Hasta el 3 de marzo

Florian Heinke. “Kein Gott und seine Kinder”

Consistently Florian Heinke reduces his colour range exclusively to black, which he applies directly on to nettle cloth, in order to use it as a radical medium for his painting, which he calls Black Pop. Pictures from the fast-moving media, like the Internet, magazines and newspapers, his own photos and montages are frozen to incredible monuments, as an arousing comment on the phenomenon of speechlessness.

Natalie Czech. “Et moi aussi je suis peintre oder Why I am not a painter”

‘Me too, I am a painter or Why I am not a painter’- Just like Natalie Czech links the two titles of Guillaume Apollinaire and Frank O’Hara to a contradictory statement, she also links in mutual interaction poetry and art, investigating the permeability of the border between the genres. For the first time in the Rhine Main Area a comprehensive presentation of her work covering the years 2009 to 2012 is on display.

Jordan Wolfson /  ”Con Leche”

Jordan Wolfson removes iconic pictures and objects of the mass media and pop culture from their context, re-animating them into a cartoon animation. The animation is accompanied by a soundtrack composed of bits and pieces of the internet, distorted by the directions of the artist himself.

Wiesbaden, Germany
NKV Wiesbaden
Until March 3

Como una forma de apoyar el arte nacional, y al mismo tiempo otorgarle un atributo diferenciador de la cultura chilena a los relojes G-Shock que usarían sus embajadores en Chile, Casio creó una edición limitada, cuyo diseño fue ideado por el grafitero y skater nacional Martín “Cucho” Avendaño. Los modelos, a estas alturas verdaderas piezas de colección para los fanáticos de los deportes extremos, están en exhibición en los G-Factory (puntos de ventas especializados para la venta de relojes G-Shock y Baby-G) de Mall Alto Las Condes y Florida Center y en las relojerías 12:34 de Mall Plaza Vespucio, Norte y Oeste.

“Busqué en las raíces de nuestro país, específicamente en la cultura indígena, y utilicé iconografía mapuche para respetar a los antepasados de nuestro pueblo, mezclándolo con toques de grafiti y cultura callejera. Durante mi carrera he diseñado variados artículos como zapatillas, tablas de skate y ropa de todo tipo, pero este es mi primer diseño de un reloj y el resultado me tiene muy contento”, señala Martín “Cucho” Avendaño, joven artista visual que ha conquistado un importante lugar entre los fanáticos de los deportes urbanos, mezclando sus dos pasiones: el skate y el grafiti, ya sea sobre tela o sobre las patinetas, que lo han llevado a exponer en varias galerías de Santiago. “Ambas cosas son parecidas, de hecho me producen la misma especie de satisfacción”, añade el también embajador de G-Shock en Chile.

Junto con el “Cucho” como es conocido en la movida urbana; el skater Spiro Razis; el surfista, Guillermo Satt; y el deportista BMX, Cristián Orellana, lucen en sus muñecas estas originales creaciones.

Tras cumplir una exitosa trayectoria y gestión como director del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) durante 18 años (1993 al 2011), Milan Ivelic a partir de hoy será parte del directorio de Fundación Itaú.

De esta manera, el directorio de Fundación Itaú quedó conformado por Boris Buvinic, presidente; Víctor Orellana, vicepresidente; Milan Ivelic, Ricardo Marino, Patricia Villela, Milú Villela y Sonia Cárdenas, directores.

Referente cultural

El ex director de MNBA es un referente obligado en el mundo de la cultura en Chile. Es post-grado en Filosofía e Historia del Arte de la U. de Lovaina (Bélgica), profesor titular de Teoría e Historia del Arte en el Instituto de Estética de la P. Universidad Católica de Chile. Ha sido integrante del Comité Asesor de la Dirección de Cultura del Ministerio de Relaciones Exteriores y fue invitado por la ex Presidenta Bachelet a formar parte del Comité Bicentenario. También ha destacado por su contribución literaria siendo autor de diversos artículos y publicaciones de arte chileno, tales como “Chile, arte actual”, (con Gaspar Galaz). Además ha participado como conferencista en numerosos seminarios y encuentros sobre arte y gestión cultural.

Galería Blanc se suma a la nueva iniciativa de Agrupación Cultural de Santo Domingo. En conjunto con la Ilustre Municipalidad de Santo Domingo y la embajada invitada de República de Indonesia, Galería Blanc participará de la décima octava versión de la Expo Verano 2012. Esta muestra tiene el objetivo de generar un encuentro cultural en la quinta región para la familia, estudiantes, turistas y público en general que visitan el balneario Rocas de Santo Domingo.

Las obras que se podrán encontrar corresponden a destacados artistas entre los que se encuentran Carmen Aldunate, Ernesto Barreda, Claudia Canobra, Fernando Cifuentes Soro, Alfredo Echazarreta, José María Ibáñez, Benjamín Lira, Claudia Parodi, Matías Vergara y Roberto Matta. A ellos se suman Carolina García-Huidobro, Isabel Morandé, Andrés Peñaloza y Fernanda Saldivia como artistas invitados.

Colegio Santo Domingo Helen Lee Lassen

Avenida El Golf Sin Número (contiguo a la Parroquia)

Santo Domingo

Del 28 de enero al 12 de febrero

Desde el 13 de enero se presenta, por primera vez en España, el colectivo de artistas estadounidenses Hillerbrand+Magsamen en la exposición individual “Family Politics”.

Los videos, fotografías, e instalaciones de Hillerbrand+Magsamen reinterpretan a la gente, sus acciones, y los objetos de su vida cotidiana, y se mueven en el filo de lo heroico y lo trágico. Navegan por las percepciones de identidad, emociones y familia desde una subjetividad típicamente norteamericana que curiosamente es perfectamente aplicable a cualquier otro hogar de nuestro mundo globalizado.

Su visión de la vida diaria de la familia de clase media es a la vez atrevida y reveladora:
“Nuestros proyectos de video experimental exploran las actividades diarias y las contradicciones en la vida de la familia suburbana. Utilizamos nuestra propia familia y nuestro hogar para crear los personajes y los escenarios con objeto de investigar las percepciones de la familia americana estándar sobre las emociones, interacciones, el consumerismo y los medios. ¿Podemos simultáneamente ser felices y desgraciados con nuestras vidas, amar y odiar nuestras posesiones materiales, sentir amor y odio por nuestra familia? Como artistas queremos cuestionar nuestras propias vidas y nuestra capacidad de resistencia. En eso reside nuestra fortaleza, en admitir la ambivalencia y la contradicción, y en cuestionar con valentía la vida, y a pesar de ello perseverar y continuar.”

En esta exposición se presentan un conjunto de cinco videos que proporcionan una visión de conjunto muy completa sobre el trabajo de Hillerbrand+Magsamen. Ellos han expuesto anteriormente en festivales de cine, galerías y museos a nivel internacional, incluyendo el Ann Arbor Film Festival, Stuttgarter Filmwinter, y el Houston Center for Photography. Asimismo les han sido concedidos un número de residencias y becas en relevantes centros de arte de EE.UU.

Madrid, España
Cámara Oscura Galería de Arte
Hasta el 25 de febrero

From January 13, the American artist collective Hillerbrand+Magsamen is presenting its first solo exhibition in Spain,  “Family Politics”.

Hillerbrand+Magsamen’s videos, photographs and installations reinterpret the people, activities and objects of their everyday life and engage the edge between the heroic and tragic. They navigate perceptions of identity, emotion and family within a uniquely American subjectivity that curiously also applies to any household in this globalized world.

Their vision of the ordinary life of a middle-class family is both enlightening and daring:
“Our experimental video projects explore our relationship, family and everyday activities reflecting about the contradictions of suburban family life. We use our own family and home for the characters and set to playfully and poetically explore perceptions of the contemporary American family’s emotions, interactions, consumerism and media. Can we be simultaneously happy and sad with our lives, like and dislike our material possessions, feel love and hate for our family? As artists we are willing to question our own lives and the endurance within. That is the real strength, to admit the ambivalence and contradiction, to bravely question life, and then go on and recommit, in spite of it.”

On this exhibition we will present a complete set of five videoworks that will provide a full picture of Hillerbrand+Magsamen’s body of work. They have exhibited in film festivals, galleries and museums internationally including Ann Arbor Film Festival, Stuttgarter Filmwinter, and Houston Center for Photography. They have also been awarded residencies as well as grants in major art centres in the USA.

Madrid, Spain
Camara Oscura Galeria de Arte
Until February 25

Baudoin Lebon Gallery begins 2012 with a dual exposure approach. Two contemporary classics of photography depict their ideas about the skin and the body through contemporary photography. Profils de peau is the title of the exhibition that brings together the works of Peter Knapp and Rafael Navarro, two looks and two sensitivities around photography and black and white body.

Peter Knapp, a Swiss living in Paris since 1952, began as a painter, and from 1959 he began a fashion photographer. Today Knapp is one of the most renowned fashion photographers worldwide. His curiosity and continuous development has led him to exhibit alongside artists of all kinds, going from fashion to art photography and even video.

Rafael Navarro, a Spanish photographer who personifies the evolution of classical photography to a new vision of photography as an autonomous art, is one of the leading photographers of his generation in Europe. He is clearly linked to art photograph, which is what he dedicates to exclusively. The two lines of work that he has developed over his long career have been the creation of a subjective abstraction and the study of the nude body as a place, a landscape, an isolated world, lost in thought.

This is the issue of the exhibition where both Navarro and Knapp bring their unique sensibilities and their different ways of approaching the body, the skin as physical surface, and the naked as a sign of identity.

Paris, France
Galerie Baudoin Lebon
Until February 11

La galería Baudoin Lebon inicia el año 2012 con un planteamiento de exposición dual. Dos clásicos contemporáneos de la fotografía sirven para realizar un planteamiento de la piel, del cuerpo, en la fotografía contemporánea. Profils de peau es el título de la muestra que reúne los trabajos de Peter Knapp y de Rafael Navarro, dos miradas y dos sensibilidades en torno a la fotografía y al cuerpo en blanco y negro.

Peter Knapp, suizo residente en París desde 1952, se inicia como pintor, transformándose a partir de 1959 en fotógrafo de moda, siendo hoy en día uno de los fotógrafos de moda más reconocidos mundialmente. Su curiosidad y continuo desarrollo le ha llevado a exponer junto a artistas de todo tipo, pasar de la moda a la fotografía artística e incluso al vídeo.

Rafael Navarro, fotógrafo español que personifica la evolución de la fotografía clasicista a una nueva mirada autónoma de la fotografía como arte, es uno de los más destacados fotógrafos de su generación en Europa. Claramente vinculado a la fotografía de artista, a la que se ha dedicado en exclusividad. Las dos líneas de trabajo que ha desarrollado a través de su larga trayectoria han sido el desarrollo de una abstracción subjetiva y el estudio del cuerpo y del desnudo como un lugar, un paisaje, un mundo aislado, ensimismado.

Es este el tema de la exposición al que tanto Navarro como Knapp aportan sus peculiares sensibilidades y sus diferentes formas de aproximarse al cuerpo, a la piel como superficie física, al desnudo como seña de identidad.

París, Francia
Galerie Baudoin Lebon
Hasta el 11 de febrero

“Made in NY” es el nombre de la exposición que mostrará instalación, fotografía, pintura y otras disciplinas en la Galería Artespacio a través de los trabajos de Pablo Jansana, María José Durán, María Ignacia Edwards, Elisa García de la Huerta, Federico Infante y Sebastián Vargas. Esta exposición da a conocer la experiencia de cada uno de ellos respecto a vivir en Nueva York y crear sus obras de arte en ese lugar.

Galería Artespacio
Alonso de Córdova 2600
Vitacura

Hasta el 1 de marzo

Philipp Fröhlich presents his third solo exhibition at the Galería Soledad Lorenzo, Madrid, consisting in a selection of paintings completed over the past two years. Once again, he offers fragmented landscapes and uncompleted stories in which something is likely to have happened or is about to occur. Through the application of the same process of creation in which he first imagines a scenography for a certain incident then builds a model and finally translates it onto a canvas, he provides us with scenes charged with mystery. In fact, Fröhlich uses that process in each of the 18 pieces of tempera on paper, as well; from the imagination to the model and then from the model to the paper. The difference from the canvases is in his point of view: both interiors and exteriors (a restroom, escalators, the entrance to an underground, a street and two houses) are observed from diverse perspectives, which show a deliberate and conscious way of approach.

The title of the show in itself is an invocation of Remote Viewing, the ability that allows the perception of extrasensory information, in this case through faltering scenes where the absence of humanity sets free all the suspense and mystery that emanates from every piece of his work. Unfinished stories, half unveiled, that built on a moving representation of the intrigue.

Additionally, in a number of these paintings, some element blocks the sight making the observation of the entire scene impossible, delegating the responsibility to the spectator to act as a witness. The complexity of the paintings lies in the technique of the artist: a slow process of painting temperas on canvas and paper. Either way, the work of Philipp Fröhlich can be characterised by the representation of empty landscapes and mysterious scenes that gain their artificiality by means of creating a scenography and an amazing use of light that results in moving atmospheres full of tension.

In the end, Remote Viewing is a reflection on the power of imagination in the service of painting.

By Tania Pardo.

Philipp Fröhlich, (born in Schweinfurt 1975, lives and works in Madrid).
In addition to his previous two solo shows at the Galería Soledad Lorenzo, he has had individual exhibitions at the Laboratorio987, MUSAC, Leon and Centro de Arte Joven, Comunidad de Madrid and collective exhibitions at MMOMA, (Moscow, Russia), MUSAC (Leon, Spain), Museo Patio Herreriano (Valladolid, Spain), Fundación Coca- Cola, DA2 (Salamanca, Spain), Museo de Arte Moderno y Contemporaneo (Santander, Spain), Colección Antonio Fernández Villalba, Centro de Arte Dos de Mayo, (Madrid, Spain) and Baluarte (Pamplona, Spain).

Madrid, Spain
Galería Soledad Lorenzo
Hasta el 25 de febrero

Philipp Fröhlich presenta la tercera exposición individual en la galería Soledad Lorenzo titulada Remote Viewing, una selección de pinturas realizadas en los dos últimos años, en las que vuelve a mostrar paisajes fragmentados, historias inacabadas donde parece que algo ha sucedido o está a punto de ocurrir. Una vez más, y continuando con su sistema de trabajo consistente en imaginar el escenario de un suceso, construir una maqueta y el resultado trasladarlo al lienzo, nos vuelve a ofrecer escenas cargadas de misterio. De hecho, en el conjunto de las dieciocho témperas sobre papel, Fröhlich utiliza el mismo procedimiento: de la imaginación a la maqueta y de la maqueta al papel. Pero esta vez, estos escenarios tanto de interior – un cuarto de baño, unas escaleras mecánicas, etc.-, como de exterior -la entrada a un subterráneo, una calle, dos casas- son estudiados desde distintos puntos de vista, evidenciando un pausado y reflexivo proceso en la forma de abordarlos.

De hecho el propio título de la muestra, Remote Viewing, es en sí mismo una invitación a la clarividencia como el poder de percepción que permite captar información extrasensorial, en este caso, a través de estas escenas entrecortadas, donde la completa ausencia humana evidencian el suspense y el misterio que desprende cada una de sus obras. Historias inacabadas, a medio desvelar que se sustentan sobre la conmovedora representación de la intriga.

En algunas de estas obras, incluso, algunos elementos impiden observar la escena completamente otorgando al espectador la responsabilidad de ser un testigo presencial. La complejidad de esta pintura reside en la técnica utilizada por este artista, en un lento proceso de témpera sobre lienzo y papel. En cualquier caso, la obra de Philipp Fröhlich se caracteriza por la representación de paisajes vacíos, misteriosas escenas que recrean la artificiosidad a través de la escenografía y el increíble manejo de la luz, dando como resultado conmovedoras atmósferas cargadas de suspense.

Y es que Remote Viewing es, en definitiva, una reflexión sobre el poder de la imaginación al servicio de la pintura.

Por Tania Pardo.

Philipp Fröhlich, (Schweinfurt 1975, vive en Madrid)
Entre sus exposiciones individuales, a parte de las dos anteriores en Soledad Lorenzo, figuran otras instituciones tales como: Laboratorio987, MUSAC; El Centro de Arte Joven, Comunidad de Madrid. Y exposiciones colectivas en: el MMOMA, Moscú, el MUSAC, Leon; El Museo Patio Herreriano, Valladolid; Fundación Coca- Cola, DA2, Salamanca; El Museo de Arte Moderno y Contemporaneo, Santander; La Colección Antonio Fernández Villalba; El Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Baluarte, Pamplona.

Madrid, España
Galería Soledad Lorenzo
Hasta el 25 de febrero

I was always a colorist, I’ve always had a phenomenal love of color… I mean, I just move color around on its own. So that’s where the spot paintings came from-to create that structure to do those colors, and do nothing. I suddenly got what I wanted. It was just a way of pinning down the joy of color.
-Damien Hirst

Since January 12, “The Complete Spot Paintings 1986-2011″ by Damien Hirst takes place at once across all of Gagosian Gallery’s eleven locations in New York, London, Paris, Los Angeles, Rome, Athens, Geneva, and Hong Kong. Most of the paintings are being lent by private individuals and public institutions, more than 150 different lenders from twenty countries. Conceived as a single exhibition in multiple locations, “The Complete Spot Paintings 1986-2011″ makes use of this demographic fact to determine the content of each exhibition according to locality.

Included in the exhibition are more than 300 paintings, from the first spot on board that Hirst created in 1986; to the smallest spot painting comprising half a spot and measuring 1 x 1/2 inch (1996); to a monumental work comprising only four spots, each 60 inches in diameter; and up to the most recent spot painting completed in 2011 containing 25,781 spots that are each 1 millimeter in diameter, with no single color ever repeated.

In conjunction with the exhibition will be the publication of  ”The Complete Spot Paintings 1986-2011″, a fully illustrated, comprehensive and definitive catalogue of all spot paintings made by Hirst from 1986 to the present. Published by Gagosian Gallery and Other Criteria, The Complete Spot Paintings 1986-2011 includes essays by Museum of Modern Art curator Ann Temkin, cultural critic Michael Bracewell, and art historian Robert Pincus-Witten as well as a conversation between Damien Hirst, Ed Ruscha and John Baldessari.

The third issue of the Gagosian App for iPad will also launch January, providing an interactive, in-depth look at the series that features more than ninety spot paintings.

“Damien Hirst: The Complete Spot Paintings 1986-2011″ precedes the first major museum retrospective of Hirst’s work opening at Tate Modern in London in April, 2012.

Damien Hirst was born in 1965 in Bristol, England. Solo exhibitions include “The Agony and the Ecstasy,” Museo Archeologico Nazionale di Napoli, Naples (2004); “A Selection of Works by Damien Hirst from Various Collections,” Museum of Fine Arts, Boston (2005); Astrup Fearnley Museet for Moderne Kunst, Oslo (2005); “For the Love of God,” Rijksmuseum, Amsterdam (2008); “No Love Lost,” The Wallace Collection, London (2009); “Requiem,” Pinchuk Art Center, Kiev (2009); and “Cornucopia,” the Oceanographic Museum of Monaco (2010). He received the Turner Prize in 1995. His work is included in many important public and private collections throughout the world.
Hirst lives and works in London and Devon, United Kingdom.

New York and Los Angeles, United States. London, England. Paris, France. Rome, Italy. Athens, Greece. Geneva, Switzerland. Hong Kong, China
Gagosian Gallery
From January 12

Siempre he sido un colorista, siempre he tenido un amor fenomenal por el color… Quiero decir que sólo muevo el color en torno a sí mismo. Desde ahí es de donde nacieron las pinturas de puntos: para crear esa estructura y hacer esos colores, y no hacer nada. De repente conseguí lo que quería. Era sólo una forma de precisar la alegría del color.
-Damien Hirst

Desde el 12 de enero, “The Complete Spot Paintings 1986-2011″ de Damien Hirst se lleva a cabo al mismo tiempo en las once sedes de Gagosian Gallery, en Nueva York, Londres, París, Los Ángeles, Roma, Atenas, Ginebra y Hong Kong. La mayoría de las pinturas fueron prestadas por particulares e instituciones públicas, juntando a más de 150 diferentes prestadores de veinte países. Concebida como una exposición individual en varias locaciones, “Complete Spot Paintings 1986-2011″ determina el contenido de cada exposición de acuerdo a la localidad en que se ubica.

La muestra incluye más de 300 obras. Ésta van desde el primer punto que Hirst creó en 1986, pasando por su pintura más pequeña que representa un medio punto de de 1 x 1 / 2 pulgadas (1996) y por una obra monumental de cuatro puntos de 60 pulgadas de diámetro, hasta la pintura de puntos más reciente (2011) que contiene 25.781 puntos que no repiten ningún color y cuyo diámetro mide 1 milímetro.

En conjunto con la exposición será publicado “The Complete Spot Paintings 1986-2011″, un catálogo totalmente ilustrado que abarca comprensiva y globalmente todas las pinturas de puntos efectuadas por Hirst desde 1986 a la fecha. Publicado Gagosian Gallery y Other Criteria, “The Complete Spot Paintings 1986-2011″ incluye ensayos de Ann Temkin, curadora del Museo de Arte Moderno, del crítico cultural Michael Bracewell y del historiador del arte Robert Pincus-Witten, así como una conversación entre Damien Hirst, Ed Ruscha y John Baldessari.

“The Complete Spot Paintings 1986-2011” precede a la primera retrospectiva importante que Hirst hará en un museo, específicamente en el Tate Modern de Londres en abril de 2012.

Nueva York y Los Ángeles, Estados Unidos. Londres, Inglaterra. París, Francia. Roma, Italia. Atenas, Grecia. Ginebra, Suiza. Hong Kong, China
Gagosian Gallery
Desde el 12 de enero

Dos de nuestros artistas Al Límite participarán de esta venta de verano en la Galería QUQU. Totoy Zamudio y Cecilia Fernández serán parte de esta actividad donde habrá pintura, grabado, acuarela y dibujo de los artistas de esta galería. Las obras podrán ser adquiridas con descuento desde un 10% a un 30%.

Galería QUQU
Albert le Blanc 1764
Lo Barnechea

Hasta el 31 de enero

“Todo (nada)” es el nombre de la exposición que trae a Santiago al reconocido artista neoyorquino Marc Sapir. Pinturas, collage y fotografía son los elementos a partir de los cuales crea diálogos que sugieren conexiones abstractas entre palabras e imágenes. “Es precisamente la yuxtaposición de antiguas técnicas análogas con las nuevas prácticas digitales lo que genera tensión y significado mientras se crea la lectura, la contemplación y la creación de nuevas conexiones”, señala Sapir.

Galería Isabel Aninat
Espoz 3100
Vitacura

Hasta el 30 de enero

Slater Bradley, artista radicado en Nueva York, presenta Don’t Let Me Disappear en Team Gallery, consistente en un solo vídeo de la cual la exposición toma su nombre.

Aunque ha trabajado con gran una variedad de medios, Bradley es mejor conocido por su trabajo en el cine. Este trabajo altamente literal, una actualización Boulevard of Broken Dreams, sigue al Doppelgänger del artista (alma “doble” o la imagen de uno mismo), el modelo y actor Benjamin Brock, que se pasea solo por Nueva York. Aunque Brock tiene un parecido físico con Bradley, no sólo actúa como sustituto del artista sino que también representa a una variedad de figuras, a una especie de hombre de la calle.

La obra alude con fuerza al vagabundo más conocido de la ciudad de Nueva York, Holden Caulfield de El guardián en el centeno. Al igual que el Doppelgänger, el carácter icónico y alienado de Salinger camina sin rumbo por las calles de Nueva York con una mirada crítica y emocionalmente separada de su entorno. El Doppelgänger percibe una artificialidad mientras examina la ciudad; su expresión de angustia, mientras absorbe la ciudad, recuerda la condena de Holden a los farsantes de la metrópolis. Al final de la película de Bradley, el Doppelgänger encuentra y se pone una gorra de caza roja, idéntica a la descrita en la novela, y al hacerlo se transforma en Holden.

La película describe la ciudad de Nueva York de del famoso ensayo de E.B. White Here is New York. White divide Nueva York en tres ciudades distintas: la del nativo, la de los pasajeros, y, la más importante de las tres, la de los trasplantados, para los que Nueva York es un destino final. El habitante de esta tercera Nueva York, paradójicamente, está rodeado de gente y a la vez está solo a perpetuidad. A pesar de que Bradley reside en Nueva York desde hace mucho tiempo, él proviene de San Francisco, y la película muestra la delicada relación que tiene con la ciudad: de intimidad y distancia, de asombro y terror, de adoración y desconfianza.

Nueva York, Estados Unidos
Team Gallery
Hasta el 18 de febrero

Team is pleased to present an exhibition of new work by New York-based artist Slater Bradley, Don’t Let Me Disappear, which consists of a single video from which the exhibition takes its name.

While he has worked in a variety of media, Bradley is best known for his work in film. This highly literate work, an update on his previously shown Boulevard of Broken Dreams, follows Bradley’s Doppelgänger, model and actor Benjamin Brock, as he wanders alone through New York City. Brock, who distinctly resembles Bradley, has been a consistent subject of the artist’s work over the past decade. While he acts in part as a stand-in for the artist, he does not neccesarily portray him directly, instead representing a variety of figures, a kind of everyman.

The work strongly alludes to perhaps the best-known wanderer of New York City, The Catcher in the Rye‘s Holden Caulfield. Like the Doppelgänger, Salinger’s iconically alienated character walks aimlessly through New York’s streets, critical of and emotionally removed from his surroundings. The Doppelgänger perceives an artificiality as he examines the city; his anguished expression as he absorbs the city recalls Holden’s condemnation of its “phonies.” At the end of Bradley’s film, the Doppelgänger finds and puts on a red hunting hat, identical to the one described in the novel, and in doing so transforms into Holden.

The film depicts the New York City of E.B. White’s famous essay Here is New York. White divides New York into three separate cities: that of the native New Yorker, that of the commuter, and, the most significant of the three, that of the transplant, for whom New York is a final destination. The inhabitant of this third New York, paradoxically, is surrounded by people but perpetually alone. Though he has long resided in New York, Bradley originates from San Francisco, and the film shows his delicate relationship with the City. It is one of intimacy and distance, awe and terror, adoration and distrust.

The Doppelgänger observes and touches the built environment and crowds of the city, all without actually engaging any person or thing. Bradley continually draws attention to the act of walking: the video opens with a shot of legs waiting at a crosswalk, then follows the walking feet of its subject, waiting two and half minutes before showing the rest of his person. Here, Bradley refers to to Walter Benjamin’s conception of the flâneur, Flaubert’s archetypal figure who strolls through the modern city. Benjamin’s flâneur perceptively observes his surroundings but remains wholly uninvolved with them. Department store window displays, like the ones the Doppelgänger desparately examines, are a product of the flâneur’s prevalence in the post-industrial citiy.

Throughout the video, the Doppelgänger’s disembodied voice mumbles brief passages from little-known Russian author Mark Levi’s mysterious 1934 Novel with Cocaine, which chronicles an adolescent male’s descent into hedonism and drug addiction during Russia’s tumultuous years 1916 through 1919. Like the novel, Don’t Let Me Disappear examines the depravity of a young man’s existance during a period of national strife.

This is the 36 year-old’s seventh solo show at Team Gallery. He has been the subject of one-person exhibitions at the Solomon R. Guggenheim Museum and The Whitney Museum of American Art in New York. Institutional solos also include the Aspen Art Museum, the Frans Hals Museum in Haarlem, The Netherlands, the Contemporary Arts Museum in St. Louis, the Berkeley Art Museum in California, and Bard’s Center for Curatorial Studies in Annandale-on-Hudson. Bradley’s work was included in the 2004 Whitney Biennial. His work has also been included in group shows at such venues as The Museum of Modern Art, New York, the Kunsthalle Fridericianum, Kassel, the Reina Sofia, Madrid, the Kunsthalle Wien, the Schirn Kunsthalle, Frankfurt, the De Appel Foundation, Amsterdam, the Chicago MCA, the Seattle Art Museum, and at the Jeu de Paume and the Palais de Tokyo, both in Paris.

New York, United States
Team Gallery
Until February 18

Mike Weiss Gallery se complace en presentar Extra F***ing Ordinary, la exposición debut de Will Kurtz en la galería. La muestra consta de esculturas de tamaño natural de figuras construidas en forma de collage con hojas arrancadas de periódicos, madera, alambre, tornillos, cinta adhesiva y objetos cotidianos, que representan los personajes capturados por la lente de la cámara del iPhone de Kurtz.

Utilizando el ojo observador de un curioso voyeur urbano, Kurtz pasa gran parte de sus días aplanando las calles de Nueva York para encontrar a los sujetos que luego se transformarán en sinceras y divertidas esculturas de tamaño natural. No es el atractivo estético lo que atrae a Kurtz sino la esencia y la fuerte representación de los prototipos que caracterizan la ciudad de Nueva York: desde un matrimonio de ancianos y los excéntricos dueños de perros hasta fumadores cascarrabias de mediana edad.

Las esculturas de Kurtz se refieren abiertamente a personas reales involucrados en escenarios reales, ya sea posando para las fotos de grupo en una atracción turística, paseando a su perro, cambiándose de ropa con torpeza o barriendo de mala gana. Kurtz admira con una lupa el diverso género de sujetos y escenas que se suelen pasar por alto. Las esculturas en conjunto presentan un mosaico franco y sin complejos de los neoyorquinos en sus coloridas formas que están en el límite de lo maníaco, y están hechas de los mismos periódicos que ellos leen en los cafés y el metro durante su viaje matinal.

Nueva York, Estados Unidos
Mike Weiss Gallery
Hasta el 18 de febrero

Mike Weiss Gallery is pleased to present Extra F***ing Ordinary, Will Kurtz‘s debut exhibition at the gallery. The show consists of life size figural sculptures constructed of collaged torn sheets of newspaper, wood, wire, screws, tape and everyday objects which depict the characters captured by Kurtz’s iPhone camera lens.

Utilizing the observing eye of a curious urban voyeur, Kurtz spends large portions of his days combing the streets of New York for his subjects which are later transformed into sincere and amusing life-size sculptures. It is not the subjects’ aesthetic appeal that draws Kurtz as much as their essence and strong representation of the multitude of prototypes that typify New York City: from an old married couple and endearingly eccentric dog owners to curmudgeonly middle-aged smokers.

Kurtz’s sculptures openly reference real people engaged in real scenarios, be it posing for group shots at a tourist attraction, walking their dog, awkwardly changing their clothes or reluctantly sweeping the floors. Kurtz holds an admiring magnifying glass to the genre of subjects and scenes that are commonly overlooked. The subjects collectively present a candid and unapologetic mosaic of New Yorkers in their blunt, colorful, borderline-manic ways made of the same papers they read in coffee shops and subways during their morning commute.

As important as the subjects are to understanding Kurtz’s works is the medium—discarded and recycled bits of print publication, DIY building and packaging supplies, along with everyday objects that bring a sense of familiarity to the works. Kurtz leaves the subjects’ skin and clothes unpainted, inviting a closer inspection of the kaleidoscopic bits of text and images that form each figure. By emphasizing the technique and the material life of his figures, Kurtz diverges from such realist sculptors as Duane Hanson and Ron Mueck, famous for their meticulous replication of the human skin. Kurtz’s figures, therefore, are more emblematic than realistic, reminding viewers they are constructs of Pop-culture references—from daily savings coupons and scandalous political headlines to the cultural and fashion icons of the style section and page six. Kurtz’s work is more closely affiliated with the everyday reverence seen in Bill Cunningham’s snapshots of fashionable New Yorkers than any unifying sense of timeless existence. It is Kurtz’s own insouciant and humorous reminder of life’s temporality.

Will Kurtz received his MFA from the New York Academy of Art where he was the recipient of the Postgraduate Fellowship, 2009 – 2010. His work is currently in the Eileen S. Kaminsky Family Foundation, Jersey City NJ; Tullman Collection, Chicago IL; Krupp Family Foundation, Boston, MA and the Collection Majudia, Montreal CA. Kurtz was born in Michigan and currently lives and works in Brooklyn NY.

New York, United States
Mike Weiss Gallery
Until February 18

Fecha: Del 3 al 12 de febrero

Lugar: Palm Beach, Estados Unidos

Web: www.aifaf.com

La artista visual Magdalena Errázuriz estará presente con una nueva exposición en el Club de golf de Cachagua. “Agua corriente, sana a la gente”, es el nombre de la muestra donde la artista buscó rescatar los tradicionales “secretos de la naturaleza” propios de las costumbres rurales chilenas a partir de la pintura.

Con un lenguaje que recoge distintas técnicas como lo pictórico, lo gráfico y el dibujo, plasma imágenes que le evocan, a quien las mire, ciertos recuerdos o sensaciones de sus propias vivencias.

Club de golf de Cachagua
Av. El Golf s/n
Cachagua

Hasta fin de mes

Este verano el MAM Chiloé abrirá con una serie de exposiciones simultáneas de artistas nacionales e internacionales. Entre ellos destacan, Eduardo Vilches que con serigrafías mostrará sus vivencias durante los primeros meses del golpe militar, Norton Maza que presentará una instalació construida con materiales de desecho. A partir de armas de gran tamaño simboliza una pausa de un conflicto bélico. Además se hará un homenaje a Patricia Israel (Chile, 1939 – 2011) con el díptico “Mascarón de proa encuentra mascarón de popa”, compuesto por dos piezas de oleo sobre tela, que se exhibirá como mascarón en la nave del MAM.

Museo de Arte Moderno Chiloé
Parque Municipal de Castro s/n
Chiloé

Hasta el 17 de marzo

La artista Piedad Castro presentará la exposición “El Placer de Hacer”, una muestra compuesta por veinte esculturas en bronce fundidas a la cera perdida. Las piezas surgen de la observación de lo bueno y hermoso de los seres que nos rodean, de las situaciones que vivimos día a día y de las experiencias de vida, del pasado y presente de cada uno de nosotros.

En la exposición se le da especial importancia a la mujer, a su rol en esta sociedad, donde tiene que conjugar todas sus tareas: esposa, madre, el trabajo.

Galería de Arte La Sala
Av. Alonso de Córdova 2700
Vitacura

Hasta el 31 de enero

A raíz de su exposición en Maison Rougeen la primavera de 2011 –muestra que fue ampliamente comentada–, la artista Chiharu Shiota vuelve a París para exponer en Galerie Daniel Templon una instalación monumental diseñada especialmente para la galería.

Chiharu Shiota combina la performance, el body art y la instalación en un proceso que pone el cuerpo como centro de su obra escultórica. Estudió con Marina Abramovic en Hamburgo en la década de los ’90 y su lenguaje artístico fue influenciado por artistas pioneras como Louise Bourgeois, Eva Hesse y Ana Mendieta, tanto en términos de la experimentación física y el enfoque en el inconsciente, como en la elección de materiales delicados como telas e hilos, tradicionalmente asociado con la feminidad. Chiharu Shiota comenzó a crear sus instalaciones hechas de hilos enredados en 1996, trabajos que, a la vez, convierten la obra de arte en una extensión de su propio cuerpo ausente, simulando una tela de araña.

La artista teje vastas estructuras en lana negra que encarcelan objetos evocativos tales como instrumentos musicales, vestidos de muñecas, zapatos y camas. Ellos flotan y han sido liberados de su objetivo principal, conjugando imágenes poéticas y emocionantes para el espectador. Ellos hacen un llamado a los recuerdos y enfatiza en la ausencia. “Siento que hay algo en común entre el silencio del piano quemado y el silencio en mi camino a casa. Esto está profundamente oculto en mi corazón”, revela la artista.

La red gráfica que conecta los elementos invoca el poder de los vínculos interpersonales, la dependencia inevitable del sujeto sobre sus raíces, relaciones que se ven estropeadas por el individualismo de la cultura occidental moderna. “Los hilos se entrelazan unos con otros. Se enredan. Se rompen. Y se desenredan. Es como un espejo de los sentimientos”, escribe Chiharu Shiota.

París, Francia
Galerie Daniel Templon
Hasta el 18 de febrero

In the wake of her widely noted exhibition at the Maison Rouge in spring 2011, artist Chiharu Shiota is returning to Paris to exhibit at Galerie Daniel Templon. She will be showing a monumental installation designed especially for the gallery’s Impasse Beaubourg space.

Chiharu Shiota combines performance, body art and installations in a process that places the body at the centre of her sculptural work.  She studied with Marina Abramovic in Hamburg in the 1990s. Her artistic language was influenced by pioneering artists Louise Bourgeois, Eva Hesse and Ana Mendieta, both in terms of physical experimentation and the focus on the unconscious, and the choice of delicate materials like fabrics and thread, traditionally associated with femininity. Chiharu Shiota began creating her series of installations made of tangled threads in 1996. The installations turn the work of art into an extension of her own absent body, mirroring a spider’s web.

The artist weaves vast structures in black wool thread that imprison various evocative objects, such as musical instruments, dolls’ dresses, shoes and beds. These objects are floating and liberated from their primary purpose, conjuring up poetic and moving images for the viewer. They call forth memories and emphasise absences. “I feel there is something common between the silence of the burnt piano and the silence on my way home, and that this is deeply hidden in my heart,” reveals the artist.

The graphic network that connects the elements invokes the power of interpersonal bonds, the subject’s inevitable dependency on her or his roots, the very relationships that are harmed by the individualism of modern Western culture. “The threads are interwoven into each other. Get entangled. Are torn apart. And disentangle themselves. It is like a mirror of feeling” writes Chiharu Shiota.

Born in the Japanese city of Osaka in 1972, Chiharu Shiota has been living and working in Berlin since 1997. She studied at the Berlin University of Fine Arts then the Hamburg University of Fine Arts and worked at Rebecca Horn’s studio.
Chiharu Shiota has performed and exhibited extensively, including at Brittany’s Domaine de Kerguéhennec in 1997, the Kunstmuseum in Bonn, Lille’s Eglise Sainte Madeline in 2004, Berlin’s Neue Nationalgalerie in 2006 and Osaka’s National Museum of Art in 2008.
The artist took part in the most recent Venice Biennial, exhibiting the Memory of books installation at the Gervasuti Foundation. Chiharu Shiota also designed the set for Matsukaze, the Japanese opera directed by Sasha Waltz and performed in Brussels at the Théâtre royal de la Monnaie and in Berlin at the Staatsoper in 2011.

Paris, France
Galerie Daniel Templon
Until February 18

Exquisitamente a tono con las señales gráficas del universo, la pintora Carrie Marill traduce lo efímero del mundo visual en interesantes y sofisticadas obras. La inquebrantable curiosidad estética de la arista desafía a través de series inspiradas por influencias tan dispares como paisajes del siglo XVIII en Europa y el diseño textil asiático. Hi n Lo, el último cuerpo de trabajo de Marill, aborda un cuestionamiento que surgió luego de una visita al Museo de Arte Moderno de Nueva York y, posteriormente, el American Folk Art Museum: “¿Por qué una obra de arte op es valorada como un “alto” en el arte y una colcha compleja considerada un “bajo”?

“El tema gira en torno a esta idea de mezclar los dos mundos. ¿Qué pasaría si Joseph Albers fuese un colchonero o las colchas de Gee’s Bend se convirtieran en pinturas expresionistas abstractas?” – Carrie Marill

Compuesta por obras que exploran las similitudes significativas entre estas tradiciones, las obras de Hi n Lo revelan en el uso de patrones el placer elemental de colores y formas dispuestas en un campo. Un tema recurrente tanto en algunas bellas artes influyentes como en las obras de los colchoneros norteamericanos, el patrón es algo que también llama la atención de Marill. La artista señala que “el patrón es una parte inherente de mi práctica artística, que desencadena la creación de nuevos trabajos.”

Mientras que el patrón puede parecer un concepto impersonal, Marill, a su manera típicamente idiosincrásica, trata el patrón de mosaico como una oportunidad de revelar la vulnerabilidad, como en “Red and White Mantra”, un tablero de ajedrez fascinante rodeado por una malla circular de pensamientos interiores y resoluciones.

Scottsdale, Arizona, Estados Unidos
Lisa Sette Gallery
Hasta el 28 de enero

Exquisitely attuned to the graphic signals of the universe, painter Carrie Marill translates the ephemera of the visual world into intriguing and sophisticated works. The artist’s unflinching aesthetic curiosity threads through series inspired by such disparate influences as 18th century European landscapes and Asian textile design. Hi n Lo, Marill’s latest body of work, addresses a question that struck her after a trip to New York City’s Museum of Modern Art and, subsequently, the American Folk Art Museum: “Why is an Op Art piece valued as ‘high’ art and an intricate quilt considered ‘low’?”

The theme centers around this idea of blending the two worlds. What if Joseph Albers was a quilter or Gee’s Bend quilts turned into Abstract Expressionist paintings? – Carrie Marill

Comprised of works that explore the significant commonalities between these traditions, the works of Hi n Lo revel in the uses of pattern–the elemental pleasure of colors and shapes arranged on a field. A reccurent theme of both the high art influences and the works of American quilters, pattern is also something that Marill is drawn to. The artist remarks that “pattern is an inherent part of my artistic practice, it triggers the creation of new work.”

While pattern may seem an impersonal concept, Marill, in her typically idiosyncratic way, treats tessellated pattern instead as an opportunity to reveal vulnerability, as in “Red and White Mantra”, a mesmerizing checkerboard vortex embraced by a circular scrim of interior thoughts and resolutions.

Scottsdale, Arizona, United States
Lisa Sette Gallery
Until January 28

Desde hoy, diversos espacios culturales acogerán la décima versión de la Bienal de Video y Artes Mediales en Chile (BVAM). Este evento se realiza desde 1993, y ha dado cabida a una serie de artistas que desarrollan sus obras experimentando en torno a formatos electrónicos como audio o video, el video arte.

“Deus ex Media” es el título que tiene este año, donde se apunta a dar énfasis al concepto, la relación que la obra tenga con el contexto actual y una lectura más profunda trascendiendo lo tecnológico.

Una serie de exposiciones, un coloquio internacional, talleres, conciertos audiovisuales y una feria libre de industrias creativas conforman el programa que tendrá lugar en el Museo de Arte Contemporáneo, el Centro Cultural Gabriela Mistral, el Centro Cultural Palacio de la Moneda, entre otros.

La exhibición de Wolf Vostell (MAC Forestal), uno de de los representantes más importantes del Fluxus y del video arte, será una de las muestras más destacadas de esta versión.

Otra de las actividades que año a año se realizan es el Concurso iberoamericano a la creación y autoría audiovisual Juan Downey. Es así como durante estos días se exhibirá el trabajo de diez artistas seleccionados a partir de la convocatoria.

Otra de las novedades para este año será la instauración del Premio Nacional de Artes Mediales, con el fin de reconocer la investigación y producción chilena de video arte. En esta iniciativa además participa el Área de Nuevos Medios del Consejo de la Cultura y las Artes.

Del 10 al 22 de enero

* Detalle de Nicolás Manning, “Kodak”, 2009, acrílico sobre tela, 200 x 200 cms.

Los artistas Juan Héctor Palavicino, Nicolás Manning, Johana Kurzer y Claudia Soto se reúnen en la exposición “Ritmo Geométrico”, una muestra que da a conocer distintas generaciones en torno a la abstracción y la geometría, a partir de diversas técnicas plásticas como pintura, escultura y dibujo.

Galería stuArt
Av. Pedro de Valdivia 0180
Providencia

Del 10 de enero al 2 de marzo

Lugar: Palm Beach, Estados Unidos

Web: http://www.artpalmbeach.com/

Lugar: Miami, Estados Unidos

Web: http://www.mia-artfair.com/

No te pierdas hoy la oportunidad de dormir en un museo. Sí, estás leyendo bien y se trata de “Noche Blanca” la nueva iniciativa que el MAC del Parque Forestal realizará hoy a partir de las 23 horas y que cierra el XI Festival de Música Electroacústica Ai-Maako. De esta forma, se propone una forma distinta de disfrutar de la música electroacústica: recostado o, derechamente, durmiendo.

Durante diez horas sonará una fina selección de obras acusmáticas de compositores de todo el mundo y una serie de solistas y conjuntos nacionales actuarán en vivo con la intención de inducir y acompañar cada una de las fases del sueño. Por eso mismo, se recomienda a los asistentes llevar sacos de dormir, colchonetas o cojines, ya que el concierto termina a las nueve de la mañana.

Hall MAC Forestal
Parque Forestal s/n frente a calle Mosqueto

PROGRAMA

Algunos destacados:

Transacústico

23:00: Live act / en vivo: El triple esparcimiento, AA & A & FB. Augías Amena (Fernando Mora), Aysén (Pablo Flores) y Frank Benkho (Mika Martini) (25’)
Visuales: Dj Fracaso

0:30
Gerardo Figueroa (Chile) plays (2011-12)
“Jugando boggle con Pánico”, Ramuntcho Matta (1999/ 4’56/ estéreo)
“Radia”, David Molina (2005/ 3’29 / estéreo)

Noche Blanca: Sueño ligero

2:00
Denis Dufour (Francia)
“Douze melodies acousmatiques” (1981/ 25’41/ estéreo)
Daniel Schachter (Argentina)
“Espejos Virtuales (En remolino/ Perpetuo/ La distancia)” (1994-2005/ 14’25/ estéreo)

Noche Blanca: Descanso subjetivo

3:00
Ake Parmerud (Suecia)
“Proximities (Närheter)” (1978/ 19’39/ estéreo)

Andrián Pertout (Chile)
“Melancholia” (2009/ 11’23/ 8 canales)

Noche Blanca: Bloqueo sensorial

4:30
Chris Watson (UK)
“ Ol-Olool-O” (2003/ 18’07/ estéreo)

Noche Blanca: Sueño profundo

6:00
John Young (Nueva Zelandia)
“Ricordiamo Forli” (2005/ 55’32/ 5.1 canales)

Despertar

8:00
Alain Savouret (Francia)
Extractos de la “Sonata Barroca” (1974): I. Scéne d’interiur (7’28). II. J’ai pris la porte (7’43). III. La conference mustrée et égarée du professeur Coustique (10’52/ estéreo)

30 artistas fueron convocados a que trabajaran a partir de una canción de amor. De esta manera, generaron una especie de playlist articulado desde la mirada de las artes visuales. “Canciones de amor y otras pasiones de origen romántico Volúmen III” es el nombre de este proyecto que consta de tres muestras curadas por Javier González Pesce, Pamela Ipinza e Ignacio Murua. Al igual que las dos primeras, esta tercera exposición, funcionará simultáneamente en la Galería Loewenthal y LOCAL.

Los artistas convocados son:
Victor Espinoza / Diego Santa Maria / Magdalena Atria /
Pablo Valenzuela / Muriel Gallardo / Paulina Silva / Patricio Gil Flood / Rosario
Carmona / Catalina Schliebener / Cristian Silva

Galería Loewenthal
Alvarez Condarco 934

LOCAL
Av. Italia 1129

Hasta el 14 de enero

*Detalle de “Cuando tú seas yo y yo sea tú”.

“ReComposición Femenina” es el nombre de la muestra de la fotógrafa Mabel Ruiz, donde a partir de la técnica del fotomontaje, la artista exhibe un viaje lúdico que traspasa horizontes de conciencia y penetra en el terreno de las fantasías, deseos y alucinaciones de mujeres colocadas en distintos escenarios.

La muestra fotográfica es financiada por el Fondart Regional 2011 y refleja el proceso creativo y de producción que comenzó el 2007 y que concluye con la exposición de 23 fotografías impresas en formatos de 100 x 60 cm.

Casona Cultural ex Banco Llanquihue
Interior Parque Urbano La Paloma
Puerto Montt

Hasta el 5 de febrero

Durante diez años, el chileno Jorge Brantmayer se dedicó a retratar a 900 santiaguinos. Es así como dio vida a la muestra “Muchedumbre”, en la que grandes rostros en blanco y negro constituyen un mapa antropológico visual de la capital.

Esta exposición fue parte del Festival de Bayona en octubre y noviembre del año pasado y ahora se enmarca en el Festival Internacional de Teatro Santiago a Mil, que este año decidió abrirse a otras disciplinas artísticas. Además es la primera vez en la historia de este certamen que se exhibe una muestra que no consiste en fotografías de obras teatrales.

Sala de Artes Visuales GAM
Av. Libertador Bernardo O’Higgins 227
Santiago

Hasta el 22 de enero

Tal como las palabras de título de la exposición, las pinturas individuales de Jitka Mikulicová parecen no tener asociación alguna, pero en realidad sí la hay. Su forma de pintar, derivada de la técnica del collage, es lo que se proyecta en el contenido del trabajo de Jitka Mikulicová. Los modelos anónimos –a partir de fotografías que ella encuentran al azar se en archivos de la familia y en los mercados de pulgas– se someten a una transformación fascinante. En sus pinturas, Jitka convierte a personas que parecen neutrales e informales en seres sombríos que obligan al público a mirar a otro lado.

Jitka Mikulicová se centra completamente en el modelo a retratar. Saca a los personajes de su contexto y los coloca en un entorno incierto y desdibujado. Se enfoca en ellos través de una composición centrada, derivada de las técnicas más comunes para la publicidad y la propaganda religiosa. Los ojos son el punto de culminación de cada pintura. El subconsciente, que es lo que Jitka Mikulicová en realidad busca representar, penetra hacia fuera a través de ellos. La inquietud se materializa en la forma de una mujer sólida con los ojos de un hipnotizador (“The Box” o “La caja”), una mueca del diablo con niños descansando sobre los agujeros de sus ojos (“The Devil” o “El diablo”), una figura misteriosa con todo el Universo creciendo dentro de su capucha (“The Astronomer” o “El Astrónomo”) o un rostro transformado en un extraño animal monstruoso (“The Fox” o “El Zorro”).

Praga, República Checa
Galerie Laboratorio
Hasta el 13 de enero

The individual paintings, as the words in the title of the exhibition, appear to be disparate but together they create unexpected associations. Her way of painting, derived from the collage technique, is thus projecting into the content of Jitka Mikulicová’s work. The anonymous models – from photographs randomly found in family archives and flea markets – undergo a fascinating transformation in her treatment. On her paintings, Jitka converts people appearing neutral and informal into gloomy beings who force the audience to look away.

Jitka Mikulicová fully focuses on the portrayed model. She extracts the characters from their context, and places them into an unclear and blurred setting. She emphasizes them by means of centered composition derived from techniques common to both advertising and religious propaganda. The eyes are the culmination point of every painting. The subconscious, which is what Jitka Mikulicová is actually depicting, penetrates through them out. The restlessness is materialized into the form of a solid woman with the eyes of a hypnotist /The Box/, a grimace of the devil with children resting in his eyeholes /The Devil/, a mysterious figure with the entire Universe starting to grow inside his hood /The Astronomer/, or a face transformed into an unspecified animal monster by the painter’s expressive gesture /The Fox/.

Jitka Mikulicová marries highly intimate iconography to an adequate form. The methods often used in art therapy correspond with the ambition of psychoanalyzing the portrayed characters. She draws her inspiration from collage method, children’s expression and the recklessness and coarseness of Art Brut. She melds techniques that display naivety, randomness and freedom, into a sophisticated and masterful style of her own.

The collage, which she pursues in the composition of her paintings so relentlessly, Jitka shows also in its genuine form. This authentic combination of gestic painting and photography forms an apposite pendent of Jitka Mikulicová’s cultivated painting style.

Prague, Czech Republic
Galerie Laboratorio
Until January 13

Porque el arte es para todos, la nueva línea de cuadernos presenta diseños con la obra de la artista plástica argentina reconocida a nivel mundial.

Ángel Estrada, la compañía líder en artículos escolares y de oficina, presenta la línea Marta Minujín, una serie de cuadernos que acercan el arte contemporáneo de la más importante artista pop de la Argentina. Los cuadernos invitan a sumergirse en el universo visual de Marta Minujín, explorando sus obras más emblemáticas en un collage fotográfico único seleccionado por la propia artista. “Este proyecto tiene mucho significado para mí porque imagino que va a contagiar a los chicos mi energía creativa y eso me agrada sobremanera”, comenta Marta.

La línea está integrada por tres cuadernos para que cada uno se llene de ideas, colores e inspiración con las creaciones de una artista inagotable. La visión rupturista de Marta Minujín y su audaz apuesta con los happenings y las obras de arte efímero en la vía pública, la transformaron en un ícono que deja su huella vaya donde vaya. Su famosa frase: “Arte, Arte, Arte”, logró establecerse como en una marca personal y popular de la artista, quien asegura que el arte es para todos.

La primera hoja de un cuaderno representa la posibilidad de un nuevo inicio, Marta explica esta sensación: “Una hoja en blanco siempre es un desafío” y agrega “Todavía conservo un cuaderno de cuando era chiquita, como una curiosidad”. Además, ella que supo transformar su propia vida en una obra de arte, cuenta que la inspiración puede encontrarse en cualquier parte, en todos los momentos de la vida y de la cultura y asegura: “Vivo en un mundo de imaginación e ideas cuya realización se convierte en obsesión hasta lograrlo”.

* Detalle de “Procesión andina en Santiago de Chile”.

El Centro Cultural Casona Nemesio Antúnez presentará “La ritualidad en el altiplano”, una muestra del artista peruano Felipe Coaquira Charca, que propone un recorrido por los aspectos ceremoniales de la cultura Aymara, mostrando sus iglesias como epicentro de diversos rituales.

Cerca de 15 acuarelas retratan las fiestas en las iglesias y reuniones populares en el altiplano. De esta forma se profundiza la relación que existe entre el pueblo Aymara y la cultura occidental, cuya mixtura se encuentra presente, especialmente, en sus ceremonias andinas vinculadas a la cristiandad, evidencia del sincretismo de dos culturas tan diferentes y un claro fundamento pictórico expresados con la intención de proyectar y descubrir nuestro patrimonio inmaterial.

Galería Nemesio Antúnez
Av. Larraín 8580
La Reina

Del 5 al 27 de enero

*

Detalle “Autopista”, 2010, dibujo, 100 x 70 cms.

Desde hoy hasta fines de mes Omar Gatica presentará una exposición que recorre más de tres décadas (desde 1980 hasta el 2011) de su trabajo. “Omar Gatica de Colección” es el nombre de la muestra compuesta por cerca de 60 obras entre las que se encuentran pinturas, dibujos y grabados.

La exposición logra una amplia perspectiva sobre su trabajo. Destaca el encuentro con esos primeros años, los más convulsos en su trayectoria. Son pinturas poco expuestas, que dan cuenta de una obra dotada de un vigor expresivo perturbador, que ha vuelto de algún modo en sus últimos trabajos con profundas reflexiones sobre la existencia contemporánea.

La vida urbana, la muerte y el erotismo, son algunos temas transversales en una
pintura de arrojo gestual y fuerte cromatismo, donde surgen formas dislocadas, cuerpos y espacios, ciudades tal vez, habitaciones o algún rincón de la psiquis.

Galería Artium
Alonso de Córdova 3102
Vitacura

Del 4 al 31 de enero

*Detalle obra de Jorgue Guerrero, “Máquina interna”, acrílico sobre tela, 80 x 80 cms.

Durante este verano la Galería Montecatini.cl tiene preparada una exposición que además será una venta especial con obras de destacados artistas. Jorge Guerrero, Rubén Fernández, Alejandra Cigarroa, son algunos de ellos.

Durante enero y febrero se podrán encontrar obras de distintos formatos con descuentos que van desde un 30% a un 50%.

Para más información visita www.montecatini.cl

Hasta el 28 de febrero

A partir de la utilización de la fotografía, video y nuevos medios el artista Nicolás Rupcich reflexiona acerca de las características técnicas de la imagen hoy, poniendo énfasis en la artificialidad y en cómo su producción afecta en la configuración de nuestro entorno y en las reacciones que produce el concepto de “imagen” en nuestra sociedad.

En su tercera exposición individual en Galería Die Ecke, Rupcich presenta “ML”, el video exhibido en la “28th Kasseler Dokumentarfilm und Videofest” en Kassel y que fue también seleccionado para ser presentado en febrero de 2012 en la XXV edición de la “Transmediale”, Festival de video y nuevos medios en Berlín.
En esta obra aparece la post-producción como el eje más importante, dejando en evidencia los procesos de construcción y alteración de la imagen tras la documentación.

Galería Die Ecke
José Manuel Infante 1208
Providencia

Del 5 al 28 de enero

*Detalle obra Rebecca DiDomenico (USA)

El Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, dará inicio a su temporada estival 2012 con el proyecto multidisciplinario “The Ecological Imperative/ El Imperativo Ecológico”, donde participa una serie de artistas de diversos países, incluido Chile.

Bajo la curatoría del norteamericano George Rivera, diversos artistas junto a instalaciones, performance, pintura, escultura, fotografía, video, música y poesía, se darán cita para propiciar un intercambio entre países y generaciones y movilizar las energías en relación al arte.

MAC Valdivia

Av. Los Laureles s/n

Valdivia

Del 6 al 23 de marzo

El destacado Oswaldo Guayasamín estará presente desde mañana con una muestra que exhibe doce grabados que dan cuenta de la relación entre arte y política en la década de los ’60 en nuestro país.

“Guayasamín en Chile, 1969” es el nombre de esta muestra que se constituye como la primera itinerancia regional de la Casa Museo Eduardo Frei Montalva y que presenta obras regaladas al ex mandatario chileno durante la visita del ecuatoriano en 1969.

Los doce grabados fueron realizados en el Taller “Inti Cori” de la ciudad de Quito en octubre de 1968, y corresponden a una edición limitada de trescientos ejemplares numerados y firmados por el artista.

Sala El Farol de la Universidad de Valparaíso
Blanco 1113
Valparaíso

Del 3 al 29 de enero

*Estas fueron algunas de las obras creadas el 2010

Este verano, el Museo de Arte Contemporáneo abre sus puertas para realizar una serie de talleres para niños y jóvenes entre 6 y 15 años.

Desde el 10 al 20 de enero los participantes podrán descubrir, experimentar y crear utilizando materiales no tradicionales en las sedes del Parque Forestal y Quinta Normal.

Sede Parque Forestal

“El objeto en mis juguetes”
Se propone vivenciar, apropiarse y reinventar significantes en sus juguetes a través de intervenciones y confección de objetos con diversas materialidades; dando existencia a un acto creativo y ritual
Fechas:
Martes 10 y jueves 12
Martes 17 y jueves 19

“Reinventa el paisaje”
Taller donde los participantes reflexionan entorno a los paisajes pictóricos del Santiago antiguo para construir por medio del volumen y alternancia de materiales, la recreación escenográfica de una mirada actual de nuestra ciudad.
Fechas:
Miércoles 11 y viernes 13
Miércoles 18 y viernes 20

Sede Quinta Normal

“Link del lápiz y el espacio”
Descubrir el uso de línea y perspectiva, trasladando el formato tradicional a nuevos espacios, cambiando su dimensionalidad, utilizando nuevas perspectivas, medios y materiales poco comunes.
Fecha:
Martes 10 y jueves 12
Martes 17 y jueves 19

“Miradas discursivas”
A través de la fotografía, se propone la captura de imágenes, para generar piezas únicas o intervenciones experimentales por medio de diversos dispositivos, comprendiendo su poder comunicativo para mostrar hechos, ideas y emociones.
Fechas:
Miércoles 11 y viernes 13
Miércoles 18 y viernes 20

Para mayor información:
educamac2011@gmail.com / educamac@uchile.cl

977 1751 – 52

www.mac.uchile.cl

No te pierdas esta venta especial de Galería Animal donde podrás encontrar a destacados artistas como Carlos Leppe, Arturo Duclós, Carlos Ampuero, entre otros. Una serie de obras serán expuestas al público y podrás adquirirlas con un 50% de descuento.

Más información: info@galeriaanimal.com

Galería Animal
Av. Alonso de Córdova 3105
Vitacura

Hasta el 28 de enero

El término estilo es escurridizo e indefinible. No conoce fronteras y no se limita al tiempo ni al espacio. El estilo es más que una moda, más que seguir una tendencia transitoria. Por el contrario, es posible capturar una cierta sensación de estilo en una fotografía. Beyond Style, la nueva exposición de Fifty One Fine Art Photography, presenta una visión panorámica sobre el término “estilo” con una amplia gama de imágenes.

Diversos contrastes surgen en la exposición. Fotografías de estudio de africanos anónimos se presenta junto a íconos de fama mundial, tales como Brigitte Bardot y Paul Newman, dos fotografías del reconocido fotógrafo inglés Terry O’Neill. Conocidas imágenes de fotógrafos de moda influyentes como William Klein y Frank Horvat también son parte de la muestra. No existe una jerarquía porque la esencia de estas fotos es idéntica: el retratado trata de mostrar su personalidad al espectador. Las poses y expresiones faciales son universales.

La obra de Jacques-Henri Lartigue es muy versátil. Además de su fascinación por el movimiento y del interés por capturar la dinámica de las carreras de autos y aviones en fotografías, En Beyond Style se muestran sus musas, Florette Ormea y René Perle, su esposa y su amante respectivamente. Una sofisticación y estilo similares se pueden encontrar en “Sombrero de rosa”, un retrato de la modelo italiana Isabella Albónico por Irving Penn.

Comparar los retratos antiguos y recientes del fotógrafo malí Malick Sidibé: sus fotos de estudio de los años sesenta y setenta caracterizan a la comunidad post-colonial de Bamako. Él retrata a sus habitantes en su mejor momento, con ropas de vivos estampados étnicos y con atributos notables. La serie que hizo para la revista del New York Times en 2009 muestra los mismos modelos en un entorno similar, pero usando los diseños de Dries Van Noten, Marc Jacobs y Miuccia Prada. El aura de los retratado es prácticamente la misma.

Moda y el estilo van de la mano, pero ciertamente no son sinónimos. Esto se refleja también en los retratos de Jacques Sonck. El fotógrafo belga elige modelos expresivas y extrovertidas, que destacan por su actitud excepcional. Aunque Sonck nunca ha tenido la intención de hacer fotos de moda, sus imágenes fácilmente cabrían en una revista de vanguardia. El vínculo con la legendaria fotógrafa estadounidense Diane Arbus, que es más conocido por sus fotografías de personajes excéntricos, no es remota. Su retrato de la notable modista Madame Alix Gres para Harper’s Bazaar corresponde perfectamente con el amplio contexto de Beyond Style. El retrato señorial del diseñador de moda Christian Dior por Emile Savitry también es parte de la exhibición.

Fifty One Fine Art Photography crea con Beyond Style un nuevo contexto y saca esas imágenes de su marco más obvio. El vínculo entre las diferentes fotografías pueden no parecer tan evidente, pero su carácter común es imposible de ignorar. La presencia carismática que define el tema, siempre en el foco.

Beyond Style cuenta, entre otros, con fotografías de Diane Arbus, Irving Penn, Jacques-Henri Lartigue, Frank Horvat, William Klein, Jacques Sonck, Emile Savitry, Claude Gassian, Saul Leiter, Daido Moriyama, Terry O’neill y Malick Sidibé.

Antwerp, Bélgica
Fifty One Fine Art Photography
Hasta el 21 de enero

Style is elusive and indefinable. It knows no boundaries and is neither bounded to time nor to space. Style is more than fashion, more than following a transitory trend. On the contrary, it is possible to capture a certain style-feeling in a photograph. Beyond Style, the new exhibition of Fifty One Fine Art Photography, presents a panoramic view on the term “style” with a wide range of pictures.

Various contrasts emerge in the exhibition. Anonymous African studio photos are presented next to world famous icons such as Brigitte Bardot and Paul Newman, two photographs of the renowned English photographer Terry O’Neill. Well-known images of influential fashion photographers like William Klein and Frank Horvat are displayed as well. There is no hierarchy, because the essence of these photos is identical: the portrayed tries to show his personality to the viewer. Poses and facial expressions are universal.

The oeuvre of Jacques-Henri Lartigue is very versatile. Besides his fascination with movement and the quest to capture the dynamics of car racings and airplanes in photographs, elegant portraits are also a constant throughout his photographic career. In Beyond Style his muses Florette Ormea and René Perle are shown, respectively his wife and his mistress. A similar sophistication and flair can be found in “Hat with rose”, a portrait of the Italian model Isabella Albonico by Irving Penn.

Compare the vintage and the recent portraits of Malian photographer Malick Sidibé. His studio photos from the sixties and seventies characterize the post-colonial Bamako community. He portrays the inhabitants at their best, in robes with vivid ethnic prints and with remarkable attributes. The series he made for The New York Times Magazine in 2009, shows the same models in a similar setting, but wearing the designs of Dries Van Noten, Marc Jacobs and Miuccia Prada. The aura of the portrayed hardly differs.

Fashion and style go hand in hand, but are certainly no synonyms. This is also reflected in the portraits of Jacques Sonck. The Belgian photographer chooses expressive and extravert models, who stand out by their exceptional attitude. Although Sonck never had the intention to make fashion photos, his images would easily fit in an avant-garde magazine. The link with the legendary American photographer Diane Arbus who is best known for her photographs of eccentrics, is not remote. Her portrait of notable couturier Madame Alix Gres for Harper’s Bazaar corresponds perfectly with the broad context of Beyond Style. The stately portrait of fashion designer Christian Dior by Emile Savitry is also exhibited.

Fifty One Fine Art Photography creates with Beyond Style a new context and takes all those images from their obvious framework. The link between the different photos may not seem that evident, but their common character is impossible to ignore. The charismatic presence that defines the subject, is always in focus.

Beyond Style with pictures of among others Diane Arbus, Irving Penn, Jacques-Henri Lartigue, Frank Horvat, William Klein, Jacques Sonck, Emile Savitry, Claude Gassian, Saul Leiter, Daido Moriyama, Terry O’neill and Malick Sidibé.

Antwerp, Belgium
Fifty One Fine Art Photography
Until January 21st

For this summer, Vértice Galería de Arte offers an interdisciplinary view of the arts, which includes design, in the exhibition + art+de/signs +. While design and art were linked since ancient times, its explicit importance became important just in the late nineteenth century, with art movements involving the design such as Art Nouveau, Arts & Crafts and later the Bauhaus, a school which was a milestone and whose impact is still present today.

We live surrounded by objects, and sometimes of works of art, which shape and define our world; objects that sometimes seem to have its own life and reclaim your space. This time, the gallery has chosen a diverse group of artists, designers and architects to integrate this shows where you will be able to see photography, printmaking, sculptures, furniture, lamps, ceramic and dress-object.

Lima, Peru
Vertice Galería de Arte
Until January 20th

Artists participating:

Alessandra Rebagliati
Ana Cecilia Farah
Sonia Cunliffe
Toto Fernández
Rocio Gomez
Magaly Sánchez
Eli Bedon
Walter Carbonel
Harry Chavez
Katherine Fiedler
Muss Hernández
Diana Vurbrand
Nelly García
Silvana Pestana
Silvana Llosa/Juan Francisco Melgar
Luis Ortiz de Zevallos
Ricardo Geldres/Karen Nishimura
Javier Rubio
Karen Macher
Iliana Scheggia
Paola Baertl
Pool Guillen
Chiara Macchiavello
Sergio Fang
Nicole Franchy

Vértice Galería de Arte propone esta vez, una visión interdisciplinaria de las artes, en la que se incluye el diseño con la exposición + art+de/signs +. Si bien diseño y arte estuvieron relacionados desde antaño, su importancia explícita recién se manifestó a fines del siglo XIX con movimientos artísticos que involucraron el diseño, tales como el Art Nouveau, Arts & Crafts y posteriormente la Bauhaus, escuela que marcó un hito y cuya repercusión, se hace presente aún hoy en día.

Vivimos rodeados de objetos, y a veces de obras de arte, que configuran y definen nuestro mundo; objetos que a veces parecen tener vida propia y reclaman su espacio. En esta oportunidad, se ha elegido a un heterogéneo grupo de artistas, diseñadores y arquitectos para integrar esta muestra donde veremos fotografía, grabado, piezas escultóricas, muebles, lámparas, un vestido objeto y cerámica.

Lima, Perú
Vértice Galería de Arte
Hasta el 20 de enero

Artistas participantes:
Alessandra Rebagliati
Ana Cecilia Farah
Sonia Cunliffe
Toto Fernández
Rocio Gomez
Magaly Sánchez
Eli Bedon
Walter Carbonel
Harry Chavez
Katherine Fiedler
Muss Hernández
Diana Vurbrand
Nelly García
Silvana Pestana
Silvana Llosa/Juan Francisco Melgar
Luis Ortiz de Zevallos
Ricardo Geldres/Karen Nishimura
Javier Rubio
Karen Macher
Iliana Scheggia
Paola Baertl
Pool Guillen
Chiara Macchiavello
Sergio Fang
Nicole Franchy

*Detalle obra ganadora “Pequeña muestra de microarte”

“Cabeza de Ratón” ya tiene ganadores. Martín La Roche obtuvo el primer premio con la instalación “Pequeña muestra de microarte”, un montaje compuesto por una serie de pequeñas partes, hechas a partir de materiales reciclables, que juntas exhiben un mueble al estilo de un gabinete de curiosidades. El segundo lugar fue para Raimundo Edwards y el tercero para Fernando Gómez. Además se otorgó una mención especial para los participantes de regiones a Italo Contador, de Valparaíso.

Esta es la sexta versión del concurso “Cabeza de Ratón”, una iniciativa organizada por el Museo de Artes Visuales (MAVI) y presentado por Minera Escondida, y que se realiza hace seis años como una ventana para difundir el trabajo de jóvenes artistas nacionales.

En una convocatoria se recibió más de 700 trabajos de 44 ciudades de todo el país, 64 quedaron preseleccionados y hoy se podrá conocer a los ganadores que además expondrán en una muestra que estará abierta al público hasta el 29 de enero.

Cabe destacar que una serie de jóvenes artistas que han participado en este concurso se han convertido en reconocidos exponentes del arte nacional. Entre ellos destacan Margarita Dittborn, Felipe Cusicanqui y José Pedro Godoy

MAVI
José Victorino Lastarria
Plaza Mulato Gil de Castro

Exposición hasta el 29 de enero

Ya sea persiguiendo a los trenes de carga que cruzan el país o repetidamente admirando las líneas que corrían prácticamente en su patio trasero, el difunto Richard Steinheimer sentía una gran Pasión por los trenes. De esa dedicación nació el tema de la exposición de Robert Mann Gallery acerca de la obra del fotógrafo, que cuenta con una amplia gama de imágenes clásicas de toda su carrera. Steinheimer falleció en mayo de este año.

Bien conocido por los amantes de los trenes, Steinheimer fue sin duda un pionero en el mundo del ferrocarril y la fotografía de trenes. Teniendo la cámara en serio en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, influyó en desarrollo de un alejamiento de la estética convencional conocido como “smoking wedgie “, que se centró en la velocidad del tren a expensas de cualquier otra información contextual u otras opciones de composición. Steinheimer abogó por un acercamiento más expresivo a sus temas, que parecía captar lo que un comentarista describió como “la impresión muy real [del ferrocarril], ya que se ve y se oye y se siente”, junto con una atención a la rica cultura e impresionantes paisajes que envolvían a la vía férrea. Estas innovaciones encontraron una audiencia receptiva, impulsada por la experimentación incesante de Steinheimer y su disposición para aceptar los cambios revolucionarios que vivieron los ferrocarriles en la era de la posguerra. Entre 1948 y 2001, la popular revista Trenes publicado más de 400 de sus fotografías.

Nueva York, Estados Unidos
Robert Mann Gallery
Hasta el 21 de enero

Whether chasing the freight trains that criss-cross the country or repeatedly admiring the commuter lines that practically ran through his backyard, the late Richard Steinheimer evinced a lifelong Passion for Trains. That dedication prompted the theme for Robert Mann Gallery’s exhibition of the photographer’s work, which will survey a wide-range of classical images from across his career. Steinheimer passed away in May of this year.

Well-known to railfans, Steinheimer was undeniably a pioneer in the world of railroad and train photography. Taking up the camera seriously in the years following World War II, he was influential in precipitating a move away from the conventional aesthetic known as the 3/4 speed-shot or “smoking wedgie,” which focused on the speed of the train at the expense of all other contextual information or compositional options. Steinheimer advocated a more expressive approach to his subject matter, seeming to capture what one commentator has described as “the very real impression [of the railroad] as it is seen and heard and felt,” coupled with an attentiveness to the rich culture and stunning landscapes that enveloped the railway. Such innovations found a receptive audience, fueled by Steinheimer’s relentless experimentation and willingness to embrace the revolutionary changes that railroads underwent in the postwar era. Between 1948 and 2001, the popular magazine Trains published well over 400 of his photographs.

The success of these pictures owes a great deal to their awareness of the role that trains play on a significant cultural level. Writing in the introduction to the catalogue of the exhibition Starlight on the Rails, Steinheimer perceptively observed, “As Americans we have a collective psyche that compels us to be on the move. Call it our myth of mobility. We believe that going somewhere else, down a distant track, away from present situations, can only mean broader fulfillment: a remedy for what ails us. It’s our restlessness that best understands and appreciates the symbolism trains and railroads play in our lives.” But the achievement of the photographs also extends beyond their topical interest to railfans. Like his contemporary O. Winston Link, whose innovations in night train images Steinheimer largely anticipated, Steinheimer developed a wide-range of formal, technical and narrative effects that are now the staple for many of the dominant currents in contemporary photography.

Richard Steinheimer was born in Chicago, IL, in 1929 and was raised in California. Several monographs of his photography have been published, including Backwoods Railroad of the West, one of the most collectible railroad books, as well as numerous survey books. He was a frequent contributor to publications such as Trains, Railfan, Locomotive & Railway Preservation, and Vintage Rail. His photographs are included in many significant private, corporate and institutional collections.

New York, United States
Robert Mann Gallery
Until January 20th

Si andas en busca de regalos originales, PLOP! Galería puede ser una buena opción. Este espacio organizó una venta navideña con una serie de obras de destacados ilustradores nacionales como Rodrigo Salinas y Alberto Montt, e internacionales como Rebeca Luciani y Cristian Turdera.

Obras que van desde los $50.000 serán parte de este evento que se llevará a cabo desde el 17 al 24 de diciembre de 12:00 a 22:00 horas.

Además se podrán encontrar libros ilustrados, novelas gráficas, libretas, bolsos, puzzles, muñecos, entre otros novedosos productos.

PLOP! Galería
Merced 349 Local 7
Barrio Lastarria

Desde el 17 al 24 de diciembre

En su versión 25º la iniciativa “Museos de medianoche” convoca a todo el público a visitar de manera gratuita 17 espacios culturales durante la noche de este viernes 16, donde habrá exhibiciones de artistas consagrados y emergentes, colecciones patrimoniales, teatro, música, proyectos audiovisuales y vistas al cielo nocturno.

La Casa Museo Eduardo Frei Montalva, la Galería Die Ecke, el Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos serán algunos de los lugares que podrán ser visitados hasta las 00:00 horas.

Para más información visita:
Museos de Medianoche en Facebook

Algunas alternativas:

Galería Die Ecke
Muestra con una selección de lo mejor del año y destacadas obras de artistas tales como Johanna Unzueta, Isidora Correa, Nicolás Rupcich, entre otros.
Álvarez Condarco 934

Sala de Arte Fundación Telefónica
Exhibirá “Picasso: La Belleza Múltiple”. La exposición que llega por primera vez a Sudamérica y que consta de más de 70 grabados y litografías originales del artista.
Av. Providencia 111

Museo Nacional de Bellas Artes
Entre otras cosas se podrá visitar la exposición de fotografías “André Kertész. El doble de una vida” y la muestra “Matta100”, organizada con motivo de la celebración del centenario del natalicio del pintor Roberto Matta.
Av. Parque Forestal s/n

Museo de Artes Visuales, MAVI
Se encontrará la exhibición de finalistas y ganadores del 6to. Concurso de Arte Joven, Concurso Cabeza de ratón.
José Victorino Lastarria 307

Cultural Matucana 100
Reabrirá su Galería de Artes Visuales con el proyecto “Colección de Imágenes”, el cual invita a reflexionar sobre nuestra “cultura visual”.
Av. Matucana 100

On the occasion of the one-hundredth anniversary of Matta’s birth, The Pace Gallery is honored to present Matta: A Centennial Celebration, on view at 534 West 25th Street through January 28, 2012. The exhibition focuses on the later years of the artist’s life, featuring 14 paintings, with the largest measuring 13 by 27 feet and many of which have never before been on public view outside Europe. The show follows Matta 1911–2011, a major museum show at the Institut Valencià d’Art Modern and Museo de Bellas Artes de Bilbao and precedes Centenario Matta: 11.11.11 at the Centro Cultural Palacio La Moneda in Santiago, Chile (November 11, 2011–February 26, 2012), celebrating the special occasion on both sides of the Atlantic. The exhibition has been organized in close collaboration with the artist’s children Pablo Echaurren, Federica Matta and Ramuntcho Matta.

In 1957 the Museum of Modern Art, New York recognized Matta’s significance in shaping the trajectory of modern art with a major retrospective devoted to his works until that date. Although the artist exhibited widely throughout Europe, Asia and Latin America during the second half of the twentieth century, the works produced in the later years of his life remain largely unseen in the United States. Matta: A Centennial Celebration provides an opportunity to examine these later masterpieces and re-establishes Matta’s rightful position as a seminal figure in the canon of modern art. The exhibition follows The Pace Gallery’s presentation of five decades of the artist’s work in 2009, which focused more heavily on the earlier years of his career.

A catalogue with an essay by writer Justin Spring will accompany the exhibition.

New York, United States
The Pace Gallery
Until January 28th

About Roberto Matta:

Chilean-born Matta is considered one of the great Surrealists and is widely acclaimed for his critical—and catalytic—influence on the development of Abstract Expressionism and on his contemporaries, including Jackson Pollock, Arshile Gorky, Mark Rothko and Robert Motherwell. “This year, the centenary year of Matta’s birth, cultural historians are finally coming to a fuller understanding of this restless international genius, and in so doing, starting to situate his life and work not only in the context of European art history, but also within the increasingly linked cultural histories of Latin America, the United States, Italy, Spain, and France,” Spring writes. An introduction to Salvador Dalí via Federico García Lorca led to Matta’s invitation from André Breton to join the Parisbased Surrealist circle as its youngest member in 1937. Matta participated in the Paris Exposicion International du Surrealism in 1938 and, with the the onset of World War II, moved to New York the following year, where he quickly established a strong presence in the New York art world. After nearly a decade in the United States, Matta returned to Europe in 1948. The artist resided in Rome until 1955 and lived the rest of his life in Paris, London, and Tarquinia (an ancient Etruscan city north of Rome). Throughout his life, Matta traveled widely and synthesized the influences of the many profound thinkers, artists and revolutionaries, as well as the diverse cultures that he encountered, into his work. As Matta’s daughter Federica explains, “He created his thinking in the waves of the different languages mixing…[and] his thought was built in the moment of his speaking. He was doing the same in painting…He was letting the languages and the forms carry him.”

“The function of art,” Matta once said, “is to unveil the enormous economic, cultural, and emotional forces that materially interact in our lives and that constitute the real space in which we live.” Pushing beyond the Surrealists’ typical Freudian-inspired work, Matta sought to create an art that was not purely introspective, but that instead spoke to a broader social context. From his earlier landscapes of the tumultuous Chilean geography to his portrayal of the horrific realities of World War II, the racial violence in the United States in the 1960s and the war in Vietnam, Matta’s energized canvases reflect a profound awareness of the world and a unique ability to portray the realities of our shared social history.

En 1957 el Museo de Arte Moderno de Nueva York reconoció la importancia de Matta en la conformación del arte moderno con una gran retrospectiva dedicada a su obra. Aunque el artista expuso ampliamente en toda Europa, Asia y América Latina durante la segunda mitad del siglo XX, la mayor parte de las obras producidas en los últimos años de su vida son aún desconocidas en Estados Unidos. Matta: “Matta: A Centennial Celebration” brinda la oportunidad de examinar estas obras más tardías y restablece la posición que le corresponde de Matta como una figura fundamental en el canon del arte moderno. La exposición sigue otra muestra de The Pace Gallery de 2009, donde presentó trabajos que el pintor hizo durante cinco décadas, que estuvo enfocada en los primeros años de su carrera.

Nueva York, Estados Unidos
The Pace Gallery
Hasta el 28 de enero

El trabajo con tierra para elaborar objetos es una costumbre ancestral que ha trascendido milenios. La versión nacional y contemporánea de este oficio tiene su encuentro este diciembre en la XVI Feria de la Cerámica Gres de Chile 2011.

Con productos recién salidos del horno, este diciembre la cerámica gres tendrá una nueva fiesta. Más de cincuenta ceramistas y talleres se reunirán en la Corporación Cultural Las Condes y expondrán sus últimas creaciones en una feria que reunirá a creadores de Los Andes, Viña del Mar, Pirque, Puerto Varas y la Región Metropolitana.

“Aquí se da cabida a la cerámica de autor en sus distintos formatos de expresión”, explica Leopoldo Durán, ceramista y gestor del encuentro. Esculturas y otras obras de artistas, lozas, floreros y ceniceros, objetos decorativos como botellas, cajas o vasijas, son algunas de las cosas que se podrán encontrar entre el 15 y el 21 de diciembre.

Esta iniciativa nació en 1995 con el fin de promocionar el trabajo de quienes practican este oficio en Chile. Hoy la feria se ha consolidado como un evento que convoca a la familia y que año a año se reinventa. En 2009, por ejemplo, se trasladó a su actual locación, y desde entonces “la feria ha tenido un renacer, convocando en forma masiva a lo largo de todo Chile, en un ambiente pluralista y generoso con sus pares”, según enfatiza Durán. Para esta nueva versión destaca la presencia de la argentina Andrea Lallana, quien ha creado un fructífero taller en Reñaca, y la participación de Marta Chávez (Perú), una fiel exponente de este espacio, cuyo trabajo se caracteriza por su calidad de facturación.

Del 15 al 21 de diciembre / Corporación Cultural Las Condes. Apoquindo 6570, Las Condes / Entrada Liberada

Luego de cuatro años, el reconocido escultor Javier Stitchkin presenta sus últimos trabajos en la Galería La Sala: Emociones en Bronce, una muestra de 33 esculturas que abordan las emociones internas en el plano de la pareja, y también la evolución del cuerpo.

Por primera vez, el artista nacional realiza una muestra en bronce a la cera perdida: la más noble y perfecta de las técnicas escultóricas que da origen a piezas de calidad y pureza únicas.

Galería La Sala
Alonso de Córdova 2700
Vitacura

Hasta el 15 de diciembre

At Beton7, from 8 to 14 December a video screening project After the Rage will take place featuring the work of 12 artists from Arab countries and the Arab diaspora.

In selecting these artists, the project seeks to draw attention to the geo-cultural conditions that have emerged in the past year, what the media termed the ‘Arab Spring’, thereby predetermining its eventual course. The end purpose here is not to come up with regional clusterings or to look for national and religious stereotypes, nor is it to locate geo-strategic blueprints and power relations. It is, rather, to reveal the symbolic dimension of this reordering of societies, which is taking place through the mobilization of a massive part of their nexus, despite the heterogeneous, contradictory and, often, violent means involved.

The search for these experiences, directly or otherwise, in the work of Arab artists, not as a mere chronicle in a linear relationship to events or future possibilities, but as a framework, whose common thread is the ‘adversity condition’, is especially relevant for contemporary visual art production in Greece, a society dealing with equally peculiar conditions, albeit of different origin.

Participating artists:

Ahmed AlSaer ( Eg ), Basma AlSharif ( Pal ), Kader Attia (Alg, De), Ismail Bahri (Tun, Fr), Taysir Batniji ( Pal, Fr), Mounir Fatmi ( Ma, Fr), Khaled Hafez ( Eg), Lamia Joreige ( Leb), Maha Maamoun ( Eg), Walid Raad/ The Atlas Group ( Le, USA), Larissa Sansour ( Pal, UK), Oraib Toukan ( Jo ).

Organised by Lo and Behold and curated by Giorgos Papadatos
Texts by Charlotte Bank, Ilias Marmaras

Athens, Greece
Beton 7
December 8th to 14th

Un conjunto de doce artistas árabes y de la diáspora árabe se juntaron para trabajar, entre el 8 y el 14 de diciembre, en un proyecto de exhibición de video de After the Rage.

Para la selección de estos artistas, el proyecto busca llamar la atención sobre las condiciones geo-culturales que han surgido en el último año –algo que los medios de comunicación han denominado “primavera árabe”–, y con ello predeterminar su eventual rumbo futuro. El objetivo final aquí no es crear agrupaciones locales o buscar estereotipos nacionales y religiosos, ni tampoco localizar puntos geoestratégicos y relaciones de poder. Es, más bien, revelar la dimensión simbólica de este reordenamiento de las sociedades, que que implica una gran movilización sus vínculos, a pesar de los medios heterogéneos, contradictorios y, a menudo, violentos que se involucran en esto.

La búsqueda directa o indirecta de estas experiencias en la obra de artistas árabes –no como una mera crónica de la relación lineal de los acontecimientos o de las posibilidades de futuro, sino como un marco, cuyo hilo conductor es el “estado de adversidad”–, es especialmente relevante para la producción de artes visuales contemporáneas en Grecia, una sociedad que debe hacer frente a condiciones igualmente peculiares, aunque de distinto origen.

Artistas participantes:

Ahmed AlSaer (Eg), Basma AlSharif (Pal), Kader Attia (Argelia, De), Ismail Bahri (Tun, Fr), Taysir Batniji (Pal, Fr), Mounir Fatmi (Ma, Fr), Khaled Hafez (Eg), Lamia Joreige (Leb), Maha Maamoun (Eg), Walid Raad/ The Atlas Group (Le, USA), Larissa Sansour (Pal, UK), Oraib Toukan (Jo).

Organizada por Lo and Behold y curada por Giorgos Papadatos.
Textos por Charlotte Bank e Ilias Marmaras.

Atenas, Grecia
Beton7
Entre el 8 y el 14 de diciembre

Con el fin de acercar la fotografía al público, 22 fotógrafos independientes participan en una nueva exposición y venta que se inicia hoy. Obras de carácter documental, artístico, experimental y fotoperiodismo, entre otros, se darán cita en el Taller Huelén.

Durante tres días se podrá apreciar y adquirir a precios de taller la obra fotográfica en diferentes formatos y soportes de autores tan destacados como Paz Errázuriz, Álvaro Hoppe, Tomás Munita, Javier Godoy y Zaida González, entre muchos otros.

Taller Huelén
Huelén 115
Providencia

A partir del miércoles 7 de diciembre a las 17 hrs. Jueves 8 y viernes 9 de diciembre, entre 11:00 y 22:00 hrs.

On Tuesday, December 6th, it was the last edition of the year of Gallery Nights 2011 Palermo, the circuit organized by Arte al Día Editorial, which gathers art lovers in a unique journey that brings together the leading art spaces in Buenos Aires. More than 5 art spaces opened their doors to show Palermo circuit’s novelties.

The pins of the tour were: Claudio Roncoli in Elsi del Rio, the exhibition ” Arte y Caballos” (“Art and Horses”) in the space of Milo Lockett, with works by Marta Minujín, Luis Felipe Noé, Edgardo Giménez, Renata Schussheim, among others; the exhibition “11 | 11 | 11 – Ir al ser: ofrendas de artista” (“11 | 11 | 11 – Going to the being: artist’s offerings”) and “Yo creo” (“I believe”) in the gallery of Carla Rey.

The route of Gallery Nights Old Palermo extends between Dorrego St., Córdoba Av., Gascón and Santa Fe.

Buenos Aires, Argentina
Barrio Palermo

El martes 6 de diciembre, a partir de las 19 hs, se realizó la última edición de Gallery Nights 2011 Palermo, el circuito organizado por Editorial Arte al Día que convoca a los amantes del arte en un original recorrido que nuclea a los más destacados espacios de arte de la ciudad de Buenos Aires. Este martes se abrieron las puertas de más de 25 espacios de arte para presentar las novedades del circuito de Palermo.

Los imperdibles del recorrido fueron: Claudio Roncoli en Elsi del Río; la muestra “Arte y Caballos” en el espacio de Milo Lockett con obras de Marta Minujín, Luis Felipe Noé, Edgardo Giménez, Renata Schussheim, entre otros; la muestra “11|11|11 – Ir al ser: ofrendas de artista” y “Yo creo” en la galería de Carla Rey.

El recorrido de Gallery Nights de Palermo Viejo se extiende entre las calles Dorrego, Av. Córdoba, Gascón y Santa Fé.

Buenos Aires, Argentina
Barrio Palermo

Art in books

Ernesto Neto, Erwin Wurm, Gabriel Orozco, Hans Ulrich Obrist, Liam Gillick, RoseLee Goldberg, Todd Eberle, Tomas Saraceno, and Tracey Emin will be signing their books art Artbook’s booth in Art Basel. Limited editions by Paul McCarthy, Wolfgang Tillmans, Amy Cutler, Catherine Opie and Michael Clark will be sold and they will lauch “NAILED: The History of Nail Culture and DZINE”, published by Standard Press/Damiani.

Highlight: “Toilet paper” by Maurizio Cattelan y Pierpaolo Ferrari
As an exclusive for Art Basel Miami Beach ARTBOOK is offering 40 complete sets of “Toilet Paper” with a limited edition TP bag. “Toilet Paper” is published by Deste Foundation for Contemporary Art.

Following in the wake of Maurizio Cattelan’s cult publications “Permanent Food” and “Charley”, this new print enterprise comes straight from the aberrant, animated mind of the Italian-born provocateur, mischief-maker and macabre witness to our times. Conceived in collaboration with photographer Pierpaolo Ferrari and published by Deste, “Toilet Paper” contains no text but combines commercial photography with twisted narrative tableaux and surrealistic imagery to create a journal that is as appropriate for the coffee table as it is for the WC.

Roses at the beach

South Beach is coming up roses, literally, as Sagamore, The Art Hotel on Miami Beach, along with its owner, Martin Taplin, art collector and curator Cricket Taplin, and the Paul Kasmin Gallery in New York, announce Will Ryman’s 65th Street to be publicly installed on the hotel’s beachfront for Art Basel Miami Beach 2011. A towering sculpture with one bud reaching as high as 22 feet, the exhibit reflects Ryman’s flair for the dramatic and absurdly wonderful.

Offering a bug’s-eye-view of the world, 65th Street will feature four colossal pink and red buds, ranging from five to ten feet in diameter, with the tallest bud inhabited by a brass aphid and beetle. Ryman, familiar with non-traditional materials, utilizes stainless steel, yacht-grade fiberglass resin, automotive paint and brass to create sculptures designed to withstand the elements.

Ya abrieron las ferias de arte en Miami y aquí destacamos algunos eventos que tendrán lugar durante estos días.

Arte en libros

Ernesto Neto, Erwin Wurm, Gabriel Orozco, Hans Ulrich Obrist, Liam Gillick, RoseLee Goldberg, Todd Eberle, Tomás Saraceno y Tracey Emin estarán firmando libros acerca de su trabajo en el stand the Artbook, en Art Basel.

Además se venderán ediciones limitadas de Paul McCarthy, Wolfgang Tillmans, Amy Cutler, Catherine Opie and Michael Clark. También será el lanzamiento de “NAILED: The History of Nail Culture and DZINE”, publicado por Standard Press/Damiani.

Destacado: “Toilet paper” de Maurizio Cattelan y Pierpaolo Ferrari
Como una exclusiva de Art Basel Miami Beach ARTBOOK ofrece 40 juegos completos de “Toilet Paper” con una bolsa TP de edición limitada. “Toilet Paper” es publicado por la Fundación Deste de Arte Contemporáneo.

Siguiendo a sus publicaciones de culto, “Permanent Food” y “Charley”, Maurizio Cattelan, este nuevo trabajo viene directamente de la mente aberrante y provocadora de este fabricante revoltoso y macabro testigo de nuestros tiempos. Elaborado en colaboración con el fotógrafo Pierpaolo Ferrari y publicado por Deste, “Toilet Paper” no contiene texto, sino que combina la fotografía comercial con cuadros narrativos retorcidos e imágenes surrealistas para crear una revista que es tan apropiada para la mesa de café como para el WC.

Rosas en la playa

South Beach se está poniendo color de rosa, literalmente. Sagamore, The Art Hotel en Miami Beach, junto al coleccionista comisario de arte Cricket Taplin y Paul Kasmin Gallery de Nueva York, instalaron las clásicas rosas de Will Ryman –usualmente ubicadas en 65th Street– en la playa de la ciudad de Miami. Esta obra, de 22 pies, es un reflejo del interés de Ryman por lo dramática y absurdamente maravilloso. Se trata de cuatro brotes rosados y rojos hechos de acero inoxidable, otros metales, fibra de vidrio de yates y pintura automotriz, diseñados para soportar las inclemencias del tiempo.

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Video y arte carioca en Miami

Un nuevo lugar para arte emergente abrirá sus puertas en Santiago. Se trata de Local Project, un espacio que nació hace nueve años en Nueva York, a pocos pasos del PS1 —espacio experimental del Museo de Arte Contemporáneo, MoMA en Long Island Ctiy— y cerca de los famosos graffitis de 5 Pointz. Uno de los objetivos principales de este espacio es crear puentes entre el arte y el público en general.

La inauguración de Local Project se realizará en el Condominio Condarco Loft, una iniciativa inmobiliaria de recuperación patrimonial en el barrio de Providencia. Sin embargo, luego de eso la idea es mantener durante un año una galería satélite que se denominará Terminal 1 y quedará en Av. Italia.

El estreno de Local Project se hará con Envío/Shipping, una muestra integrada por una veintena de piezas realizadas por diferentes artistas que han participado o participan en la organización y que reflejan su multiculturalidad. Para facilitar el transporte de las obras, se ha realizado una convocatoria a los artistas con tema y técnica abiertos, pero todos deben utilizar el mismo papel, ya sea con serigrafía, collage, dibujos o pintura.

Local Project se ha caracterizado por la diversidad de su convocatoria, agrupando a artistas estadounidenses, europeos y latinoamericanos; y conformando un público muy plural integrado por artistas jóvenes y en general personas interesadas en el arte.

Local Project abre el viernes 16 de diciembre a las 18:00 horas

Condominio Condarco Loft
Álvarez Condarco 921
Providencia

20 cuadros, uno por cada año de carrera, es lo que presentará el artista visual Mario Sánchez en su exposición “Actos de imaginación” en la Sala de Arte Mall Plaza de Los Ángeles.

Una de las características del trabajo de este pintor chileno es su temática semifigurativa a través del dibujo sobre papel y el óleo sobre tela.

Si quieres conocer más de la obra de Mario visita

Tercer nivel del Mall Plaza Los Ángeles
Calle Valdivia 440
Los Ángeles

Desde el 6 al 22 de diciembre

Una muestra que reúne figuras de 10 cm. de hombres y mujeres que modelan un gran paisaje a escala es lo que está presentando ell Centro de Extensión en Identidad y Patrimonio del Consejo de la Cultura (CNCA). “Marcha blanca, en tránsito por Valparaíso” es el nombre de la exposición del  artista visual Juan Manuel Astete.

Las figuras retratan a mujeres y hombres de nuestro país en su calidad de transeúntes, que a partir de la representación de personajes comunes modelan un gran paisaje humano a escala. En ellas el autor revitaliza la problemática respecto a la acción de arte en los últimos años en Chile, donde más que pretender cautivar la admiración de un público selecto, interpela al ciudadano común, al transeúnte que se descubre en la repetición de los retratos de ciudadanos anónimos que enfrentan la ciudad y sus desplazamientos.

Centro de Extensión en Identidad y Patrimonio
Sotomayor 233
Valparaíso

Hasta el 13 de diciembre

Una selección de obras de unos 150 artistas nacionales e internacionales de su propia colección es lo que ofrece la Galería Artium en esta exposición y venta de navidad.

Desde artistas emergentes hasta consagrados, destacan piezas exclusivas de varios maestros del arte del siglo XX y de reconocidos artistas chilenos. Estarán presentes Roberto Matta, Víctor Vasarely, Nemesio Antúnez, Matilde Pérez, Gonzalo Cienfuegos, Mario Toral, Roser Bru, Samy Benmayor, entre otros.

A través de pinturas, dibujos, grabados, técnicas mixtas y esculturas, la muestra recorre tendencias como el arte cinético, el op art, el realismo, el surrealismo, la nueva figuración, el neoexpresionismo y la abstracción.

Galería Artium
Alonso de Córdova 3102
Vitacura

Hasta el 24 de diciembre de 2011

Dale Chihuly is the artist that will inaugurate the new Halcyon Gallery, at New Bond Street, London. The timing of this exhibition is significant for Chihuly, as 2012 will mark fifty years of the International Studio Glass Movement. Chihuly is a founding member and leading protagonist of the Movement, which started from humble beginnings in America in 1962.Since the early days, Chihuly has done more to revolutionise how glass is perceived as an art form worldwide, than any other artist working with the medium.

The Chihuly exhibition will occupy all three levels of the new gallery space and will feature new site-specific work such as a 24-foot long Mille Fiori garden of glass and a two storey Gold and Quartz Two Tier Chandelier, as well as drawings and paintings by the artist. Works across the glass series, which Chihuly has developed throughout his career, since the 1970s, will be represented in the exhibition. Chihuly’s exotic forms, which burst with rich, vibrant colours, include Cylinders and Baskets in the 1970s; Seaforms, Macchia, Venetians, and Persians in the 1980s; Ikebana and Chandeliers in the 1990s; and Mille Fiori in the 2000s.

Chihuly is internationally known for his ambitious architectural installations around the world, in historic cities, public museums and private homes and gardens. Three of the artist’s large Chandelier installations will feature in the exhibition.

London, England
Halcyon Gallery
From December 5th to February 28th